Si crees que eres fanático de la trilogía de Matrix y sabes más que nadie de ella, da un paso para atrás, respira profundo y piénsalo nuevamente. Y es que tras 15 años de su estreno, aún seguimos descubriendo secretos que fueron parte de la famosa película.
Claro, porque puede que conozcas los diálogos de memoria y que puedas describir cada escena, pero es poco probable que te hayas fijado en los once mensajes ocultos en la película y que un usuario de Youtube recopiló en un vídeo.
Cuestión de probar a ti mi mismo qué tanto sabías de tu película favorita... Intentemos.
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La carpeta con los antecedentes de Neo en la escena del interrogatorio tiene el número uno en la esquina superior derecha. Y aún no sabía que, efectivamente, era el elegido (The One en la versión en inglés).
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Una televisión vieja de la organización AWA, el fabricante de electrónica más grande de Australia, aparece cuando Morfeo le explica Matrix a Neo. Después, cuando cuelgan del helicóptero casi al final de la película, pasan por un edificio de la AWA.
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El mosaico colocado frente al ascensor en el que suben para ir a ver al oráculo tiene un graffiti con el nombre del programa de arte para niños Art Attack.
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El periódico de uno de los guardias en la escena del lobby, antes de rescatar a Morfeo de los agentes, tiene el nombre The City Defender. No hay referencia alguna de que haya existido en algún lugar.
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Hay una referencia al libro El Mago de Oz con la línea de Cypher: "So buckle up Dorothy, because Kansas is going bye-bye" (ajusta tu cinturón Dorothy, porque Kansas te dirá adiós). Después, se ve el nombre Oz en los cubos con que juega una niña al llegar con el oráculo
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En los mismos cubos, también se observa el dibujo de un helicóptero que puede hacer referencia a una de las escenas finales de la película.
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Los dos directorios que aparecen en la oficina de Neo, al principio de la película, hacen una aparición sobre el refrigerador del oráculo también.
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Al final de la película, aparece una pantalla con la visualización en números de la Matrix sobre la que aparece después la frase "Fallo en el Sistema". Si se pausa la película justo antes de que aparezca, se ven los números 911. El número de emergencia en Estados Unidos.
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La fecha de expiración del pasaporte de Neo es el 11 de septiembre de 2001. La fecha de los atentados a las Torres Gemelas en Nueva York fue el 11 de septiembre de 2001.
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El nombre del edificio en el que rescatan a Morfeo es de la compañía Metacortex y tiene forma de una columna vertebral. Esto puede hacer referencia a la corteza cerebral, parte del cerebro que lidia con la conciencia. Metacortex, por lo tanto, podría significar algo más allá de la conciencia.
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Cuando Neo se vuelve poderoso y lucha contra el agente Smith, se escucha parte del soundtrack de la película "2001: Una odisea del espacio".
El veinticinco aniversario de Eurimages parece que va a marcar un punto de inflexión para la iniciativa que cada año reparte en cuatro convocatorias alrededor de 21 millones de euros entre casi un centenar producciones europeas.
Según Roberto Olla, director ejecutivo de Eurimages, los responsables de esta iniciativa están pensando en abrirlo a otros territorios no europeos con el fin de convertirlo en un fondo de coproducción internacional que apoye películas innovadoras y alternativas al cine de Hollywood. Otra de las posibles novedades en estudio es incluir en las convocatorias a productos transmedia y videojuegos, donde los actuales rectores del programa de subvenciones ven una gran oportunidad.
“No aspiramos a competir con la maquinaria de Hollywood, nuestro objetivo ha sido producir películas plurales y de calidad y creo que lo hemos conseguido solo hay que mirar la lista de producciones apoyadas por Eurimages en todos estos años. Sin ir más lejos ‘La gran belleza’ ganó el Oscar a la mejor película de habla no inglesa el año pasado”, comentó Olla.
En opinión del director ejecutivo del fondo de coproducción europeo, la era de Internet lo ha cambiado todo, ha globalizado el mercado y por eso deben dar un paso más: “El mundo ha cambiado, no tiene sentido construir una barrera en torno a Europa, tenemos que abrir Eurimages a otros países no europeos como es el caso de Canadá, que mantiene acuerdos bilaterales de coproducción con todos los países del fondo. Si pueden hacer coproducciones bilaterales ¿por qué no hacerlas multilaterales? También creemos que España y Portugal deben desempeñar un papel fundamental para abrir el programa a Iberoamérica”, comenta.
