El maquillador, técnico en efectos especiales y siete veces ganador del Oscar, Rick Baker,
señala que la elaboración de monstruos y criaturas fantásticas mediante
maquillaje y animatronics ha sido sustituida por el excesivo empleo de
los CGI (imágenes generadas por computadora) en Hollywood.
Él es uno de los artistas más
condecorados de Hollywood, un icono del maquillaje, un innovador, un
creador de efectos visuales con el uso de materiales y capas de colores
depositadas en el cuerpo del actor para, mediante texturas, crear una
nueva apariencia. Entre sus trabajos más destacados se encuentran: An American Werewolf in London (1981), Videodrome (1983), Harry and the Hendersons (1987), Ed Wood (1994), Men in Black (1997), How the Grinch Stole Christmas (2000), The Wolfman (2010) y Maleficent (2014).
Baker ha manifestado que está planeando
su retiro a la edad de 64 años, debido a que existe una demanda
creciente en el empleo de CGI en la industria del cine. En una
entrevista con la emisora de radio pública de California, KPCC, Baker
dijo que consideraría la consultoría y el trabajo de diseño, pero ha
decidido que no volverá a tener un enorme estudio de trabajo, después de
vender su tienda de Glendale, California, y darle las gracias a sus
empleados que despidió el año pasado. Sobre su más reciente trabajo,
Maleficent, el artista explicó que fue muy confuso para él trabajar en
ese filme debido a que se involucraron muchos efectos CGI en varias
partes que, según él, se pueden resolver sin el empleo de tanta
tecnología. Ahí fue donde Baker se dio cuenta de la fuerte tendencia:
“ellos ven la tecnología para reemplazar todo tipo de trabajo
artesanal”, señaló Baker.
Creo que es el momento adecuado, tengo
64 años, y este negocio es una locura. Me gusta hacer las cosas bien,
pero ellos [los estudios de Hollywood] lo quieren todo rápido y barato. Y
eso no es lo que yo quiero hacer, así que he decidido que es el momento
de salir. En primer lugar, el CGI definitivamente eliminó la parte de
los animatronics que yo hago, y también están empezando a quitar la
parte del maquillaje.
Uno de los proyectos más conocidos de
Baker fue el diseño de maquillaje para “Thriller”, el video musical de
Michael Jackson, para el que fue contratado después de que el cantante
vio su trabajo en An American Werewolf in London
El pasado 29 de mayo, Baker puso a la venta cerca de 400 obras a través de la página web Prop Store.
La inminente jubilación de Baker viene, irónicamente, acompañada de un
posible renacimiento de los animatronics, enormes títeres y maquillaje
con Star Wars: The Force Awakens, debido a que el director, J.J.Abrams ha sugerido y manifestado que prefiere estos elementos por encima del CGI
El cineasta Bryan Singer ha sido acusado de abusar sexualmente de un joven de 17 años durante unas "fiestas sórdidas" en 1999. El proceso en contra del director ha comenzado en Hawai este miércoles y en él se acusa a Singer —responsable de más de una docena de populares títulos como la saga de X-Men, Superman Return o Valkira— de haber obligado a un chico a ingerir alcohol y esnifar cocaína, para posteriormente violarle en el transcurso de lo que la acusación ha denominado "fiestas sórdidas".
Michael F. Egan III, de 31 años, sostiene que Singer y otras poderosas personas de Hollywood lo obligaron a participar en sus fiestas sexuales para poder ser actor. Los sucesos tuvieron lugar en Los Ángeles y Hawai en 1999. "Singer, manipuló su poder, riqueza y posición en la industria del entretenimiento para abusar sexualmente y explotar al demandante (que ahora tiene 31 años de edad) a través del uso de drogas, alcohol, amenazas e incentivos que le provocaron daños psicológicos y emocionales", puede leerse en la demanda, en la que también se afirma que Singer es abiertamente gay.El denunciante, Michael F. Egan III, de 31 años y residente en Nevada, ha querido presentarse sin seudónimo y se define como heterosexual.
