Los orígenes de Ultrón, el villano de Avengers 2, y su relación con otros héroes de Marvel

La primera pregunta que seguro se hicieron todos los fanáticos del Universo Cinemático de Marvel, pero no de los cómics, es ¿quién es Ultrón? Y no me sorprendería que también haya pasado por la mente de alguien preguntarse por qué su nombre está en el título de la película. Efectivamente esto no es lo más usual en las películas de superhéroes; quizá el ejemplo más reciente fue Captain America: The Winter Soldier (2014). No es difícil de deducir que esto significa que el villano aludido tiene un papel nuclear en la cinta, pero además de esto, y a diferencia del personaje del Capitán América, Ultrón es uno de los enemigos más emblemáticos de los Avengers, a los que se ha enfrentado a lo largo de los años desde su creación en 1968, y en general del universo de Marvel.

Ultrón y Hank Pym

Curiosamente el origen de Ultrón en los cómics está ligado a un personaje que ni siquiera ha aparecido en las películas, pero que pronto veremos en la  Ant-Man, aunque como personaje secundario. Por supuesto, me estoy refiriendo a Henry “Hank” Pym conocido por los alias de Goliath, Yellowjacket, Giant Man, Wasp y, el más famoso de todos, Ant-Man. Seguro alguno está pensando ¿no Ant-Man es Scott Lang? Parcialmente eso es verdad, Lang es el segundo Ant-Man en los cómics,  aunque Marvel relegó a Pym al papel de mentor de éste y al primer Hombre Hormiga en dicha película. En los cómics por otro lado, Pym siempre ha tenido un papel mucho más relevante. Para empezar, es uno de los grandes genios del universo Marvel junto con Reed Richards, Bruce Banner, Tony Stark y Victor von Doom, además de ser uno de los miembros fundadores de losAvengers. Así es, un personaje que ni siquiera ha salido en las películas en su versión original fue uno de los que fundó al equipo, pero quizá por lo que es más recordado es por haber creado a Ultrón. Hank Pym utilizó sus propias ondas cerebrales para darle vida, solo que, al tener conciencia, el robot hizo lo que la gran mayoría de estos seres hacen en la ciencia ficción: se rebeló contra su creador.

En este caso, lo que hizo fue borrar su existencia de la mente de Pym. Después de esto estuvo modificándose hasta convertirse en Ultrón-5, y luego se disfrazó del villano Crimson Cowl en su plan para intentar derrotar a los Avengers, cosa que no funcionó porque al final fue traicionado por su propia creación: el androide Vision.

Estas acciones de Ultrón se explican porque él desarrolló un Complejo de Edipo que le genera la necesidad de matar a su creador y de poseer a su novia, Janet Van Dyne, mejor conocida como Wasp, quien es otro de los miembros fundadores de los Avengers que ha brillado por su ausencia en el cine. De hecho, a lo largo de los años, todas sus acciones han girado en torno a estas dos metas, lo que curiosamente lo relaciona más con el monstruo de Frankenstein de Mary Shelley que con el típico supervillano.

Cabe decir que una de sus encarnaciones, Ultrón-12, tras ser derrotado, desarrolló genuinos sentimientos filiales hacia Hank Pym, lo que lo llevó a querer reconstruir su relación padre-hijo, pero al final tuvo que sacrificarse para derrotar a otra versión de sí mismo: Ultrón-11.

Dicho todo esto, al momento de desarrollar Avenger: Era de Ultrón parece ser que a Joss Whedonle pareció más orgánico hacer que Tony Stark, con ayuda de Bruce Banner, fuera el creador de Ultrón que presentar de la nada a Hank Pym y hacerlo miembro del equipo de héroes para que el villano tuviera una razón para enfrentarse contra ellos. Aunque es muy probable que si hubieran sacado una película de Ant-Man antes que ésta, quizá hubiéramos tenido una adaptación más fiel.

Dejando las especulaciones a un lado, Marvel decidió darle una conclusión a los enfrentamientos entre Ultrón y Hank Pym con la novela gráfica Rage of Ultron, escrita por Rick Remender, y publicada hace unas cuantas semanas en honor de la reciente película. Precisamente, por este hecho, prefiero no decir spoilers sobre ella, y sólo comentar que lo que pasa ahí, probablemente no es lo que están pensando.

Ultrón y sus creaciones

Curiosamente, Ultrón mismo ha creado a algunos androides a lo largo de los años, pero todos ellos terminan traicionándolo. El más famoso de ellos, es el ya mencionado Vision, que fue creado utilizando las ondas cerebrales de Wonder Man y el cuerpo del androide Human Torch (no confundir con el integrante homónimo de los Fantastic Four). Si bien fue creado con la intención de derrotar a los Avengers, al final se les une para derrotar a Ultrón.

Lo mismo ocurrió años después cuando, para acrecentar sus cualidades Frankensteinianas, Ultrón decidió que debió construirse una esposa. Para ello en imagen y semejanza de Janet creo a Jocasta —sí, el nombre es la versión en inglés de Yocasta, la madre de Edipo, por si aún tenías dudas sobre sus tendencias edípicas—, con la intención de pasar la esencia vital de ella en el androide, o ginoide, si prefieren.  Al igual que Vision, ella terminó uniéndose a los Avengers para derrotarlo.

Esto ocurrió una tercera vez en los noventa, cuando Ultrón volvió a intentarlo pero en esta ocasión utilizó las ondas cerebrales de Mockingbird, heroína a quien ya pudimos ver en la serie de televisión Agents of S.H.I.E.L.D., para crear a Alkhema. Sobra decir que nuevamente fue traicionado, pero a diferencia de Vision y Jocasta ella no se convirtió en un heroína y por ello terminó muriendo a manos de Hawkeye.

