28.8.14

Convocatoria FLICC Mercado Audiovisual Latinoamericano

flicc
El 1er Mercado Audiovisual Latinoamericano en alianza con Cinescope/Nofilm, Open Air Cinema Foundation, la EICTV, la ENERC, la Red Mexicana de Festivales, y el INCAA invitan a participar de su convocatoria.
Convocatoria Abierta a proyectos en desarrollo y postproducción para participar de Foro de Coproducción y Financiamiento del 1er MERCADO AUDIOVISUAL LATINOAMERICANO hasta el 15 de agosto, proyectos finalizados pueden participar de la videoteca donde agentes de ventas, distribuidores, exhibidores y programadores de festivales de cine, tengan fácil acceso a su visionaje.
Más información: http://www.flicc.net

50 años de "Supercalifragilisticoespialidoso"

Fue la primera película que utilizó el fondo de pantalla azul para mezclar imágenes reales y animación y ganó cinco Óscar, pero si por algo se recuerda a "Mary Poppins" es por canciones como Supercalifragilisticoespialidoso o Chim Chim Cher-ee.

Fue la primera película que utilizó el fondo de pantalla azul para mezclar imágenes reales y animación y ganó cinco Óscar, pero si por algo se recuerda aMary Poppins 50 años después de su estreno es por canciones comoSupercalifragilisticoespialidoso o Chim Chim Cher-ee.

Una historia fantasiosa, familiar y tierna que le dio a Julie Andrews su primer y único Óscar por el papel de una niñera de aspecto estricto pero llena de magia en su interior y capaz de transformar un mundo oscuro en un paseo lleno de color y música.

Basada en una serie de libros de la británico-australiana Pamela Lyndon Travers, la adaptación a la gran pantalla de las historias de la niñera Mary Poppins fue un empeño personal de Walt Disney, que tuvo que esforzarse mucho para conseguirlo.

Una batalla contra los requisitos disparatados de Travers que el creador de los estudios Disney ganó tras muchos intentos y que queda reflejada en El sueño de Disney, una deliciosa película estrenada este año y en la que Emma Thompson interpreta a la escritora y Tom Hanks al prestigioso productor cinematográfico.

El amor que la escritora sentía por su personaje le hicieron rechazar en un principio todas las propuestas para la adaptación cinematográfica, en especial el hecho de que fuera a ser un musical y de que la película mezclara personajes reales con imágenes de animación.

Pero fueron precisamente esos dos elementos los que diferenciaron a la película del resto.

Por un lado, el equipo de efectos especiales, formado por Peter Ellenshaw, Eustace Lycett y Hamilton Luske, desarrolló una técnica en aquel momento novedosa pero que se generalizaría rápidamente en el cine.

Era el vapor de sodio, el antecedente de lo que hoy se conoce como "pantalla azul". Una luz proyectada por la parte de atrás de una pantalla permite filmar a los actores sobre un fondo de ese color que luego se sustituye por cualquier otra imagen.

Técnica que permitió lograr un gran realismo en escenas ya míticas, como en la que todos los protagonistas -Andrews, Dick Van Dycke y los niños Karen Dotrice y Matthew Garber- se montan en caballos de tiovivo para recorrer un parque o en la que un simpático grupo de pingüinos actúa de camareros.

Junto a las revolucionarias y preciosistas imágenes, la música fue el otro elemento clave de una película que cuenta una historia tan poco original como efectiva: unos niños criados por un padre ocupado y estricto encuentran en una niñera mágica su válvula de escape y la mejor forma de enseñanza para toda la familia.

La música fue compuesta por los hermanos Richard M. Sherman y Robert B. Sherman, que consiguieron dos Óscar por su trabajo: a la mejor banda sonora y a la mejor canción original, por Chim Chim Cher-ee.

Canciones inocentes y divertidas que encontraron su perfecto vehículo de lucimiento en la extraordinaria voz de Julie Andrews y en la cómica interpretación de Van Dycke.

La mezcla de humor, drama, historia familiar, amor y amistad hizo de esta película el mayor éxito en la carrera del director Robert Stevenson (responsable también de Bedknobs and broomsticks) y el lanzamiento definitivo de Andrews.

Fue la película más taquillera de aquel 1964 en el que también se estrenó My fair lady, un filme que Julie Andrews esperaba realizar tras haber interpretado la obra en el teatro, pero que recayó en Audrey Hepburn, también nominada al Óscar ese año.