Durante su adolescencia, Egan se mudó junto a su familia a Los Ángeles para perseguir su sueño de convertirse en actor. De acuerdo con su denuncia, Singer y otras poderosas personas de Hollywood lo obligaron a participar en sus fiestas sexuales para alcanzar su meta, asegurando que lo ayudarían a triunfar si él les ayudaba a "estar contentos". El joven, que en 1999 tenía 17 años, describió los actos cometidos en esas presuntas "fiestas de Hollywood" de forma muy explícita y aseguró que los abusos derivaron en secuelas emocionales. "Hollywood tiene un problema con la explotación sexual de niños", afirma el abogado de Egan. "Este es el primero de muchos casos que llevaré adelante para dar voz a estas víctimas". A escasas semanas del gran estreno de X-Men:Días del futuro pasado, de la que Singer es productor y director, "las declaraciones hechas contra Bryan Singer no tienen ningún fundamento", asegura el abogado del cineasa, que ha calificado el proceso de "absurdo y difamatorio". Singer, asimismo, está preparando otra entrega más de la franquicia: X-Men: Apocalipsis, y se ha corrido el rumor de que podría encargarse de la adaptación al cine de la serie Galáctica.
En el más reciente episodio de Academy Originals, los cineastas y actores de Hollywood hablaron sobre la primera película que los hizo llorar. Evidentemente las respuestas varían. Por ejemplo, el director Brian Percival eligió Casablanca; el veterano compositor, Richard Sherman, respondió que City Lights de Charles Chaplin; el artista británico, Steve McQueen, señaló aNight of the Hunter como la responsable de hacerlo derramar lágrimas; para Daniel Radcliffe fue La vita è bella; tanto Paul Dano y Ralph Fiennes optaron por Bambi.
A continuación puedes ver todas las respuestas de los actores y directores de Hollywood:
Siempre son muchos los efectos y las causas que tienen que conjuntarse para que un acontecimiento feliz vea la luz del sol. Y el caso del cine del New Hollywood no es la excepción.
Por New Hollywood —o época posclásica de Hollywood[1]— se conoce al cine producido —más o menos, y sin excluir algunas películas anteriores y otras posteriores— entre 1967 y 1977: un cine único, sobresaliente, enigmático, atemporal, inquisitivo y crítico, que cambiaría en gran medida la estructura a la que el espectador promedio se había acostumbrado, durante todo lo que iba del siglo XX.
Una película que quiere atraer a todo tipo de personas es una película que yo no quiero ver. Bernardo Bertolucci.
El «cine posclásico» es un término que la crítica ha utilizado para describir al periodo que prosiguió al declive del «sistema de estudio» en los años 50 y 60, y el final del código de producción. En New Hollywood se crearon nuevos productos con contenidos novedosos y, en cierto modo, contestatarios, que a la vez que rendían homenaje a la historia del cine, innovaban sobre los géneros y técnicas ya existentes, pero con gran fortuna, porque se lograba unir lo alternativo a lo comercial, y la mercadotecnia al arte, y además conjuntaban la frescura y la inocencia de los jóvenes creadores, con la escuela del viejo Hollywood y el cine de culto.
Los antecedentes
A finales de los años 60, los EE.UU. habían cambiado, y esto se reflejaría en su arte. Movimientos como el hippismo, el uso de la píldora, la liberación femenina y la guerra de Vietnam reflejaron la incertidumbre, indecisión y paranoia del inconsciente colectivo que veía ante sus ojos la derrota, la crisis de valores, que cuestionaba profundamente a todas las instituciones, a la familia, el Estado y la Iglesia y, sobre todo, al American Dream; en ese momento, y de forma en cierto modo paradójica, la industria cinematográfica tuvo unminirrenacimiento al cambiar la forma de contar historias y de presentarlas al público.
Algunos directores del New Hollywood: Bob Rafelson, con The King of Marvin Gardens (1972); Robert Altman con The Long Goodbye(1973); Brian De Palma con Carrie (1976); Milos Forman con One Flew Over the Cuckoo’s Nest (1975) y Woody Allen con Annie Hall(1977).
Frédéric Martel, en su libro Cultura mainstream. Cómo nacen los fenómenos de masas, nos cuenta: «En la edad de oro de los estudios, en los años 1920 y hasta finales de 1950, Hollywood era un sistema centralizado y verticalmente integrado. Los estudios organizaban todo el proceso de producción de un filme, desde el guión hasta la exhibición en las salas. Los productores, pero también los guionistas, los técnicos, directores y la mayoría de los actores eran asalariados con contratos a largo plazo. Todos trabajaban, en cierto modo, en una cadena, ya que el cine era visto sólo como una industria».[2] El mandato de los estudios era hacer películas que fueran rentables. La imagen de los EE.UU. definida por la ley, el gobierno, el matrimonio, la fidelidad, la familia, la gentileza, el trabajo duro, la justicia, la honestidad y la responsabilidad era la norma.