El último ser de este tipo creado por Ultrón es el cyborg Victor Mancha, sólo que aprendiendo de sus errores, el villano ya no usó el cerebro de una heroína, sino que utilizó ADN de la latinaMarianella Mancha para crear a este héroe cuyo misión serie unirse a los Avengers y destruirlos desde adentro como el supervillano, Victorius. Esto fue evitado cuando una versión del futuro deGertrude Yorke, miembro de Runaways, le advirtió al equipo de jóvenes héroes de este plan de Ultrón lo que llevó a Víctor a unírseles y, paulatinamente, a derrotar a esta versión del villano.

Tony Stark y Ultrón

Si bien Tony Stark no es el creador de Ultrón, ambos han tenido una cierta relación en los cómics desde hace no mucho tiempo, relativamente hablando. Todo comenzó en el 2002 cuando Ultrón-18 utilizó una vieja armadura de Iron Man para reconstruirse y formar el culto religioso conocido como los Hijos de Yinsen, pero finalmente fue derrotado por Stark con la ayuda de Jocasta.

Aunque el caso más extraño ocurrió en el 2007 cuando, tras la Civil War que pronto veremos en película, Ultron corrompió el programa de la armadura de Iron Man, que en ese momento esta biológicamente unida a su cuerpo, lo que le permitió poseer a Tony Stark y convertirlo en la primera forma femenina de Ultrón, muy reminiscente de Janet Van Dyne, pero al final está forma fue derrotada por un virus creado por Hank Pym, regresando a Stark a su estado original.

Así, que sí, aunque fuera brevemente, Ultrón fue un villano de Tony Stark y probablemente es de esto que Whedon se agarró, entre otras razones, para hacerlo el creador de Ultrón. En este sentido no sería descabellado pensar que vuelva a aparecer en una futura película de Iron Man, si es que llegan a hacer otra. Aunque es más probable que Ultrón vuelva aparecer en la de otro equipo de superhéroes, lo que me lleva a hablar de…

Guardians of the Galaxy y Ultrón

No teman, Rocket Raccon no es el verdadero creador de Ultrón, ni éste es el verdadero padre deStar-Lord, aunque sin este androide la última encarnación de este grupo de héroes no existiría y por ello tampoco la exitosa película que salió el año pasado. Tras el fallido intento por poseer a Tony Stark, la conciencia de Ultrón término viajando por el espacio hasta que fue encontrado por losPhalanx, una especie cibernética que comparte una única mente, el robot no perdió la oportunidad de volverse el líder de esta raza y comenzar un intento de conquista intergaláctica. Si bien muchos héroes galácticos de Marvel lucharon contra los Phalanx, como Nova y Quasar, este evento fue el responsable de que Star-Lord decidiera formar un equipo de héroes conocido como Guardians of the Galaxy, cuyo integrantes fueron en un principio Rocket Raccoon, Quasar, Adam Warlock,Gamora, Drax the Destroyer y Groot. Tomando esto en cuenta, no habría que descartar que Ultrón aparezca como villano de este grupo en alguna futura secuela.

Age of Ultron

Si eres una de esas personas que ha visto todas las películas de Marvel, pero que no suele leer cómics, es probable que un día en algún puesto de periódicos te hayas encontrado con un cómic que se llama igual que la película, pero al ojearlo inevitablemente notaste que no se parecía para nada a los trailers, más que nada porque el protagonista es Wolverine. Esto por supuesto se debe a que entre marzo y junio de 2013 se publicó esta serie, escrita por Brian Michael Bendis, y tan sólo un mes después se hizo el anuncio de la película homónima. Lo más probable es que el título les pareciera adecuado, pero no se debe olvidar que en ese momento Whedon aseguró que la película no tenía ninguna relación con este evento.

Y la verdad es que hubiera sido una decisión muy arriesgada y descabellada que sí se hubieran basado en Age of Ultron por todas las complicaciones que implican para la trama. Estos comics cuentan que Ultrón ataca a la humanidad y deja en ruinas a Nueva York y a San Francisco. En otras palabras,  después de mucho tiempo por fin ha ganado y ahora gobierna a lo que queda de la humanidad, mientras intenta derrotar a los héroes que aún siguen vivos. Vision le revela que en realidad Ultrón está controlando ese presente desde un futuro lejano. Los héroes discuten qué hacer y al final se dividen en dos bandos. Uno formado por Iron Man, el Capitán América, Nick Fury, Red Hulk,Storm, Quake y Quicksilver, quienes van al futuro para atacar a Ultrón antes de que conquiste a la Tierra en el presente. El otro está formado por Wolverine y Sue Richards, de los Fantastic Four, los cuales viajan al pasado con la intención de matar a Hank Pym antes de que cree a Ultrón.

Dicho esto, es claro que, para empezar, no hubiera funcionado está cinta, no sólo porque los derechos de Wolverine y Susan Richards pertenecen a Fox –se les pudo haber reemplazado-, sino porque la trama es demasiado similar a X-Men: Days of Future Past que se estrenó el año pasado 

Bloopers de Star Wars y nuevos guionistas de Episode VII

Hace mucho tiempo, en una galaxia muy, muy lejana, se cometieron varios errores. La Fuerza no siempre acompañó a Harrison Ford (Han Solo), Mark Hamill (Luke Skywalker) y Peter Cushing (Grand Moff Tarkin), y peor aún los Stormtroopers caían, resbalaban y tenían muchas dificultades para cruzar las puertas. Todo esto ha sido registrado en un clip de dos minutos y medio que brinda un pequeño acercamiento a las equivocaciones cometidas durante la filmación de una de las películas de ciencia ficción más populares de todos los tiempos: la saga de Star Wars.