Además, el consejo de Eurimages está planteando la redacción de una única normativa de coproducción a nivel mundial y se han creado varios grupos de trabajo para acometer todas estas reformas en la nueva era. Eurimages otorga a las películas elegidas créditos que se deben devolver si las películas tienen finalmente éxito, beneficio neto. El año pasado se ingresaron por este concepto dos millones de euros que la iniciativa de coproducción decidió invertir en películas más arriesgadas de bajo presupuesto: “Tratamos de adaptar diferentes propuestas de financiación que funcionan en otros lugares del mundo como el ‘cine guerrilla’ israelí, que a nosotros nos gusta denominar ‘películas de laboratorio’, donde lo que importa es el concepto y no el guión. Vamos a apoyar este tipo de productos que tienen presupuestos de unos 200.000 euros, daremos una fracción de la ayuda una vez que veamos una parte de la obra y el resto al final”, asegura Olla. Entre las nuevas propuestas que se están debatiendo también está el reducir el umbral de participación en una producción multilateral al 5 por ciento, ya que ahora está en el 10 por ciento.
Por su parte, Sergio García de Leaniz, Project Manager Eurimages, enumeró los diversos criterios de elegibilidad de un proyecto para recibir una ayuda Eurimages. Las subvenciones están acotadas a largometrajes de ficción, documentales y películas de animación. En la coproducción deben intervenir al menos dos países de los 36 que integran Eurimages, también pueden incorporarse países no miembros pero su porcentaje en la producción nunca podría superar el 30 por ciento.
En las estructuras de coproducción multilaterales el porcentaje del coproductor mayoritario no puede ser de más del 70 por ciento y ese porcentaje llega hasta el 80 por ciento en coproducciones bilaterales. Además, en producciones con presupuestos de más de 5 millones de euros el productor mayoritario puede aportar el 90 por ciento. Las coproducciones deben tener un carácter europeo y debe existir una cooperación tanto técnica como artística.
Los proyectos presentados deben tener asegurado el 50 por ciento de la financiación en cada uno de los países que participan. También se debe demostrar que se cuenta con una ayuda pública, algún tipo de beneficio fiscal, una preventa televisiva o un mínimo garantizado de ventas internacionales. Finalmente, el inicio del rodaje debe comenzar en los seis meses siguientes a la concesión de la ayuda. También se permite que la mitad del rodaje se haya realizado hasta la fecha de la reunión del consejo para la convocatoria en la que se ha presentado el proyecto. Cada año el consejo recibe 180 proyectos de coproducción de los cuales se apoyan entre el 45 y el 50 por ciento. La ayuda máxima concedida son 500.000 euros o el 17 por ciento del presupuesto total de la película. Se trata siempre de préstamos que se recuperan cuando hay beneficio neto.
El fondo Eurimages fue creado en 1988 en el marco del Consejo de Europa con el objetivo de promover la industria cinematográfica europea mediante el fomento de la producción y distribución de películas y el fomento de la cooperación entre los profesionales. Eurimages tiene una finalidad cultural clara y es complementario del programa MEDIA de la Unión Europea, que tiene un objetivo industrial. Eurimages ha desarrollado cuatro programas de financiación: Asistencia para la coproducción, la distribución, las salas de cine y el apoyo a la digitalización de los proyectos financiados por Eurimages.
El realizador norteamericano, Darren Aronofsky, presidirá el jurado del 65º Festival Internacional de Cine de Berlín –también conocido como la Berlinale– que se llevará a cabo del 5 al 15 de febrero de 2015.
Contrariamente a muchos presidentes del jurado de las ediciones recientes de la Berlinale, Aronofsky nunca ha tenido una película compitiendo por el prestigioso Oso de Oro. Sin embargo, no es ajeno al circuito de festivales; debutó en Sundance con Pi(1998); Requiem for a Dream (2000) se estrenó fuera de competencia en Cannes; The Fountain (2006) estuvo en Venecia; y The Wrestler (2008) ganó el León de Oro en el certamen italiano.