El desplome
En 1948, el Tribunal Supremo de los EE.UU. prohíbe la concentración, por lo que los estudios pierden su monopolio, y tienen que vender sus redes de salas de cine, con ello se ven forzados a limitarse a la producción. Ahora cada película hecha por un estudio podía tener un reparto y equipo creativo completamente aparte, sin los requerimientos prototípicos que hasta entonces había tenido la industria. Esto, aunado a un público más maduro, provoca a su vez el desplome del Star System.[3] Así se pasa de la adoración inicial de los astros en la pantalla, a verlos ya como humanos falibles. Asimismo, muchos actores se rebelan contra los estudios, luchando por la titularidad de sus contratos y, por ende, contra la exclusividad que los acartonaba.
Como consecuencia, el número de películas en rodaje desciende bruscamente, y los estudios se centran en producir entretenimiento que no pueda ser ofrecido por la televisión —que también habrá sido un factor determinante del desplome—: espectáculos, producciones con argumentos trascendentales —películas como Ben-Hur(1959), Lawrence of Arabia(1962), Cleopatra(1963) y Hello Dolly! (1969) dan cuenta de ello—; también se incorporan avances tecnológicos como el 3D, el Cinemascope y el Technicolor, pero aun con todo esto, en los años 60 las audiencias habían alcanzado los niveles más bajos.
Por otro lado, coincide con que los Baby boomers—que además eran más educados, pues entre 30% y 60% habían tenido estudios universitarios— empiezan a tener edad para ir al cine y, mejor aún, para hacer cine.
La oportunidad
Así, Hollywood decide jugarse el todo por el todo; los estudios dan rienda suelta a las películas de y para jóvenes y con ello, a los nuevos directores, guionistas, e incluso actores, se les da mayor control en todas las producciones. Además, la mayoría de ellos ya no eran producto de la industria, sino que habían egresado de escuelas de cine —por ejemplo, Scorsese y Jim Jarmusch de NYU, Paul Schrader de UCLA y Coppola de USC—, y además habían estado influenciados, en gran medida, por la crítica cinematográfica tanto estadounidense —Pauline Kael, Andrew Sarris, Manny Farber— como europea, sobre todo la de la revista francesa Cahiers du Cinéma, que era la más importante de crítica cinematogrñfica en Europa y fue fundada en 1951 por André Bazin.
Muchos de estos directores habían tenido como mentor a Roger Corman, un director de películas serie B —algunos westernsy películas de terror, así como algunas adaptaciones de cuentos de Edgar Allan Poe—, que en su trabajo como productor de New Horizon Films había reunido a jóvenes talentos como Francis Ford Coppola, Martin Scorsese, Peter Bogdanovich, Jonathan Demme, James Cameron y John Sayles, que hoy son directores de cinco estrellas, que reconocen la profunda influencia de Corman en su manera de hacer cine.
La relevancia de Hollywood como la "meca del cine" es innegable en la actualidad y en la historia del cine, pero quizá pocas veces nos inmiscuimos en el origen del lugar de donde provienen miles de producciones cinematográficas todos los años. ¿Cómo es que una apuesta de 25 000 dólares dio lugar a la industria del cine moderno? ¿Cómo es que Hollywood se convirtió en Hollywood? ¿A dónde va Hollywood? A continuación un video que revisa años de historia, años de imágenes en movimiento en menos de 10 minutos.
El grupo pro Israel, Creative Community for Peace [Comunidad creativa por la paz] ha publicado una declaración que critica a Hamas, signada por casi 200 personalidades de Hollywood, entre ellas, Michael Nyman, Arnold Schwarzenegger, Minnie Driver,Aaron Sorkin y Seth Rogen.
Te dejamos abajo la traducción completa de la petición:
Nosotros, los abajo firmantes, estamos consternados por la devastadora pérdida de vidas perpetuadas por israelís y palestinos en Gaza. Nos duele el sufrimiento en ambos lados del conflicto y esperamos una solución que pueda traer paz a la región. Así como nos mantenemos firmes en nuestro compromiso por la paz y la justicia, también nos mantenemos firmes en contra de ideologías de odio y genocidio que se reflejan en el acta constitutiva de Hamas, en el artículo 7 que reza: "Hay un judío detrás de mí, ¡ven y mátalo!". El hijo de uno de los fundadores de Hamas también ha comentado sobre la verdadera naturaleza de Hamas. No se le puede permitir a Hamas que deje caer cohetes en ciudades israelís, ni se le puede permitir que tenga a su propia gente como rehén. Los hospitales son para sanar, no para esconder armas. Las escuelas son para aprender, no para lanzar misiles. Los niños son nuestra esperanza, no nuestros escudos humanos. Nos unimos en apoyo a los valores democráticos que todos amamos y con la esperanza de que el poder curativo y transformador de las artes pueda usarse para construir puentes de paz.