Se muestra, entre otros, el momento en el que el brazo de Chewbacca estaba en el lugar equivocado, los pequeños deslices de los Stormtroopers, y Luke Skywalker preguntando sobre la pronunciación de la palabra “supernova”. Un video que podrá avergonzar a los implicados en él, pero que recuerda la grandeza de la saga original. El video se creó a partir del material fílmico encontrado por J.W. Rinzler (colaborador de LucasFilm), quien investigaba los archivos de un ‘making of’ de Star Wars.

En días anteriores se dio a conocer que Michael Arndt (Little Miss Sunshine, 2006; Toy Story 3, 2010) ya no será el responsable del guión de Star Wars: Episode VII. Ahora los encargados de escribir la historia serán JJ Abrams  (Super 8, 2011) –que también fungirá como director del filme– y Lawrence Kasdan quien escribió con Leigh Brackett el guión de Star Wars: Episode V / The Empire Strikes Back (1980).

El cineasta Bryan Singer es acusado de abusar sexualmente de un joven de 17 años

El cineasta Bryan Singer ha sido acusado de abusar sexualmente de un joven de 17 años durante unas "fiestas sórdidas" en 1999. El proceso en contra del director ha comenzado en Hawai este miércoles y en él se acusa a Singer —responsable de más de una docena de populares títulos como la saga de X-Men, Superman Return o Valkira— de haber obligado a un chico a ingerir alcohol y esnifar cocaína, para posteriormente violarle en el transcurso de lo que la acusación ha denominado "fiestas sórdidas".

Michael F. Egan III, de 31 años, sostiene que Singer y otras poderosas personas de Hollywood lo obligaron a participar en sus fiestas sexuales para poder ser actor. Los sucesos tuvieron lugar en Los Ángeles y Hawai en 1999. "Singer, manipuló su poder, riqueza y posición en la industria del entretenimiento para abusar sexualmente y explotar al demandante (que ahora tiene 31 años de edad) a través del uso de drogas, alcohol, amenazas e incentivos que le provocaron daños psicológicos y emocionales", puede leerse en la demanda, en la que también se afirma que Singer es abiertamente gay. El denunciante, Michael F. Egan III, de 31 años y residente en Nevada, ha querido presentarse sin seudónimo y se define como heterosexual.

Durante su adolescencia, Egan se mudó junto a su familia a Los Ángeles para perseguir su sueño de convertirse en actor. De acuerdo con su denuncia, Singer y otras poderosas personas de Hollywood lo obligaron a participar en sus fiestas sexuales para alcanzar su meta, asegurando que lo ayudarían a triunfar si él les ayudaba a "estar contentos". El joven, que en 1999 tenía 17 años, describió los actos cometidos en esas presuntas "fiestas de Hollywood" de forma muy explícita y aseguró que los abusos derivaron en secuelas emocionales. "Hollywood tiene un problema con la explotación sexual de niños", afirma el abogado de Egan. "Este es el primero de muchos casos que llevaré adelante para dar voz a estas víctimas". A escasas semanas del gran estreno de  X-Men:Días del futuro pasado, de la que Singer es productor y director, "las declaraciones hechas contra Bryan Singer no tienen ningún fundamento", asegura el abogado del cineasa, que ha calificado el proceso de "absurdo y difamatorio".  Singer, asimismo, está preparando otra entrega más de la franquicia: X-Men: Apocalipsis, y se ha corrido el rumor de que podría encargarse de la adaptación al cine de la serie Galáctica.

Sebastián Silva: consejos para hacer cine de bajo presupuesto

Sebastián Silva dio una coferencia en el Made in New York Media Center, un espacio creado para facilitar los contactos entre artistas, innovadores y empresarios en Nueva York.

Es un cineasta chileno que se hizo conocido por La nana (Chile, 2009), ganadora del Gran Premio del Jurado en la competencia internacional del Festival de Sudance, y Crystal Fairy & The Magical Cactus (Chile, 2013), por la que recibió el premio al mejor director en el mismo certamen.

Silva ha emprendido una carrera como realizador independiente de coproducciones de su país y Estados Unidos, como Magic Magic (2013), con Michael Cera, Juno Temple y Emily Browning, y Nasty Baby (2015), con Kristen Wiig.

El sitio web Indiewire hizo una reseña de la conferencia, en la que destacó los 10 mandamientos de Sebastián Silva para hacer cine independiente de bajo presupuesto.

1. Cuando sea posible, deja de lado el guión.

“Cuando escribes diálogo, de alguna manera saboteas la espontaneidad. Quieres que el diálogo fluya naturalmente, para que el público crea que ocurre en ese momento, en algún lugar de este planeta. Hacer que los actores memoricen parlamentos puede matar eso. Para Crystal Fairy sólo escribí un bosquejo de 10 páginas. Para Nasty Babyescribí un borrador de 20 páginas. Esta última película que he hecho, Magic Magic, realmente requirió de un guión. El tono era el de un thriller, y estaba basada en la estética, y el ritmo y pequeños detalles de los personajes. Cuando es tan específico, necesitas un guión”.

“La improvisación es como un mito. Cuando llegas al set, y enciendes la cámara y comienzas a filmar, estás creando una ficción. La improvisación sólo ocurre en las primeras dos o tres tomas. La primera toma es un poco enredada, en la segunda corriges eso, en la tercera toma afinas el diálogo y el ritmo, y después de eso se convierte en una repetición. Terminas con una película con guión. La iprovisación sólo dura realmente hasta la tercera toma y después de eso estás escribiendo un guión con los actores.”