Dieter Kosslick, representante del Festival de Berlín, señaló:
Darren Aronofsky se ha distinguido como un protagonista destacado en el cine de autor contemporáneo. Resalta su enfoque artístico que busca reinventar el lenguaje cinematográfico y sus posibilidades estéticas. Estoy encantado de poder darle la bienvenida como Presidente del Jurado de la Berlinale 2015.
Por su parte, Aronofsky añadió:
En la Berlinale, el cine siempre es emocionante y fascinante. Tengo muchas ganas de ver lo último de los más grandes en una de las grandes ciudades del planeta.
En 2011, Aronofsky recibió varias nominaciones al Oscar con Black Swan (2010), protagonizado por Natalie Portman. Su más reciente filme, Noah (2014), estrenado a finales de marzo, recaudó 258 millones de dólares en la taquilla mundial.
“Hay alguien allí” triunfa en el I Festival de Cine de Maracaibo
El documental “Hay alguien allí” de Eduardo Viloria Daboín ganó el premio de Mejor documental en la primera edición del Festival de Cine de Maracaibo que culminó el pasado 25 de octubre, el veredicto del jurado fue el siguiente: “Por abordar de forma emocional y artística el tema de la discapacidad y la voluntad para superar enfermedades y obstáculos, desde puntos de vista y tratamientos distintos pero que tienen en común un profundo sentido social capaz de sensibilizar al espectador”. Vale destacar que este premio fue compartido con el documental “El laberinto de lo posible” de Wanadi Siso.
Después de su importante y destacado recorrido por festivales nacionales, a partir del próximo 14 de noviembre el público venezolano podrá ver en la cartelera cinematográfica “Hay alguien allí” del cineasta Eduardo Viloria Daboín, bajo la producción de Gioconda Mota Gutiérrez. El film es distribuido por el Circuito Gran Cine, fue realizada por La Célula Cooperativa Audiovisual con el apoyo del Centro Nacional Autónomo de Cinematografía (CNAC), el Fondo de Compensación Interterritorial del Consejo Federal de Gobierno, el IDENNA, la CANTV y Ávila TV.
En este documental intimista veremos la cotidianidad de Helena -una niña de 9 años con autismo- y de su familia, y nos acercaremos a las angustias y alegrías propias de la vida con esta condición.
A partir del hallazgo de filmaciones realizadas a niñas y niños con autismo durante los años 70 y 80 por la Dra. Lilia Negrón, psiquiatra pionera en la investigación y diagnóstico de este síndrome en Venezuela, los realizadores Viloria y Mota, padre y madre de Helena, inician un viaje hacia el encuentro con algunos de los niños y niñas que aparecen en esas filmaciones, con el propósito de conocer cómo viven hoy en la adultez. Para Viloria, el proyecto “pretende sensibilizar a la población venezolana sobre el tema del autismo, como parte de la lucha por la plena satisfacción de los derechos de quienes viven con esta condición”.
A la par de su estreno comercial, “Hay alguien allí”, tendrá un preestreno en Caracas el domingo 02 de noviembre en el marco del I Encuentro Nacional de Documentalistas, en la Sala Manuela Sáenz de Caracas, el cual contará con la presencia de su director, Eduardo Viloria Daboín, quien aprovechará la ocasión para conversar con el público. La entrada es libre.
Por último, “Hay alguien allí” fue ganador como Mejor Largometraje Documental en el recienteFestival de Cine Latinoamericano y Caribeño de Margarita, además recibió Mención Honorífica del Jurado en el VIII Encuentro Hispanoamericano de Cine y Video Independiente “Contra el silencio todas las voces” en México. También este año participó en el Festival de Cine Entre Largos y Cortos de Oriente (ELCO), en la Muestra de Cine Documental de Mérida, en la VII Muestra de Cine Latinoamericano de Caracas.
GALERÍA: Las siguientes fotografías muestran los distintos momentos en que dos o más cineastas se reúnen. Ya sea durante rodajes, comidas, entregas de premios o entrevistas, los realizadores han coincidido a lo largo de la historia para intercambiar puntos de vista, compartir sus ideales artísticos o simplemente divertirse como buenos amigos.