Andrews ganó el Óscar y el Globo de Oro y en su discurso de aceptación se tomó una pequeña venganza al dedicarle el galardón a Jack Warner, director de los estudios Warner Bros y quien decidió que ella no era lo suficientemente conocida para interpretar My fair lady para el cine.

Una decisión que finalmente fue beneficiosa para la actriz, que a partir de ese momento encadenó éxitos como La novia rebelde o Torn Curtain.

Cincuenta años después del estreno de Mary Poppins, el 27 de agosto de 1964 en Los Ángeles, la actriz afirmó en una entrevista con USA Today: "Soy la mujer afortunada a la que se pidió que hiciera esta maravillosa película. Es uno de esos golpes de suerte que se producen una vez en la vida y en tu carrera. Lo supe entonces y lo sé ahora".

Fabiola Arace (@fabiarace): El cine venezolano está tomando matices grandiosos

El Cine Venezolano, ha ido creciendo de manera imparable y majestuosa, de la mano de grandes Directores, Productores, Guionistas, Actores y todos aquellos que se han dado la tarea de engrandecer el cine local, no podemos olvidar al publico, quien ha aumentado su participación y favoritismo en las salas de cine donde se proyectan películas nacionales. 

Una muestra del crecimiento del Cine Venezolano, se pudo ver durante el alzamiento del premio Goya a mejor película extranjera, premio que obtuvo el film venezolano "Azul y yo tan Rosa" dirigida por Miguel Ferrari, el cual nos habla de la historia de dos homosexuales que logran sobreponer todas las trabas que representa el perjuicio con el que se les trata en la sociedad. 

Es por ello, que la joven actriz y talentosa venezolana, Fabiola Arece, quien participa en el film "3 Bellezas" (película venezolana, dirigida por Carlos Caridad Montero y protagonizada por Diana Peñalver, Josette Vidal, Fabiola Arace y Fabian Moreno), mediante una entrevista que nos ha concedido acerca de sus proyectos y sobre la experiencia vivida durante la grabación de dicha película venezolana, ha expuesto que:  "el cine venezolano está tomando matices grandiosos que hacen que el público se siente agradecido y entretenido, por ende el apoyo y el reconocimiento es cada vez mayor".

La joven actriz, ha manifestado de igual manera el crecimiento que ha tomado el cine Venezolano, a tal efecto expreso que: "El cine en este país ha crecido y ha permitido que nuevos talentos muestren sus propuestas lo cual ha generado un éxito. Yo soy participe de que el talento emergente y las ideas novedosas serán siempre el punto de apoyo fundamental para el crecimiento, no sólo del séptimo arte, sino de todas las ramas artísticas habidas y por haber".

3 Bellezas es un film que no habla de de una madre Venezolana obsesionada con tener una reina de belleza en la familia. Con tal de hacer realidad su anhelo, ella está dispuesta a todo. Incluso, acabar con su propia familia que consta de 3 hijos