2. Mantén la cámara rodando, incluso después de “corten”.

“Si no dices ‘corten’ la gente se queda al borde. Raramente apago la cámara; mantengo la cámara funcionando después de que digo ‘corten’, mientras doy las indicaciones”.

3. Toda escena debe mover la historia hacia adelante.

“Ten conocimiento de lo que debe ocurrir en cada escena. Esa es la clave. Cada escena debe mover la historia hacia adelante. Si quiero que mi historia se detenga, entonces lo hago a propósito. Cada escena debe tener un sentido. Tener una escena sólo porque el lago es bonito o porque quieres ver una jirafa, no tiene sentido”.

4. ¿El ingrediente secreto de la creatividad? Lo embarazoso.

“Me siento muy intrigado, atraído y desafiado por lo embarazoso. Pasar por la embarazoso y vencerlo es una de las cosas claves que necesitas para tener libertad creativa. Te estás preparando para el fracaso, y eso es importante en la industria creativa.

“Quiero estar nervioso, quiero sentir miedo. Me gusta sentir que las cosas podrían no funcionar de la manera como creía que lo harían. Sentirse incómodo te da adrenalina. Estás más al borde, más atento. Es importante no sentirse seguro.

5. No necesitas luces.

“Chicos, ustedes no necesitan luces. Ralmente no –especialmente cuando filman realmente rápido y no tienen presupuesto–. La iluminación es una pérdida de tiempo, a menos que estén filmando en una caverna. Hay luz por todos lados”.

6. Dale a tu película una paleta de color específica.

“Usualmente en las primeras películas, o en los filmes estudiantiles, no hay paleta de color. Es un desastre. La película no se queda en el ojo del público. No la recuerdan visualmente porque simplemente se ve como un supermercado en el que cada color es bienvenido. Definir la paleta de color es importante para darle a tu película un lookespecífico”.

7. Si puedes, opta por filmar con cámara en mano.

“Si los actores están haciendo una interpretación realmente buena, puedes acercarte a ellos. Me gusta esa libertad”.

8. Trabajar con un estudio comprometerá tu libertad artística.

“Mis películas no van más allá de los 500.000 dólares excepto Magic Magic, que fue un filme de 2 millones de dólares financiado por Sony. Fue un desastre. La pelícua nunca llegó a los cines y realmente pasé un mal rato. Terminó conmigo mandándole una cara triste en un e-mail a todo el staff de Sony. Me hicieron una carátula horrible para el DVD, el trailer es una mierda. Fue loco. Realmente fue una mala experiencia. No supieron mercadearla bien”.

9. Siempre ten varios proyectos en marcha a la vez.

“Siempre tengo cinco proyectos en marcha al mismo tiempo. Es tan cruel el mundo allá afuera. Hay tanta gente tratando de hacer esto, y es desalentador cuando sólo tienes una cosa y estás esperando por ella. Yo soy muy impaciente. Así que prefiero estar trabajando”.

10. Todo lo que necesitas es un buen guión.

“No importa quién seas o quién lea el guión. Si el guión es bueno, llegará a las manos indicadas. Todo el mundo tiene una gran película potencial en la cabeza. Sólo se trata de escribirla”.

Los 10 mejores filmes sobre cine, según Jonathan Romney de ‘The Guardian’

El crítico de cine e investigador, Jonathan Romney –habitual colaborador de la revista especializada en cine, Sight & Sound–, publicó recientemente en el diario británico, The Guardian, un artículo titulado The 10 best films about films (Los 10 mejores filmes sobre filmes). Romney recupera sus 10 filmes preferidos sobre la metaficción cinematográfica, es decir, sobre aquellos filmes de narrativa autorreferencial; películas que hablan sobre sí mismas; obras que reflexionan sobre sus mecanismos y condiciones de realización, que indagan sobre la condición del cine o que le rinden un homenaje al séptimo arte. A continuación, en estricto orden cronológicos, te compartimos las recomendaciones de Romney:

Behind the Screen

Dir. Charles Chaplin, Estados Unidos, 1916

El cine no tardó mucho en darse cuenta que él mismo podría ser el tema central del propio cine. La más famosa reflexión sobre el cine silente realizada por un filme mudo es Sherlock Jr (1924) de Buster Keaton, con este último como un proyeccionista que sueña con aparecer en una película. Sin embargo, ocho años antes, Charles Chaplin  meditó sobre las realidades monótonas que se viven al interior de un estudio de cine. Las travesuras de Chaplin, como un ingenioso tramoyista, revelan el carácter industrial de lo que comenzaba a ser un gran negocio: el cine. En Behind the Screen aparece el personaje de un director, cuyo ceño fruncido y gafas oscuras le dan una personalidad arrogante; él es el encargado de supervisar la realización del filme y es, sin duda, la primera representación en pantalla de un cineasta angustiado.

Hellzapoppin’

Dir. H.C, Potter, Estados Unidos, 1941

Los comediantes de vodevil, Olsen y Johnson, serían olvidados si no fuera por este vehículo delirante, una adaptación de su etapa exitosa de Broadway. Hellzapoppin muestra el espectáculo de un musical en el backstage; es un filme con tintes surrealistas y con la fantasía del cine de vanguardia sobre un director de cine exasperado por no estar convencido del trabajo de su equipo y de los actores. H.C. Potter exploró con varios momentos bruscos que pueden desorientar al espectador el cine dentro del cine. Un director que grita “corte”, actores que se atascan entre los fotogramas de la película, el caos que se desprende en el cuadro de proyección. Hellzapoppin tiene una contraparte de animación en Duck Amuck (1953), donde el Pato Lucas descubre los inconvenientes existenciales de ser un personaje de dibujos animados.