Jean Cocteau discute su obra, Un retrato de Colette, con Henri-Georges Clouzot, 1957.
La actriz italiana, Anna Magnani, acompañada por tres directores franceses: Yves Allégret, Jean Renoir y Jacques Becker.
Orson Welles y Charles Chaplin conversando al interior del Brown Derby en Hollywood en 1947.
Federico Fellini e Ingmar Bergman durante el rodaje de Satyricon (1969).
Los realizadores Claude Lelouch, Jean-Luc Godard, François Truffaut, Louis Malle y Roman Polanski en conferencia de prensa durante el Festival de Cine de Cannes más turbulento en mayo de 1968.
Josef von Sternberg se encuentra con Sergei M. Eisenstein en la estación de tren, 1930.
Elizabeth Hill, Charles Chaplin, Paulette Goddard y King Vidor a su llegada al circo Al G. Barnes, 1934.
Abel Gance es felicitado por D.W. Griffith después del estreno en Estados Unidos deJ'accuse! (1919)
François Truffaut y Luis Buñuel en 1969.
Akira Kurosawa le da la bienvenida a sus colegas, Francis Ford Coppola y George Lucas, en la locación donde filmaba Kagemusha (1980).
En la cena organizada para el ganador del Premio Louis Delluc, Henri-Georges Clouzot por Les Diaboliques. Sentados (izquierda a derecha): Jean Renoir, Clouzot y André Malraux. De pie (izquierda a derecha): Jacques Tati, Jacques Becker, Robert Bresson, G. Masso, Alexandre Astruc y Noël-Noël.
Robert Bresson y François Truffaut en el Festival de Cine de Cannes de 1967.
Ingmar Bergman y Charlie Chaplin disfrutan de una larga conversación en la habitación de Chaplin en el Grand Hotel de Estocolmo, Suecia en 1964.
“El banquete de los genios”. De pie (izquierda a derecha): Robert Mulligan, William Wyler, George Cukor, Robert Wise, Jean-Claude Carriere y Serge Silverman. Sentados (Izquierda a derecha): Billy Wilder, George Stevens, Luis Buñuel, Alfred Hitchcock y Rouben Mamoulian. Los Ángeles, California en 1972.
Alain Resnais y Chris Marker después de recibir el Premio Jean Vigo en 1954 por el cortometraje Les statues meurent aussi.
Nelson Pereira dos Santos, Agnes Varda, Wim Wenders y Werner Herzog.
Michelangelo Antonioni y Andrei Tarkovsky en Estocolmo, Suecia, 1985.
Sydney Pollack y Stanley Kubrick durante el rodaje de Eyes Wide Shut (1999).
Ron Howard, Steven Spielberg, Martin Scorsese, Brian de Palma, George Lucas, Robert Zemeckis y Francis Ford Coppola, durante el cumpleaños 50 del director deStar Wars en 1994.
John Waters y David Lynch se encuentran afuera del restaurante Bob’s Big Boy en Los Ángeles, 1979.
Sofia Coppola y Quentin Tarantino durante la cena de apertura en el Festival de Cine de Cannes 2004.
Los directores de las cinco películas nominadas al Oscar 2011 en la categoría de Película Extranjera. Rachid Bouchareb (Hors-la-loi, Argelia), Alejandro González Iñárritu (Biutiful, México), Yorgos Lanthimos (Dogtooth, Grecia), Susanne Bier (In a Better World, Dinamarca) y Denis Villenueve (Incendies, Canadá).
Carlos Reygadas y Arturo Ripstein.
Nicolas Winding Refn y Alejandro Jodorowsky, 2013.
Fue grande la sorpresa de enterarnos que el próximo proyecto fílmico del mexicano Alejandro González Iñárritu no sería un drama como a los que nos tenía acostumbrados. Con Birdman, título del nuevo filme, Iñárritu ingresa al mundo de la comedia. Aunque la primera imagen que se acaba de difundir del filme nos muestra más bien personajes complejos y conflictuados que cómicos.