27.8.14

Cien años de Julio Cortázar

 
Caracas, 25 Ago. AVN.- Latinoamérica celebra el centenario del gran cronopio, Julio Cortázar, escritor recordado por sus textos lúdicos, de novelas rearmables y cuentos que ganan por nocaut, puntos de partida de una obra que incorporó el compromiso político y expresó una nueva noción del intelectual orgánico, aquel que siembra la idea de las utopías posibles.
"Comprendí que el socialismo, que hasta entonces me había parecido una corriente histórica aceptable e incluso necesaria, era la única corriente de los tiempos modernos que se basaba en el hecho humano esencial", reflexionaba el escritor en una carta dirigida al poeta cubano Roberto Fernández Retamar en 1967.
El 26 de agosto de 1914, en el preludio de la Primera Guerra, cuando Alemania ocupó Bruselas, nace en Bélgica, de padres argentinos, Julio Florencio Cortázar Descotte, quien en su infancia compondrá sus primeros ejercicios literarios, a los que sumará la escritura de sonetos, su gusto por el jazz y el boxeo.
"Cuando tenía ya 30 o 32 años –aparte de una gran cantidad de poemas que andan por ahí, perdidos o quemados- empecé a escribir cuentos”, relata a Luis Harss en el libro Los Nuestros.
En tiempos de su primera publicación, Presencias (1938), con el seudónimo Julio Denis, se dedicó a dar clases en la ciudad y provincia de Buenos Aires, momento en el que llevó consigo un sentimiento de disconformidad que más adelante convertirá en madurez política.
Su oposición al peronismo —que luego afirmó no haber comprendido—, lo lleva a tomar la Facultad de Filosofía en la provincia de Mendoza en 1945 en manera de protesta y más tarde autoexiliarse en Francia junto a su compañera Aurora Bernárdez, para trabajar como traductor en la Unesco.
Al final de esta década publica su primer cuento, Casa tomada, en la revista Anales de Buenos Aires, dirigida por Jorge Luis Borges y se hace más prolífico a partir de entonces con Bestiario (1951), Manual de instrucciones(1953), Final de juego (1956), Las armas secretas (1959), Historia de Cronopios y Famas, y Rayuela (1962).
La utopía realizable
Fue en 1961 cuando ocurrió un punto de inflexión en la vida del escritor, cuando visitó Cuba con su segunda compañera Ugné Kervelis, traductora lituana de izquierda, apasionada con Latinoamérica, quien lo acompañó en un proceso reflexivo que lo llevó a convertirse en un defensor de la Revolución Cubana.
"Sin razonarlo, sin análisis previo, viví de pronto el sentimiento maravilloso de que mi camino ideológico coincidiera con mi retorno latinoamericano; de que esa revolución, la primera revolución socialista que me era dado seguir de cerca, fuera una revolución latinoamericana", dice en su carta a Fernández Retamar, publicada en la revista Casa de las Américas.
"Ése es el momento en que tendí los lazos mentales y en que me pregunté, o me dije, que yo no había tratado de entender el peronismo", reflexiona en una charla con Omar Prego publicada en La Fascinación de las palabras(1985).
Ese contacto con la Revolución cubana despierta en Cortázar un nuevo tipo de sensibilidad que le da un giro a su obra, evidente en textos como "Reunión", relato incluído en Todos los fuegos, el fuego, el poema Yo tuve un hermano o la adivinanza Sílaba viva, dedicados a Ernesto Che Guevara.
El escritor desafiará a las corrientes intelectuales al asumir la literatura como un espacio en el que dará la batalla política, replanteando la interpretación del mundo a través de la estética que lo caracterizó, el uso de metatextos y el orden combinatorio de lenguajes.
Contra los vampiros multinacionales
En el momento de defender sus ideales políticos, Cortázar advirtió en una entrevista en la revista Crisis (1973) que "cada uno tiene sus ametralladoras específicas. La mía, por el momento, es la literatura", dijo para referirse a su reciente obra, Libro de Manuel, en la que sostiene haber juntado las aguas de los problemas latinoamericanos.
La obra incorpora elementos de no ficción al indexar en el texto testimonios de torturas y notas de prensa que denunciaban el atropello a los movimientos de izquierda en el cono sur, en medio de un relato sobre un grupo de latinoamericanos revolucionarios que vivían en París.
"Ese libro fue escrito cuando los grupos guerrilleros estaban en plena acción. Yo había conocido personalmente a algunos de sus protagonistas aquí en París, y me había quedado aterrado por su sentido dramático, trágico, de su acción", comenta Cortázar a Prego sobre su novela, cuyas regalías en Argentina fueron donadas a los presos políticos.
En 1975 publica Fantomas contra los vampiros multinacionales, una utopía realizable, novela corta donde incorpora la ficción, la historieta y documentos facsimilares para crear un relato que divulgue la sentencia del Tribunal Russell II, que en septiembre de 1973, en Bruselas, cuna del escritor, denunció los atropellos a los derechos humanos en América Latina.
El autor utiliza varias líneas narrativas recreando el formato pulp fiction en una historia sobre una quema mundial de libros, hecho ficcional que encubre a los villanos reales: las empresas multinacionales y los gobiernos lacayos del cono sur entonces dirigidos por dictaduras militares.
Fantomas enfrenta al mal aliándose con intelectuales latinoamericanos, entre ellos el narrador Cortázar, quien desenmascara a los verdaderos villanos con un documento verídico, las actas reales del Tribunal Rusell II, continuación del primero que denunció los crímenes en Vietnam en 1966.
La sentencia condena "a los gobernantes de los Estados Unidos de América y especialmente al señor Henry Kissinger, cuya responsabilidad en el golpe fascista de Chile es evidente para el Tribunal”.
Para finales de la década de 1970, Cortázar, acompañado por su tercera compañera, Carol Dunlop, es una voz de peso internacional, le hace oposición a la dictadura argentina de José Rafael Videla, critica la Guerra de las Malvinas y en 1983, en respaldo a la Revolución Sandinista, publica Nicaragua, tan violentamente dulce.
El 12 de febrero de 1984, en París, se despide del mundo el cronopio mayor, quien renovó las formas del relato y sobre ellas la reflexión de que "lo bueno de las utopías, es que son realizables"