Singing in the Rain

Dir. Gene Kelly y Stanley Donen, Estados Unidos, 1952

El más querido y erudito de todos los musicales cinematográficos; es un pedazo de la historia del cine que reflexiona sobre las tribulaciones de una estrella del cine mudo, Don Lockwood (Kelly), luchando para hacer la transición al cine sonoro. Algunos de los momentos de humor son también elementos crueles realizados a expensas de la elevada diva Lina Lamont (Jean Hagen). El clásico de Donen, la crisis de la industria cinematográfica y la transición de una época a otra fueron homenajeados de forma brillante por Michel Hazanavicius en The Artist (2011).

Pepping Tom

Dir. Michael Powell, Reino Unido, 1960

La película que provocó la elaboración de miles de estudios y disertaciones sobre la política y repercusiones de “la mirada”, Pepping Tom también terminó, prácticamente, con la carrera de su realizador, el británico Michael Powell. Escrito por Leo Marks, este thriller es un bizarro, comprometido y desquiciado estudio sobre la figura del cineasta solitario, con Carl Boehm como un voyeur de obsesionado con capturar la mirada de terror. Peeping Tom es una rareza, ya que capta la elaboración de la imagen cinematográfica en varios niveles. Al principio vilipendiado, más tarde venerado, Peeping Tom es fácilmente tan influyente como Psicosis en la apertura de la mentalidad oscura del cine

8 ½

Dir. Federico Fellini, Italia, 1963

Esta extravagante fantasía autobiográfica de Fellini es una de las cumbres visionarias de la modernidad cinematográfica, también es un ejercicio del “autoengrandecimiento” que tuvo el efecto de alentar a generaciones de autores a tomarse a ellos mismos como material serio para la elaboración de filmes. Marcello Mastroianni que hace ver a un intelectual como un seductor agradable –más de lo que un intelectual lo es en la vida real– interpreta a Guido, el alter ego de Fellini, un director que se ha quedado corto de inspiración y que desea hacer una película sobre su propia vida y sus amores.

Le Mépris

Dir. Jean-Luc Godard, Francia, 1963

Basada en una novela de Alberto Moravia, Le Mépris encuentra a un Jean-Luc Godard abatido sobre las  glorias perdidas del cine mientras busca los métodos que conduzcan al cine a un futuro más radical. El escenario es Italia –los estudios Cinecittà de Roma, luego Capri– donde el gran director alemán Fritz Lang (interpretándose a sí mismo) está tratando de filmar La Odisea bajo la égida de un productor estadounidense (Jack Palance). El filme cuenta con el sublime score de Georges Delerue y un preludio metarreferencial de Brigitte Bardot sobre su propio cuerpo desnudo.

The Player

Dir. Robert Altman, Estados Unidos, 1992

Los productores son, a veces, representados en pantalla como unos seres monstruosos (el personaje de Kirk Douglas en The Bad and the Beautiful, 1952). Pero los ejecutivos de los filmes nunca fueron retratados de manera tan abyecta como  fueron nunca tan abyecta como el desalmado productor Griffin Mill (Tim Robbins). Escrito por Michael Tolkin, esta escabrosa sátira significó una venganza de Robert Altman contra el sistema de Hollywood –con hordas de nombres, procedentes de ambos lados de la cámara, que muestran la solidaridad hacia Altman contribuyendo con cameos de sí mismos (Cher, Bruce Willis, el guionista Buck Henry, que aparece escribiendo una nueva secuela de El Graduado).

New Nightmare

Dir. Wes Craven, Estados Unidos, 1994

Las normas del género de terror parecen restringir el terreno para la elaboración de una sólida metaficción; pero hay algunos ejemplos como The Cabin in The Woods, Scream y The Human Centipede 2. Antes de Scream, Craven concluyó su saga de Pesadilla en Elm Street con New Nightmare, una contemplación paradójica cargada de las pesadillas habituales, pero con un interesante giro: Craven reunió a los actores de la primera entrega para que, durante el rodaje, padezcan las mismas obsesiones y miedos de sus personajes. El ingenio es convincente, aunque a este filme le fue peor en la taquilla que cualquier pesadilla anterior.

Goodbye, Dragon Inn

Dir. Tsai Ming-liang, Taiwán, 2003

Entre las elegías cinematográficas y los homenajes a los recintos que exhiben películas y que han desaparecido el filme más popular es el empalagoso Cinema Paradiso,  pero una propuesta más interesante proviene de Taiwán. El escenario es un cine de Taipei a punto de cerrar; se exhibe el épico filme de artes marciales, Dragon Inn, dirigido por King Hu. Pero en pantalla vemos al personal del cine y al escaso público que ha asistido (una persona solitaria vagando por los pasillos, hombres gay que acuden al sanitario, entre otros). A pesar de su atmósfera cotidiana e intrascendente, no se trata de una proyección más, sino de la última antes de que cierre sus puertas para siempre.

Maps to the Stars

Dir. David Cronenberg, Canadá, 2014

Escrito por Bruce Wagner, esta espeluznante comedia negra es sobre los excesos psicosexuales en Hollywood. El filme puede no ser el más actualizado de su tipo, pero demuestra que siempre hay una fascinación mórbida que se desprende desde la simple observación y transita audazmente hacia una especia de locura en la gente dedicada al cine. El ejemplo más excelso de ello es Sunset Boulevardde Billy Wilder (1950), en la que la leyenda del cine silente, Gloria Swanson, interpretó a Norma Desmond, una diosa de la pantalla caída en la ruina. En la película de Cronenberg destaca el desempeño actoral de Julianne Moore; soberbia como una neurótica estrella narcisista, una prueba de que el fantasma de Norma Desmond no ha sido exorcizado de Beverly Hills todavía.

fuente: http://enfilme.com/

Video: A 15 años de su estreno, vean el Honest Trailer de ‘Fight Club’

A 15 años de que Fight Club, el controversial filme dirigido por David Fincher, llegará a las salas de cine estadounidenses, el famoso canal de YouTube, Screen Junkies, le rinde homenaje a la cinta protagonizada porBrad Pitt, Edward Norton y Helena Bonham Carter con una entrega más de sus célebres Honest Trailers.