Birdman contará la historia de un hombre que, después de ganar fama al interpretar a un superhéroe, ha sido olvidado. Para traer el éxito de vuelta, decide montar una obra de teatro en Broadway. Después de esto, la historia transcurre en una sola locación en la que seguimos al protagonista tratando de resolver los problemas que conlleva llevar a cabo un espectáculo de tal magnitud. Por la fotografía tomada en el set de filmación podemos asumir que los recuerdos seguirán –literalmente– a Michael Keaton, protagonista del filme.
A Keaton se unen Naomi Watts, Emma Stone, Zach Galifianakis, Edward Norton y Andrea Riseborough. Birdman se estrenará el próximo año, probablemente en el marco de algún festival de cine.
"El cine se ha convertido en mi vida. No me refiero a un mundo paralelo, sino a mi vida misma. A menudo tengo la impresión de que la vida cotidiana está allí para proporcionarme material para mi próxima película”, escribió alguna vez Pedro Almodóvar en su sitio web en Myspace y como se cita en el libro A Companion to Pedro Almódovar (2013) editado por Marvin D'Lugo y Kathleen M. Vernon. Una frase que resume el significado del cine en la vida del reconocido artista español detrás de películas como Todo sobre mi madre (1999) o Hable con ella (2002) y reciente productor de Relatos salvajes (2014) del realizador argentino Damián Szifron. Mubi se dio a la tarea de compilar las películas favoritas de todos los tiempos de Almodóvar. Para ello hizo una revisión de la guía de cine de Time Out de 1995, del sondeo de Sight & Sound de 1992, de la selección de Nickelodeon en 1994, del País en 2010, y del AFI Fest en 2012. En total son 43 filmes los que conforman la lista de preferidos del director Manchego.
Su selección deja ver una predilección ver su admiración por los thrillers, especialmente del cine negro. Así pasa de The Night of the Hunter (1995) de Terry Sanders, Robert Mitchum, Charles Laughton, a Touch of Evil (1958) de Orson Welles. Además de Fellini, Antonioni, Kurosawa, Visconti, Melville o Buñuel.
Para los que estén interesados en conocer las influencias de Almodóvar, sus intereses, les compartimos cuatro videos que registran distintas presentaciones en variados foros del cineasta en Estados Unidos.
Lista:
1. The Night of the Hunter (1955) Dir. de Terry Sanders, Robert Mitchum, Charles Laughton
2. The Rules of the Game (1939) Dir. Jean Renoir
3. All About Eve (1950) Dir. Joseph L. Mankiewicz
4. Leave Her to Heaven (1945) Dir. John M. Stahl
5. North by Northwest (1959) Dir. Alfred Hitchcock
A más de cien años de su nacimiento, con este texto recordamos al actor, al torero, al empresario y al hombre que, con su cigarrillo, los ralos bigotes y la inconfundible manera de hablar, cinceló en la memoria de millones de personas el nombre de Cantinflas.
El niño Fortino Mario Alfonso, cuarto de ocho hijos de los Moreno Reyes, se despierta, como cada mañana, para ir a la escuela. No se le da mucho el estudio, pero es popular y con frecuencia convence a sus amigos para irse de pinta. Su infancia se desarrolla en la colonia Guerrero; sueña que va a ser rico, que va a viajar, que va a conquistar a las muchachas, pero aún no sabe cómo.
Pasan los años y el adolescente Mario, alias «el Chato» Moreno, tiene sus primeros empleos: ayudante de escribano, recogedor de pelotas de tenis, asistente en la oficina de Correos de México, donde trabaja su padre. Le gusta bailar y boxear. Se empieza a entrenar en este deporte, pero siempre acaba en la lona, así que lo deja. Por las noches asiste a las funciones en las carpas, donde los cómicos y las bailarinas hacen felices a los espectadores. Mario quiere formar parte de este mundo. Ingresa en él como bailarín, asciende a actor sustituto y termina trabajando a diario, a escondidas de sus padres, muy maquillado para que no lo descubran. Inevitablemente se dan cuenta, y a disgusto, aceptan que el muchacho se dedique a este —para ellos— poco honroso empleo.