El cine de Trinidad y Tobago se hace presente en Caracas


Divinapastora
Agosto finaliza en la Cinemateca Nacional con una programación de lujo que incluye la muestra Cine de Trinidad y Tobago, en la que se proyectarán 6 películas trinitensescontemporáneas, a partir del 22 y hasta el 27 de este mes en la  Sala MBA.La parranda
La exhibición de estos films pretende iniciar el intercambio cinematográfico entre los dos países. El ciclo incluye algunas de las obras más logradas que se producen en la nación caribeña y al mismo tiempo muestra la riqueza del talento joven, futuro del cine nuestroamericano y caribeño. 
Cotidianidad, aspectos históricos y culturales compartidos entre las dos naciones, son las principales características que se reflejan en la selección, a través de títulos como La Divina Pastora de Tayo Ojoade (2011) que muestra en imágenes   la devoción a un icono religioso Venezolano, que llegó a la isla de Trinidad  durante el siglo XIX.
Igualmente La Parranda de Marian Bradshaw (2011); Un Cuento Trini de Dominic Koo (2012); La Guerra de Grenada de Bruce Paddington (2013) y Calle de piedra de E.Kydd (2012) forman parte de la muestra.
Cabe destacar  que el trabajo  realizado en conjunto con la Universidad  de las  Indias Occidentales y el Festival de Cine de Trinidad y Tobago permiten hoy la difusión en Venezuela del variopinto cine, propio de nuestras latitudes caribeñas.
Invitamos a nuestros usuarios y usuarias de Caracas a acompañarnos en la Sala Cinemateca MBA en el  disfrute del buen cine. También a verificar horarios y funciones en nuestra página web www.cinemateca.gob.ve y  redes sociales: @cinematevzla enTwitter y Cinemateca Nacional en FB. (Fin/Sandra Echarry)

“Esclavo de Dios” conquistó el Júri Popular en Gramado

La cinta dirigida por Joel Novoa ya cuenta con 8 premios tras su exitoso recorrido por festivales en todo el mundo
Esclavo de DiosEl filme venezolano “Esclavo de Dios” obtuvo el Júri Popular (Premio que otorga el público) como Mejor Película Extranjera en la cuadragésima segunda edición del Festival Internacional de Cine de Gramado, en Brasil. La película criolla compitió con destacadas propuestas latinoamericanas como “Las analfabetas”, dirigido por Moisés Sepúlveda (Chile) y “El lugar del hijo”, de Manuel Nieto (Uruguay).
La película dirigida por Joel Novoa ya acumula 20 nominaciones en festivales internacionales, alzándose con varios reconocimientos, entre ellos Mejor Ópera Prima y Premio del Público en la Muestra de Cine Latinoamericano de Cataluña (España), Mejor Película Latinoamericana en el Festival Internacional de Cine de Santa Bárbara (Estados Unidos), el galardón “La llave de la libertad” (premio que otorgan los internos del Centro Penitenciario de Huelva) y el Premio Manuel Barba al Mejor Guión de la Asociación de la Prensa en el Festival de Cine Iberoamericano de Huelva (España), entre otros.
El thriller policial es una obra de ficción basada en el ataque ocurrido contra la Asociación Mutual Israelita Argentina (AMIA) en 1994. Recientemente, en el mes de mayo, los realizadores de la cinta lograron un acuerdo de distribución comercial en Estados Unidos con la empresa Film Movement.
El filme, que contó con el respaldo del Centro Nacional Autónomo de Cinematografía (CNAC) por Venezuela, el Instituto Nacional de Cine y Artes Audiovisuales de Argentina (INCAA), el Instituto de Cine y el Audiovisual (ICAU) de Uruguay y el programa Ibermedia, convocó a más de 120 mil espectadores a las salas de cine local.