El video destaca la hipocresía entre el mensaje anticorporativo del filme y toda la mercancía que se lanzó a partir del éxito de la adaptación de la novela escrita por Chuck Palahniuk (sí, se burlan de su apellido), entre los destacan un videojuego lanzado en 2004, la secuela que se prepara en forma de novela gráfica y por supuesto, el jabón oficial de la cinta.

Trailer: Primer avance de 'What Happened, Miss Simone? ' documental sobre Nina Simone

Netflix dio a conocer el trailer de What Happened, Miss Simone?  documental sobre la cantante Nina Simone, dirigido por la directora nominada al OscarLiz Garbus (Bobby Fischer Against the World, 2011). Autorizada por la familia de la cantante, la película incluye imágenes de sus conciertos y entrevistas de hace más de tres décadas.

El avance comienza con la voz de Nina diciendo:

“Pienso que la única manera de decir quién soy en estos días, es cantar estar canción, así que empezaremos desde el principio…”

Y comienza la melodía de la gran canción Feeling good con la voz en off de la hija de Nina hablando de su madre.

El documental estará disponible en Netflix desde el 26 de junio. Miren el trailer aquí:

El ensayo industrial de Bolívar Films

Dos largometrajes de Bolívar Films fueron seleccionados para Cannes entre 1951 y 1953, y uno de ellos resultó galardonado. En 1952 compitió un corto de la productora venezolana: La Caracas de Bolívar. Fue antes de que Araya de Margot Benacerraf compartiera el Premio de la Crítica Internacional con Hiroshima mon amour de Alain Resnais y ganara el Premio de la Comisión Técnica Superior del Cine Francés, en el festival de 1959.

En 1951 La balandra Isabel llegó esta tarde, dirigida por Carlos Hugo Christensen, disputó el Gran Premio y recibió la distinción a la mejor cinematografía, de José María Beltrán. En 1953 estuvo en competencia Luz en el páramo, dirigida por Víctor Urruchúa, con Román Chalbaud como asistente de dirección e Hilda Vera, la futura Garza de El pez que fuma (1977), como actriz. Benacerraf participaba también ese año con el cortometraje Reverón.

Las dos películas formaron parte de una serie de diez producidas por iniciativa del empresario Luis Guillermo Villegas Blanco entre 1950 y 1954, en un intento de lanzar a Bolívar Films a competir en el mercado nacional y latinoamericano con los filmes de México y Argentina.

El demonio es un ángel (1950)
La balandra Isabel llegó esta tarde (1950)
Amanecer a la vida (1950)
Yo quiero una mujer así (1951)
Seis meses de vida (1951)
Venezuela también canta (1951)
Flor del campo (1951)
Territorio verde (1952)
Luz en el páramo (1953)
Noche de milagros (1954)

El resultado fue un fracaso. Se invirtieron 4,8 millones de bolívares y se recuperaron 3 millones, según Villegas, quien atribuyó lo ocurrido a la dificultad para entrar en los mercados extranjeros y a la falta de protección al cine nacional por parte del Gobierno en aquella época. El modelo que adoptó la empresa en esos largometrajes de ficción, sin embargo, es de interés histórico en un país en el que, desde 1975 hasta la actualidad, el cine nacional ha sido principalmente obra de realizadores independientes, financiado por el Estado.

Una fórmula para competir

El de 1950-1954 era el segundo intento de Bolívar Films de incursionar en la realización de películas de ficción. Reemprendió ese negocio luego de haberse consolidado como empresa en los campos del documental institucional, el noticiero para cine y la publicidad, a través de un acuerdo con la agencia ARS.

En 1945 el estudio había llevado al cine a los personajes de Las aventuras de Frijolito y Robustiana, con los mismos actores del programa de radio: María Teresa Guinand y Carlos Fernández. Luego hizo Barlovento con Yolanda Leal, quien había sido madrina de la selección nacional en el Mundial de Beisbol. La película estaba inspirada en la canción homónima de Eduardo Serrano, músico que también sería clave en los filmes de 1950-1954. Pero esa experiencia con talento nacional resultó un fracaso que llevó a Bolívar Films a detener la producción de largometrajes y a replantarse la iniciativa con un mayor alcance.

Traer a Venezuela actores de México y Argentina fue uno de los cuatro elementos de la fórmula con la que reintentaría conquistar el mercado nacional e incursionar en países extranjeros. Los argentinos Susana Freyre y Juan Carlos Thorry fueron contratados paraEl demonio es un ángel, el filme con el que la empresa se lanzó de nuevo a la producción de largometrajes. Luego vendrían el mexicano Arturo de Córdova y la argentina Verónica Luque, para La balandra Isabel llegó esta tarde, y Olga Zubarry, otra actriz de Argentina, para Yo quiero una mujer así. Trabajaron además con Bolívar Films la puertorriqueña radicada en México Mapy Cortés, en Venezuela también canta, y la mexicana Susana Guízar, en Amanecer a la vida.