En el contexto de animación estadounidense, las películas de Hayao Miyazaki parecen casi impenetrables. Con la ausencia de una etiqueta que las haga exclusivamente para niños y su evasión a tener cualquier carga de la cultura pop actual, las películas de Miyazaki, en cambio, se permiten explorar las ilimitadas posibilidades creativas del cine de animación. Y hay pocas imaginaciones como la de Miyazaki.
Eso es lo que hace que su retiro, con la emotiva The Wind Rises, sea mucho más que una pérdida. Es difícil no estar agradecido por las hermosas películas que el director de 73 años de edad ha hecho, pero su ausencia ,sin duda, deja un enorme agujero en el cine que ningún otro realizador puede llenar.
Así que aquí hay un poco de la escuela de cine (para los fans y los cineastas por igual) del hombre que nos ha hecho soñar con gigantes, espíritus, princesas y más.
Trabaja para una cultura más rica, no para una distraída
[Miyazaki es ] un gran crítico de nuestra dependencia a la “realidad virtual” – a los videojuegos, la televisión y la animación, también-. El cineasta se queja de qué tanto en nuestra cultura es "ligero, de poca profundidad y falso." Él también es un ambientalista, de una variedad un tanto oscura y apocalíptica. Alguna vez dijo, no del todo en broma, esperar con interés el momento en que Tokio se sumerga en el océano y la torre NTV se convierta en una isla, es decir, cuando la población humana caiga en picada y no haya más rascacielos.
El ambientalismo de Miyazaki es, sin duda, un tema evidente en su cine, tal vez aparezca más contundentemente en La princesa Mononoke. Pero su interpretación de la naturaleza como un encantador ser vivo, al que mas vale cuidar ,proviene de un interés en ir más allá de las distracciones de la cultura popular y centrarse en las cosas que nos hacen humanos.
Esto, quizás, es lo que más separa la opinión de Miyazaki de la animación de Hollywood: Miyazaki ve la animación no como un medio para la distracción juvenil, sino como un medio para permitir a la imaginación florecer de tal manera que encontramos algo real en ella. La animación y la fantasía no son una oportunidad para distraerse de nuestro entorno, sino para crear nuevas y más íntimas posibilidades de comprensión de la realidad.
Deja que las imágenes guíen el ritmo
Este momento de Mi vecino Totoro, como el entrevistador de la BBC observa, es poco frecuente, no sólo en la animación, y no sólo en el entretenimiento de los niños, en el cine en general. Rara vez el ritmo de una película se frena para considerar el acto de la espera y la belleza de las gotas de lluvia. El testimonio de Miyazaki en esta escena muestra que, incluso en la animación, hay un flujo de acontecimientos que uno puede elegir aceptar en lugar de simplemente construir. Todo lo que uno necesita es un poco de paciencia y capacidad de observar.
Deja que la política de tu negocio coincida con la política de tus películas
Miyazaki es una feminista, en realidad. Él tiene esta convicción de que para tener éxito, las empresas tienen que hacer posible que sus empleadas también tengan éxito. Esta actitud se puede observar en la Princesa Mononoke. Todos los personajes que trabajan los fuelles en las obras de hierro son mujeres. Luego está Porco Rosso. El avión de Porco es reconstruido en su totalidad por mujeres.
En una característica especial del DVD Spirited Away, Toshio Suzuki discute la filosofía empresarial de Miyazaki en el Studio Ghibli, y las cualidades notablemente feministas en las que está imbuida la empresa. Hollywood recientemente ha explorado las posibilidades de películas animadas centradas mujeres, que no sean precisamente la clásica historia de la princesa de Disney, mientras que Miyazaki ha hecho una carrera empoderando los personajes femeninos en el centro de muchas de sus películas. Es vital que las políticas de gobierno que hacen una película sean consistentes con lo que aparece en la película en sí -son inseparables-. O deberían serlo.
Conozca sus límites y abrace el trabajo en equipo
"...A esta edad, no puedo hacer el trabajo que antes. Si mi personal me puede aliviar y puedo concentrarme en dirigir, todavía hay una serie de películas que me gustaría hacer". -Miyazaki
Miyazaki amenazó –antes de su retiro- con su jubilación varias veces, ya que el arduo proceso de hacer cine de animación no se acomoda al envejecimiento. Lo que ha impulsado a Miyazaki hasta aquí, se debe en parte a su equipo y el apoyo de una familia de cineastas dispuestos a colaborar hasta obtener una visión compartida. Es importante reconocer, como lo hace el propio Miyazaki, que sus películas no son únicamente sus películas. Ese logo Studio Ghibli es quizá más instructivo sobre lo que sucede en una película de Miyazaki que el propio nombre de Miyazaki.