26.8.14

"Películas dedicadas al Joropo venezolano se exhiben en la Cinemateca Nacional"

La muestra inició el martes 26 de agosto


Como parte de la celebración del “Año Nacional del Joropo Venezolano”, la Fundación Cinemateca Nacional proyectará desde el 26 de agosto en su red nacional de salas regionales, dos películas que integran una muestra que se exhibirá durante todo el año; en la cual no solo se le rinde tributo al joropo andino, oriental, llanero y central, sino que además, visibiliza a esta tradición nacional más allá del canto, la música y el baile, al reconocerla como una celebración integral de nuestra diversidad e identidad cultural.
Es por ello que en el pasado mes presentamos Ajila (2012) de Miguel Guédez y Virtuosos (2001) de Luis Armando Roche, dos documentales que representan el sentir del llano y la historia del joropo criollo con sus melodías y variantes.
De igual forma en agosto continuamos con este ciclo y entre las obras que se presentaran se encuentra Metralleta (2007) dirigida por Belén Orsini, sobre Carlos (Metralleta) Orozco, retrato audiovisual de un excepcional ejecutante del arpa, que además nos conduce por el goce, el disfrute y la admiración de una música y de la gente que la interpreta. Digno reconocimiento y homenaje a uno de los más destacados músicos de nuestros tiempos.
Por otro lado proyectaremos La joropera (2013) un documental sobre el Joropo Sucrense, estilo musical que resume y contiene un aspecto fundamental de la tradición de las costas orientales de Venezuela, donde se manifiesta la combinación de lo indígena, lo afro y lo europeo; expresión espontánea de la fiesta que se da en el oriente y que no es más que la aceptación armoniosa y mágica de lo diverso de su origen.
La invitación es a todos y todas a disfrutar de esta muestra de cine que retrata la vida en el llano, la naturalidad del baile joropero y su tradicional melodía acompañada del arpa, cuatro y maracas que retratan plenamente a nuestra cultura venezolana.
Para más información, visita www.cinemateca.gob.ve y nuestras redes sociales, Twitter @cinematecavzla y Facebook cinemateca.nacional.

10 películas basadas en hechos reales

Las películas basadas en hechos reales podrían considerarse un género aparte, ya que enfrentan grandes retos en cuanto a la fidelidad que se le da a la historia real, exige una puesta en escenas verosímiles. Una ventaja de este tipo de filmes es que nuestra sensibilidad se agudiza, pues estos sucesos dramáticos le sucedieron alguna vez a alguien y puede ser posible que vuelvan a ocurrir, por lo que las vuelve películas exitosas y taquilleras. Aquí les presentamos las primeras 10 propuestas: 

 1. Titanic (1997) 



La historia del más grande y lujoso barco transatlántico de origen británico es, sólo en parte, conocida por los datos que se dicen sobre su accidente. El Royal Mail Steamship (RMS) Titanic se hundió al estrellarse contra un iceberg avistado tardíamente. Sucedió poco después de la medianoche del 14 de abril de 1912, en el Océano Atlántico, durante su primer y único viaje, el que zarpó de Southampton, Inglaterra, con destino a Nueva York, Estados Unidos. Esta catástrofe marítima provocó la muerte de mil 514 de las 2 mil 208 personas a bordo. En la película, la travesía del barco y su hundimiento, va de la mano con la historia de amor de Rose (Kate Winselt) y Jack (Leonardo DiCaprio). 

2. En busca de la felicidad (2006)


Está basada en la historia real de Chris Gardner, un vendedor brillante pero sin suerte, pero  junto a su hijo de cinco años (Jaden Smith),  Gardner consigue hacer unas prácticas en una prestigiosa casa de bolsa, los dos protagonistas tendrán que afrontar muchas adversidades parar hacer realidad su sueño de una vida mejor. Chris fue capaz de construir su propia empresa multimillonaria.

 3. Siempre a tu lado (2009)


Basada en la historia real del pacífico perro japonés, Hachikō, apodado “Hachi”; este pero acompaña a su amo Parker (Richard Gere), un profesor universitario, a la estación de tren cada mañana para despedirse de él y luego regresa cada tarde para darle la bienvenida. Pero su rutina se ve rota luego de la muerte de su dueño. En Japón, hay un monumento edificado al perro por quienes conocieron su historia. 