Él habla para no decir, los demás escuchan para no entender. Carlos Monsiváis
A finales de los años 20 surge «Cantinflitas», un payaso-peladito[1] que resulta muy popular en las carpas citadinas. Es un muchacho flaquillo y desgarbado, de pantalón caído hasta media nalga, un arrugado sombrerito, la cara pintada a la usanza de aquellos foros, y demás andrajos. Se nota que está inspirado en Chupamirto, personaje creado por Jesús Acosta Cabrera para el periódico El Universal. Dicen que Cantinflas nació porque alguien le gritó a su creador: «¡Cuánto inflas!». No es así pues —según ese señor Moreno que encarna al peladito— a él se le ocurrió el nombre y el vestuario de su personaje, tanto que se lo apropió para convertirlo casi en un símbolo nacional. El payaso «Cantinflitas» crece y se convierte en Cantinflas.
La justicia llega, tarde, pero llega. Lo que pasa es que, como es ciega, no sabe por dónde nada. Cantinflas
Mario es feliz en el ambiente un tanto miserable de la carpa, hace giras y su Cantinflas le gusta al público. Trabaja en la capital y en la provincia: la Pagola, de Xalapa; el Salón Sotelo, de Azcapotzalco; el Salón Mayab y el Teatro-Salón Valentina, donde se enamora de la mujer que se convertirá en su esposa: la inmigrante rusa Valentina Ivanova, su «Valita», cuñada de Estanislao Schilinsky. Ante su éxito en las carpas, la gente de teatro se fija en él. El empresario José Furstemberg lo contrata para inaugurar el Follies Bergere, en Garibaldi. Al igual que la carpa, el recinto se llena para verlo.
Cantinflas ha evolucionado. Ha hecho suyo el estilo de hablar y hablar sin decir nada. El maquillaje sigue siendo excesivo, pero más tendiente a peladito que a payaso. En sussketches utiliza una expresión que se asociará al personaje para la posteridad: «el detalle», que entre los peladitos es la mariguana, pero para Cantinflas puede ser muchas cosas: una situación, una novia, un problema. Los cómicos que lo acompañan en el teatro —Manuel Medel, Schilinsky, entre otros—, aunque son muy buenos, no logran el éxito de Cantinflas, que está a punto de pasar a las ligas mayores de la artisteada: el cine.
¿Qué diferencia hay? Una señora, después de todo, es una señorita… después de todo. Cantinflas
Los años de pobreza —que no de miseria— de la familia Moreno Reyes han quedado atrás. Mario gana un buen sueldo y les regala un carro a sus papás. Él se compra su propio Cadillac y una casa en la colonia Clavería, donde vive con su mujer y sus suegros. A finales de los años 30, se asocia con el libanés Santiago Reachi y el judío Jacques Gelman para producir sus películas. Forma un sólido equipo de trabajo encabezado por su eterno director, Miguel M. Delgado, y se gana un sitio en la llamada Época de Oro del cine nacional.
Lleva usted dos minutos hablando y no ha dicho nada. ¿Qué fue lo que pasó?
Cantinflas y su arte. Su primera película es No te engañes corazón (1936), en la que tiene dos o tres escenas junto a otro cómico famoso de la época: Marcelo Chávez «Don Catarino». El recibimiento de Cantinflas es tibio, quizá porque no aparece con su indumentaria típica, sino con bombín y tremendo corbatón.
Fragmento de la película No te engañes corazón:
Pero llega el año de 1940, y con él, el gran estreno de la película que lo hará famoso:Ahí está el detalle. En esta cinta aparece en su personaje, tal como lo ha hecho en carpas y teatros. Del maquillaje extremo de los primeros tiempos quedan los bigotitos incipientes y la barba de tres días, el sombrero maltrecho, los pantalones rotos y aguados a la cadera, el hilacho al que pomposamente llama «gabardina» y los toscos zapatones. Cantinflas brilla, la crítica lo aclama y los cines se saturan durante meses para ver esta cinta, considerada una de las mejores en la historia de la pantalla grande en México.