Christensen, uno de los directores argentinos más destacados de la época y esposo de Freyre, estuvo a cargo también de El demonio es un ángel. Fueron contratados en ese país, además, el director de arte Ariel Severino, y el actor y escritor Juan Corona, entre otros profesionales. De España vino José María Beltrán.

Bolívar Films trajo de México a Víctor Urruchúa, para dirigir Seis meses de vida y Luz en el páramo, y a Fernando Cortés, esposo de Mapy, quien estuvo al frente de Amanecer a la vida y Venezuela también canta. Cuando confió la dirección a principiantes, no fueron venezolanos los escogidos para ello, sino Juan Carlos Thorry, en Yo quiero una mujer así, y Severino y el chileno Horacio Peterson, en Territorio verde.

La fórmula con la que Bolívar Films esperaba triunfar en los mercados del país y el exterior comprendía otros dos factores clave. En primer lugar, mantenerse al día en lo que al equipamiento técnico respecta, de manera de cumplir con el estándar internacional de calidad esperado por el público. Además, contar con promoción no solamente en el país sino también en medios del extranjero.

Color nacional

Varios actores venezolanos trabajaron en las películas de Bolívar Films de 1950-1954, como Amador Bendayán, Luis Salazar, Tomás Henríquez y Néstor Zavarce, además de Hilda Vera, que venía de hacer cine en México, y la argentina radicada en Venezuela Juana Sujo. Pero las verdaderas estrellas fueron los extranjeros, salvo los casos de Bendayán en Seis meses de vida, el cantante Alfredo Sadel en Flor del campo y Henríquez en Territorio verde.

Eduardo Serrano y el escritor Aquiles Nazoa, y el uso de textos de autores nacionales como fuente de inspiración, tendrían junto con ellos la misión de dar a las películas “un toque de color local”, como escribió Juan Arco en El Nacional sobre El demonio es un ángel. “Distribuido con parsimonia, le dan un carácter venezolano sin que ello la haga demasiado típica”, agregó. Eso era parte del objetivo de lograr un producto que fuera de interés en otros países.

Las historias también tenían referentes latinoamericanos, lo cual se explica por la influencia del cine argentino y mexicano. El demonio es un ángel, con guión de Juan Corona y diálogos de Aquiles Nazoa, es una comedia elegante típicamente argentina, de la línea de Los martes orquídeas (1941). La balandra Isabel, para la que Nazoa adaptó el cuento de Guillermo Meneses, es un melodrama de prostitutas cuyas fuentes están en el cine de México, como La mujer del puerto (1934). Incluso las películas sobre la Revolución Mexicana, como El compadre Mendoza (1932) y Vámonos con Pancho Villa(1936), son la referencia de Luz en el páramo.

Rodolfo Izaguirre evalúa así la producción de Bolívar Films en el período 1950-1954: “No hubo, […] en rigor, criterios autorales firmes, claros; proposiciones estéticas. Fue como si Bolívar Films hubiese heredado la regla de oro de los cuarenta: el halago al ultranza de un presunto espectador al que se satisfacía sólo a través del folklore, el melodrama espeso y el humor grueso y vulgar.”

Pero ese juicio refleja el rechazo del Nuevo Cine Latinoamericano de la década de los años sesenta a la producción industrial anterior. Descalifica de un plumazo, además, lo que considerado con menos predisposición no deja de tener aspectos positivos, como un nivel de calidad que le permitió al cine venezolano llegar por primera vez al Festival de Cannes y ser premiado. En cuanto al problema que plantea la venezolanidad de las películas, no debe olvidarse que la primera vez que Bolívar Films se propuso incursionar en el mercado de los largometrajes, basándose en el talento de la radio y la música nacionales, el resultado fue un fracaso.

En la historia del cine latinoamericano el ensayo industrial de Bolívar Films ubica a la empresa entre los estudios que tampoco lograron, en otros países, replicar el éxito de las industrias de México y Argentina. Los ejemplos más célebres son la Vera-Cruz (1950-1954), en Brasil, y la empresa estatal Chile Films (1942-1949).

Nota:

1. Flor del campo y Territorio verde fueron producidos por Bolívar Films para una empresa de la que también era socio Villegas: Películas Venezolanas, S. A. Se estrenaron con ese sello.

Referencias

Alfredo Cabrera (1990). Hacedor de sueños: Luis Guillermo Villegas Blanco, pionero de la industria cinematográfica venezolana. Caracas: Bolívar Films.

Ana Patricia Chung Mau y María Mercedes García Álvarez (1988). El noticiero cinematográfico en Venezuela: diagnóstico y perspectivas. Caracas: Escuela de Comunicación Social de la Universidad Católica Andrés Bello, trabajo de grado.

Rodolfo Izaguirre (1997). “Del infortunio recurrente al acto promisor: 1940-1958”. En: Tulio Hernández (ed.). Panorama histórico del cine en Venezuela. Caracas: Cinemateca Nacional, pp. 115-128.

Luz Nahir el Jesser e Irama Ferreira (1998). Bolívar Films en retrospectiva. Producción cinematográfica. Período 1950-1952. Caracas: Escuela de Artes de la Universidad Central de Venezuela, trabajo de grado.

Foto destacada: Susana Guízar en Amanecer a la vida

Fuente: http://encine.escuelanacionaldecine.com.ve/

Disney lanza línea de ropa femenina inspirada en ‘Avengers’

Hot Topic, el sitio web de moda, dio a conocer una colección de ropa femenina inspirada en Avengers, creada por Amy Beth Christenson y Andrew MacLaine, quienes los mostraron por primera vez el año pasado, en la Comic Con de San Diego como parte de un concurso. Los diseños son el resultado de una alianza entre la firma de ropa Her Universe y Disney Consumer Products. La línea incluye vestidos y chaquetas inspiradas en superhéroes como Thor, Iron Man, Capitán América, la Viuda Negra, y Loki, el villano de la película.