4. Lo imposible (2012)

La película nace a partir de una historia real en la que se recrea la experiencia de una familia española en el tsunami que asoló la costa del Sudeste Asiático en 2004, y que causó la muerte de miles de personas.

 5. El Pianista (2002)


Historia de Wladyslaw Szpilman, pianista judío polaco, quien evita ser deportado, pero termina viviendo en el ghetto de Varsovia. Allí vive los sufrimientos, humillaciones y la lucha de sus correligionarios, hasta que logra huir para refugiarse en las ruinas de la ciudad, fuera del barrio-prisión. Un oficial alemán, amante de su arte, acabará salvándole la vida

 6. La lista de Schindler (1993)


Segunda Guerra Mundial (1939-1945). Oskar Schindler (Liam Neeson), un hombre de enorme astucia y talento para las relaciones públicas, organiza un ambicioso plan para ganarse la simpatía de los nazis. Después de la invasión de Polonia por los alemanes, consigue, gracias a sus relaciones con los nazis, la propiedad de una fábrica de Cracovia. Allí emplea a cientos de operarios judíos, cuya explotación le hace prosperar rápidamente. Su gerente (Ben Kingsley), también judío, es el verdadero director en la sombra, pues Schindler carece completamente de conocimientos para dirigir una empresa.

 7. Un sueño posible (2009)


Cuenta la historia de Michael Oher, un joven sin hogar quien se cruza con Leigh Anne Tuohy (Sandra Bullock), madre de dos hijos, casada y exitosa. Cuando Leigh descubre que Michael no tiene hogar, lo invita a su casa y lo que empieza como un simple gesto de amabilidad pronto se convertirá en mucho más, a medida que Michael se vuelve parte de la familia a pesar de las grandes diferencias entre ambas partes. En su nuevo ambiente, Michael se enfrentará a distintos desafíos que logrará superar gracias al apoyo de la familia Tuohy. 

 8. La Masacre de Texas (2006)


Esta película cuenta cómo en agosto de 1973 la policía llegó a la granja de Thomas Hewitt y encontró los cadáveres de 33 víctimas. El único sobreviviente relata la verdadera historia de cómo, en una carretera rural de Texas, cinco jóvenes fueron perseguidos por un loco con una sierra eléctrica y una máscara hecha con la piel de sus víctimas. Su nombre: Leatherface 

 9. 127 Horas (2011)



127 horas es la verdadera historia del alpinista Aron Ralston (James Franco), una extraordinaria aventura de supervivencia en la que el protagonista debe salvarse a sí mismo después de que una piedra se estrelle contra su brazo, atrapándolo en un cañón aislado de Utah. Durante cinco días Ralston examina su vida y sobrevive a las adversidades para descubrir finalmente que tiene el coraje y los medios suficientes para liberarse a sí mismo

10. Alive (1993)




Narra la terrible experiencia de un grupo de jugadores del equipo nacional de rugby de Uruguay, cuyo avión se estrelló en medio de los Andes, en octubre de 1972. Completamente aislados, los días pasaban sin que nadie fuera a rescatarlos, por lo que se vieron obligados a recurrir al canibalismo, comiéndose la carne de los compañeros fallecidos, mientras los más fuertes preparaban un viaje desesperado a través de las montañas.