Fragmento de la película Ahí está el detalle:
Mario Moreno no es Cantinflas. Es el actor que ha creado «el personaje», el empresario que ha ganado una fortuna, un hombre severo que gusta del lujo, que tiene un inmenso guardarropa de la mejor calidad, casas suntuosas y extensas propiedades, es un hombre influyente que destina grandes cantidades de dinero a obras de caridad. Mario Moreno no sonríe. Los admiradores corren a pedirle autógrafos a su artista favorito, creen que les hablará como Cantinflas y les hará bromas, pero se encuentran con un tipo serio, con los pantalones bien fajados, sin el bigotito de partido de futbol —once de cada lado— y con una gabardina de verdad. Firma sin entrar «en confiancitas».
Usted tiene un punto de vista y yo tengo otro, como quien dice, estamos contrapuntedos. Cantinflas
Bajo el amparo de su propia casa productora —la posa Films, fundada en 1939— Cantinflas trabaja sin descanso, filma y estrena una película por año: Ni sangre ni arena (1941), donde hace ostentación de sus habilidades toreras; El gendarme desconocido (1941), una de las más aclamadas, tanto por el pueblo como por la crítica especializada; El circo (1942), homenaje o imitación del gran Chaplin; dos adaptaciones de clásicos de la literatura universal: Los tres mosqueteros (1942) yRomeo y Julieta (1943), que la gente acude a ver gustosa, aunque a los críticos de cine les parecen francamente malas.
Pero esto no altera a Cantinflas que, en medio de una terrible crisis que atraviesa el cine mexicano, es de los pocos personajes que llenan las salas cinematográficas durante meses, mientras su creador se embolsa millones de pesos en ganancias.
Escenas de la película Los tres mosqueteros:
En su rol de empresario, Mario viaja a Europa. A su regreso, monta un espectáculo teatral titulado Bonjour Mexique, que incluye —¡oh, escándalo!— un desnudo total femenino. Sin embargo, el caro montaje no reditúa ganancias y Mario Moreno no volvería a subirse a las tablas, a excepción de una corta temporada de la obra Yo Colónen 1953, para estrenar el novedoso Teatro de los Insurgentes.
Cantinflas torea. Es el torero cómico más asediado del ambiente taurino. Su entendimiento con el astado es extraordinario: lo mira, le platica, lo acaricia, le hace algunos pases, lo tumba y se recarga en él para dormir o leer el periódico. Por último, «lo mata» dándole a oler el zapato. La gente aplaude extasiada ante este dominio del peladito sobre la bestia.
Cantinflas toreando:
Mario Moreno es una figura pública, un hombre exitoso que despierta pasiones. Se le achacan muchos romances, siempre con rubias, que son su especialidad. Corre el rumor de que Miroslava Stern se suicidó por él,[2] pero se acalla para no arruinar su reputación de hombre felizmente casado. Tiene amigos poderosos, con los que juega frontenis en su casa; sale en la radio, en la televisión; es líder de la Asociación Nacional de Actores —ANDA— junto con Jorge Negrete y Gabriel Figueroa; es fundador de la Casa del Actor, asilo para artistas jubilados. En 1959 compra un semental y varias vacas para fundar la ganadería Moreno Reyes Hermanos.
Nuevas cintas de Cantinflas llenan los cines: la divertida Gran HOTEL(1944), donde trabaja de botones aunque siempre quejándose de que tiene que trabajar; Un día con el diablo (1945), donde —en tiempos de guerra— visita el Infierno en compañía de un diabólico Andrés Soler; Soy un prófugo (1946), con el comediante Daniel «Chino» Herrera y la rubia Emilia Guiú; otra hermosa rubia —Miroslava— es su pareja en ¡A volar joven! (1947).
—¿Qué no ha pensado en casarse? / —Viera que nunca he tenido malos pensamientos.
Lentamente, Cantinflas evoluciona. Va dejando de ser el peladito para convertirse en un personaje pobre, pero que trabaja, a quien las cosas le salen bien y de vez en cuando se queda con la «changuita». En El supersabio (1948) es asistente de un anciano científico que —no sin cierta cursilería— busca alargar la vida de las rosas; en Puerta, joven (1949) es un portero de vecindad medio desobligado, pero con corazón de oro; en El bombero atómico (1950) adopta y defiende a su pequeña ahijada; en Si yo fuera diputado (1951), de peluquero asciende a un cargo de elección popular. La Columbia Pictures distribuye sus cintas. Muy pronto, Hollywood pondrá los ojos en él.