Christenson y MacLaine trabajaron bajo la asesoría de Ashley Eckstein, fundadora de la firma Her Universe de Hot Topic:

Ha sido un placer trabajar con Amy y Andrew para crear esta línea que nació de sus bocetos iniciales hasta el producto final que se vende en las tiendas Hot Topic. La moda geek es una tendencia que llegó para quedarse.

La colección estará disponible a de mediados de mayo, días después del estreno mundial de Avengers: Age Of Ultron.

Trailer: ‘The Prophet’, animación basada en la obra de Khalil Gibran

Traducido a más de 40 idiomas y logrando la venta de más de 100 millones de copias en todo el mundo, probablemente era inevitable una adaptación cinematográfica de The Prophet (El profeta), obra del escritor, poeta y pintor libanés, Khalil Gibran. Y, en efecto, se ha creado un filme de animación que contó con la participación de nueve realizadores que crearon varias secuencias del filme, entre ellos destacan Bill Plympton, Tomm Moore, Gaëtan Brizzi y Nina Paley. El proyecto fue encabezado por Roger Allers –director de El rey león (1994) y guionista de Aladdín (1992)– y cuenta con las voces deLiam Neeson, Salma Hayek, Quvenzhané Wallis, John Krasinski,Frank Langella y Alfred Molina; así como la música de Yo-Yo Ma, Damien Rice, y Glen Hansard.

A continuación la sinopsis oficial:

Ambientada en un pueblo junto al mar Mediterráneo, Kamila limpia la casa para el artista y poeta exiliado Mustafa, pero el trabajo más difícil es mantener a su hija joven de espíritu libre, Almitra, fuera de problemas. Los tres se embarcan en un viaje destinado a terminar con el regreso a casa de Mustafa - pero primero debe evadir a las autoridades, que temen que la verdad en sus palabras incite una rebelión.

El filme se presentó el año pasado en dos festivales, en mayo de 2014 estuvo en Cannes, y en octubre se exhibió en el Festival Internacional de Cine de Morelia, 

Con motivo de su estreno en Estados Unidos –el próximo 7 de agosto–, te compartimos el trailer oficial:

fuente: www.enfilme.com

Video: 'The Magic Whip: Made in Hong Kong’ documental sobre el nuevo álbum de Blur

El 27 de abril la banda británica Blur lanzó su octavo álbum The Magic Whip, grabado en Londres y Hong Kong, y con motivo de su estreno, han sacado un documental de media hora que muestra el making of del disco.

 Vean The Magic Whip: Made in Hong Kong aquí:

Venezuela y Cuba comprometidos con la cultura cinematográfica

El Embajador Extraordinario y Plenipotenciario de la República de Cuba, Rogelio Polanco Fuentes, visitó el pasado 17 de abril la Sede de la Villa del Cine, con el objeto de realizar un recorrido por las instalaciones para conocer el proceso de producción de las obras cinematográficas que realiza la institución y de esta manera, reafirmar lazos entre ambos paises en el ámbito cultural, reforzando el área del conocimiento en cuanto a las nuevas tendencias del Cine Nacional, que han sido merecedoras de grandes reconocimientos en los últimos años.

Vale destacar que este contacto sirvió para el intercambio de ideas para los próximos proyectos y programas educativos cinematográficos, de manera tal que se continue fomentando el cine en todos los rincones del país y el mundo. Una vez más, la Villa del Cine demuestra el compromiso por llevar en alto el nombre de Venezuela a través de la pantalla grande, dando a conocer nuestra belleza humana, natural y cultura.

'Star Wars: Episode VIII' se filmará en Reino Unido

Star Wars Episode VIII se filmará en el Reino Unido, con una producción basada en los estudios Pinewood, así lo anunciará oficialmente el Canciller de Hacienda del Reino Unido, George Osborne. “May The 4th Be With You”, así dirá el Canciller en su intento de incluir a los Tories (simpatizantes del Partido Conservador) en la celebración anual de la franquicia (que se celebra cada 4 de mayo) inaugurada por George Lucas con la primera película de 1977.

Lucasfilm invertirá cerca de 100 millones de libras en la octava película generando alrededor de 3 mil empleos. La inversión de Lucasfilm representa un enorme voto de confianza en los trabajadores de Reino Unido, desde los diseñadores de efectos visuales hasta los carpinteros pasando por los técnicos de iluminación y los diseñadores de vestuario.

Kathleen Kennedy, presidenta de Lucasfilm, dijo:

Estamos deseando continuar la nueva generación de películas de Star Wars en el Reino Unido.

Star Wars Episode VIII será la cuarta secuela de Star Wars que se rodará en el Reino Unido.  El proyecto será dirigido por Rian Johnson, y comenzará su rodaje en 2016 con una fecha de lanzamiento prevista para el 2017.

El mensaje del Canciller para todos los seguidores de Star Wars –“May The 4th Be With You”– es un homenaje a la película y, también, a Margaret Thatcher.

La famosa línea original  –“May the force be with you” (Que la fuerza te acompañe)– se ha pronunciado, al menos una vez, en cada uno de los filmes de Star Wars. Pero en la mente de los Tories, el 4 de mayo siempre será recordado como aquel día de 1979 en que Thatcher entró al Downing Street como primera ministra por primera vez.

JJ Abrams (director de Episodio VII), Kathy Kennedy (presidenta de Lucasfilms) y el canciller, George Osborne, en el set de Star Wars VII en los estudios Pinewood, junio de 2014.

fuente: www.enfilme.com