La famosa perra vuelve como estrella de la publicidad


Lassie, un perro para salvar las cuentas de Dreamworks


¿Se acuerdan de Lassie? La famosa perrita collie que durante años triunfó en cine y televisión. Un adorable can que protagonizó mil aventuras llenas de buenos sentimientos desde que en 1938 el autor británico Eric Knight creara su personaje en un cuento para el periódico The Saturday Evening Post.
A partir de entonces llegaría la fama. Una novela en 1940 y ocho películaspara cine y otras tantas para televisión. En su primera aparición en la gran pantalla Lassie tuvo al mismísimo Roddie McDowell como compañero de reparto, mientras que en su última película fueron Peter O’Toole y Peter Dinklage (Tyrion en Juego de Tronos) sus amigos humanos.
Desde 2005 la estrella de Lassie parece apagada. Ni rastro del chucho en ningún canal de televisión o en ninguna sala de cine. La perra más famosa del mundo, como fue bautizada, había desaparecido. No del todo, simplemente estaba preparando su regreso con una misión más difícil que nunca: salvar las cuentas de la todopoderosa Dreamworks, la productora cinematográfica creada en su momento por Steven Spielberg y que actualmente no pasa por su mejor momento económico.
Desde verano de 2013 la empresa encadena fracasos en taquilla para sus filmes de animación. Atrás quedan los tiempos de Shrek. A pesar de que el año pasado comenzaron a lo grande con el éxito sorpresa de Los Croods, el curso terminó de la peor forma posible debido al fracaso de Turbo. El filme recaudó sólo 83 millones de dólares en EEUU cuando costó más de 130, algo que nadie esperaba.
2014 no ha empezado bien. Las aventuras de Peabody y Sherman ha superado por poco los 110 millones al otro lado del charco, pero su coste de producción sin contar los gastos en promoción ascienden a 145 millones. Las cuentas vuelven a no cuadrar para la compañía. Para completar la maldición, su gran apuesta de la temporada, Cómo entrenar a tu dragón 2 no ha sido el taquillazo que esperaban. Los críticos se han rendido al filme pero la películano superará los 200 millones en la taquilla que debería haber conseguido. En este caso las salas internacionales sí han respondido y la película ya ha superado los 500 millones en todo el mundo.
Todo ello ha hecho que en Dreamworks salten las alarmas. Han perdido su toque, su conexión con un público cada vez más impredecible. Por ello han decidido confiar en Lassie la revitalización de la compañía. Los derechos de la perrita fueron adquiridos por la empresa en 2012 (tras pagar 155 millones de dólares por ellos), y desde entonces se encontraban en un cajón sin que nadie hiciera uso de ellos.
Las continuas pérdidas con sus filmes ha hecho que la compañía diversifique sus negocios y se centre en un campo donde la inversión está asegurada: la publicidad y el merchandising. Se acabó el tener que depender del gusto del espectador. Y para ello se han dado cuenta de que el famoso can tiene mucho potencial.
Desde que compraron sus derechos nunca se han atrevido a realizar ningún filme ni producto con su marca. Los tiempos han cambiado y las bonachonas y bucólicas aventuras de Lassie no cuadran en un contexto lleno de superhéroes y efectos especiales. Además, la última aventura del animal no llegó al millón de euros de recaudación y sólo se estrenó en 169 salas.
Jeff (Tommy Rettig), Lassiey y los amigos de Jeff en el show de televisión 'Lassie' (CC)Jeff (Tommy Rettig), Lassiey y los amigos de Jeff en el show de televisión 'Lassie' (CC)
Aun así, desde Dreamworks realizaron un estudio de mercado que demostraba que Lassie seguía siendo un icono para América. Según publicaThe New York Times este informe demuestra que los americanos asocian al perro con palabras como 'héroe', 'lealtad' y 'emotividad'. Por lo que se espera que sólo en publicidad Lassie pueda generar decenas de millones de dólares.
Comida de perros, accesorios, entrenamiento canino… miles de campos abiertos para que Dreamworks saque tajada, y que el propio jefe de marca de Dreamworks Animation confirma a la publicación: “Nos hemos dado cuenta de que Lassie tiene una autenticidad que hace de ella el Santo Grial del merchandising".
De momento el verano ha supuesto el regreso de Lassie (concretamente de un cachorro de su décima generación) a la vida pública. Vanity Fair le ha dedicado un artículo sobre sus trucos de belleza. Ha protagonizado un vídeo para la revista People en el que ayuda a seleccionar las fotos de la portada de la publicación y hasta se ha animado a presentar el tiempo para el canal KTTV, filial de Fox.
Otra de las áreas donde Dreamworks pretende desembarcar para volver a colocar a Lassie en la mente de todos es en el de las asociaciones benéficas. De momento la perrita collie ya es embajador de la Best Friends Animal Society y de Save the children. Poco a poco su presencia empieza a hacerse común, y las arcas de Dreamworks lo agradecen. Que se quiten los dragones y los caracoles veloces, el verdadero negocio está en las patas deun perro de 76 años.