Discurso de Cantinflas en la película Si yo fuera diputado:
Mario Moreno, como actor, sindicalista, filántropo o simplemente, como hombre distinguido, recibe una montaña de premios y reconocimientos: llaves de varias ciudades, medallas, diplomas, nombramientos. Cantinflas actúa en Hollywood y Mario se hace amigo de estrellas internacionales. Se opera la cara. Posa junto a David Niven, Kim Novak, Liz Taylor y Anthony Quinn. El presidente Lyndon B. Johnson lo invita a hospedarse en la Casa Blanca y le lleva el desayuno a la cama. Le llama cariñosamente «Pepe».
Después de que Marvel Studios dio a conocer los proyectos que formarán parte de laFase 3 de su universo cinematográfico [aquí los detalles], la publicación norteamericana, The Hollywood Reporter, cuestiona el por qué Marvel no aprovechó el día de ayer para continuar con los grandes anuncios de su exitosa franquicia. Más que omitir información, Marvel ha preferido no continuar con algunos proyectos que parecían tener potencial.
1. Benedict Cumberbatch
Se confirmó que Doctor Strange será estrenada el 4 de noviembre de 2016, pero Marvel omitió cualquier mención referente al actor que protagonizará el filme. Incluso, este hecho hace que surjan las dudas respecto a la información que dio a conocer Deadline, donde se aseguraba que Benedict Cumberbatch era el elegido para el personaje principal. Cuando le preguntaron a Kevin Feige, presidente de Marvel, sobre el tema, señaló: “Si [Cumberbatch] estuviera confirmado, lo habríamos presentado el día de hoy”.
2. Scarlett Johansson
La Viuda Negra (Black Widow) fue el primer personaje femenino introducido en el Universo Cinematográfico de Marvel; apareció en Iron Man, Captain America y The Avengers. Ella es un personaje muy querido en los cómics, cuya historia se remonta a la década de 1960. Sería fácil imaginar una película spin-off con ella y Hawkeye (Jeremy Renner) o un thriller ambientado en la Guerra Fría con ella y Winter Soldier (Sebastian Stan). Pero no hubo ninguna mención respecto a algún proyecto específico sobre el personaje de Johansson. En su lugar, Marvel ha decidido hacer Captain Marvel, un filme sobre Carol Danvers –personaje poco conocido para la mayoría de los seguidores del universo cinematográfico– por lo que la exitosa franquicia estrenará el 6 de julio de 2018 el primer filme sobre un héroe femenino.
3. Anthony Mackie
Una de las grandes sorpresas de Captain America: The Winter Soldier (2014) fue la participación de Anthony Mackie como Sam Wilson / Falcon. Éste tiene una larga historia en los cómics, no sólo al lado del Capitán América o colaborando con Los Vengadores, sino también su propia serie independiente. Es un personaje bien perfilado para tener un filme en solitario. Sin embargo no se hizo ninguna mención sobre el actor ni sobre el personaje; Falcon era la opción natural para hacer la primera película de Marvel con un héroe de raza negra. En lugar de ello, optaron por Black Panther, un príncipe africano que se vuelve combatiente del crimen por honor.
4. Hulk
Después de dos arranques fallidos (uno con Eric Bana; otro con Edward Norton), Hulk / Bruce Banner volvió en The Avengers con Mark Ruffalo. Los seguidores piden a gritos un filme en solitario de Hulk; Kevin Feige señaló que el hombre verde continuará apareciendo en varios de los filmes de Marvel, pero reconoció que no tienen la intención de realizar un proyecto de Hulk en solitario.
5. Spider-Man
En las semanas anteriores han crecido los rumores sobre Sony y la posibilidad de vender los derechos de Spider-Man, debido a que no obtuvieron el éxito esperado conThe Amazing Spider-Man 2 (2014) y tienen muchas dudas respecto a los filmes paralelos que han anunciado. Marvel es el primer interesado en adquirir los derechos; según Feige, el objetivo a largo plazo es contar con el héroe arácnido, The X-Men yThe Fantastic Four (estos dos últimos le pertenecen a Fox) para seguir expandiendo el universo Marvel.