25.8.14

PROHíBEN proyectar un filme en el reina sofía

El documental que los Rolling Stones no quieren que veas

Mick Jagger y Keith Richards en un concierto de su última gira (REUTERS)Mick Jagger y Keith Richards en un concierto de su última gira (REUTERS)
Los Rolling Stones son una de las bandas más lucrativas del siglo gracias, en parte, a sus ingeniosas operaciones de marketing. Con motivo de su 50 aniversario, además de una larga gira por todo el mundo, editaron numerosas remasterizaciones de sus álbumes y pusieron a la venta distintos packs conmemorativos. Pero, entre tantos productos, se olvidaron de uno:Cocksucker Blues, un documental realizado por Robert Frank en 1972 que retrató la desatada vida de estrellas del rock que llevaban Sus Satánicas Majestades en los años 70 sin ningún tipo de censura. Por esta razón, la banda prohibió la circulación de esta cinta que, desde entonces, apenas ha sido vista.
Ayer mismo, el ciclo audiovisual Seducción y resistencia. En los límites del pop,que organiza el Museo Reina Sofía con motivo de la exposición de Richard Hamilton, se vio alterado por las exigencias de la banda. La anunciada proyección de la película de Robert Frank fue cancelada; en su lugar se proyectó Sympathy for the Devil, de Jean-Luc Godard, en un repentino cambio de planes.
El representante de la banda contactó con el museo y les dijo que no podía proyectarse la película
El Confidencial se ha puesto en contacto conJuan Antonio Suárez, comisario de la muestra, para conocer más detalles de lo ocurrido. “Pensábamos que ya no pesaba la prohibición sobre la película. Pero, un tiempo después de programarla, el representante de la banda contactó con el museo y les dijo que no podía proyectarse“.
Las condiciones que los representantes legales de la banda impusieron al Reina Sofía para proyectar Cocksucker Blues eran las siguientes: que formase parte de un ciclo en torno a Robert Frank, que no era el caso; o que estuviese presente el director de la película, que actualmente tiene 90 años y reside en Nueva York.
Ninguna de las dos opciones fue posible y, pese a que ya habían publicado el programa, los responsables del ciclo se vieron obligados a rectificarlo y disculparse ante el público.
El lado más oscuro de los Stones
El documental nace de la colaboración entre Robert Frank y los Rolling Stones durante la gira americana de 1972. El grupo volvía a ponerse a las órdenes de un documentalista tres años después de Gimme Shelter, rodada por Albert y David Maysles durante otra gira, en la que figuraba su polémico concierto en el Alamont Speedway Free Festival, donde un joven espectador afroamericano fue asesinado.
Fotograma de Gimme Shelter (1970)Fotograma de Gimme Shelter (1970)
“Tenían un aura de grupo diabólico por los eventos de Alamont, habían estado detenidos y estaban en pleno exilio, cansados del hostigamiento policial de Inglaterra. Fue entonces cuando encargaron la película a Robert Frank, una figura de culto en la vanguardia neoyorkina. De origen suizo, su trabajo se conoce principalmente por la fotografía, aunque también realizó varias películas”, nos comenta el responsable de la muestra.
El fotógrafo tenía libertad absoluta para filmar todo lo que hicieran los integrantes de la banda durante la gira. De hecho, se rumorea que existía el acuerdo de que si en algún momento le impedían capturar imágenes de algo, Frank dejaría el proyecto. El resultado fue una película que se desarrollaba casi enteramente en el backstage de la banda, entre estancias en hoteles, ensayos y juergas.
Vídeo: Fragmento del documental Cocksucker Blues

“A los Rolling no les debió gustar el resultado porque el filme muestra aspectos de su intimidad un poco sórdidos, como drogas y sexo. Una de las escenas más fuertes transcurre en la habitación de un hotel, donde una fan empieza ainyectarse heroína. Pero no es una película terrible y demoníaca, tiene mucha banalidad; se ve también el lado aburrido de una estrella del rock, ensayando todos los días, componiendo, etc.”, explica Juan Antonio Suárez, intentando buscar la causa de la prohibición.
Cuando los Rolling Stones vieron la cinta, quedaron tan horrorizados que denunciaron al artista para reclamar su parte de autoría. La situación acabó resolviéndose en una postura intermedia, como explica Suárez: “Bloquearon la posibilidad de exhibirla e impidieron su distribución, pero Robert Frank litigó e hicieron alguna concesión, como que la película podía proyectarse cinco veces al año, siempre con el director presente, lo que limitaba mucho las posibilidades de visionado”.
Tres décadas después, los Rolling Stones siguen empeñados en que (casi) nadie pueda ver el filme. Ni siquiera los espectadores de un ciclo de un Museo madrileño en pleno mes de agosto