Sepa cómo balancear los viejos y nuevos medios
"...Es muy importante para mí conservar la relación correcta entre el trabajo manual y el ordenador. He aprendido ese equilibrio ahora, cómo utiliza ambos y aún así ser capaz de llamar mis películas 2D."
Aunque Miyazaki deliberadamente cree que el dibujo a mano en papel es el aspecto fundamental de la animación como una forma de arte, él ha adoptado de manera gradual y selectivamente a su diseño de películas, las oportunidades que las nuevas tecnologías permiten, al tiempo que mantiene un cuidadoso equilibrio que preserva la integridad de su proceso de dibujado a mano. Nuevas tecnologías para el cine no deberían ser aceptadas específicamente porque son nuevas, sino que se debe explorar con cautela su utilidad en términos de mantener un esfuerzo sincero en las películas que uno trata de hacer .
No subestime a la infancia; No sobreestime a los adultos
Mientras que las audiencias jóvenes y mayores pueden apreciar las películas de Miyazaki, muchas de sus obras pueden introducirnos en posibilidades imaginativas normalmente silenciadas por nuestro desarrollo de un pensamiento maduro racional. La princesa Mononoke presenta un elaborado mundo de demonios, espíritus del bosque, caminantes nocturnos y guardianes sobrenaturales y no proporciona una exposición sobre las reglas de este mundo -Miyazaki simplemente espera que el espectador acepte las inmensas posibilidades como son y deja que el desarrollo de la historia enseñe cómo es el mundo donde se desarrolla-. Esto revela un radicalmente confiado sentido de la imaginación, uno que está asegurado en la visión, pero que también, otorga increíble confianza y fe en la audiencia. Y, a veces, los niños son espectadores más abiertos de lo que los adultos pudieran tener la esperanza de ser.
Lo que hemos aprendido
Al comienzo de la entrevista vinculado en video anteriormente, un reportero de la BBC pide a Miyazaki que diga lo que piensa del título "Disney japonés", a lo que Miyazaki responde que a él no le gusta para nada. Él es un director, no un productor. A pesar de que Miyazaki ha tenido y seguirá teniendo un papel fundamental en el Studio Ghibli es, ante todo, un cineasta, no un hombre de negocios o el topógrafo de propiedades potenciales. Disney, se puede argumentar, invirtió más en las distracciones que las películas de Miyazaki intentan sobrepasar.
Mientras Miyazaki hace películas que son accesibles a los niños, él se niega a hacer películas que sean sobre la imaginación infantil. En su lugar, va más allá de las limitaciones y las convenciones del actual y racional mundo adulto, explorando la gama de posibilidades que están lejos de los supuestos cegadores que indican lo que pueden, deben, o no, ser las películas de animación. Todos deberíamos ser tan afortunados como para tener un punto de referencia de las posibilidades del cine como el de Miyazaki.
El realizador japonés, Hayao Miyazaki (El increíble castillo vagabundo, 2004; Se levanta el viento, 2013), recibió el Oscar honorífico, por parte de la Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas de Hollywood en una ceremonia realizada el sábado 8 de noviembre, debido a sus contribuciones artísticas en la industria del cine.
Miyazaki, de 73 años de edad, es el segundo realizador japonés en recibir un Oscar honorífico, después de que la trayectoria de Akira Kurosawa fuera reconocida en 1990. También, es la segunda estatuilla dorada que obtiene Miyazaki en su carrera; en 2003 ganó el Oscar en la categoría de Mejor Película de Animación por El viaje de Chihiro(2001).
El evento, donde fue recibido con una ovación de pie, significó la primera vez que Miyazaki asiste a una ceremonia de premios Oscar.
John Lasseter, director creativo de Walt Disney y Pixar Animation Studios, presentó el Oscar a Miyazaki. En su discurso en honor al director japonés, el creador de Toy Story se refirió a Walt Disney y Hayao Miyazaki como los dos principales contribuyentes al cine de la animación:
Hayao Miyazaki ya es, para siempre, una de las grandes influencias del cine de animación, inspirando a generaciones de artistas a trabajar en nuestro medio iluminando su potencial ilimitado. En la variedad y la calidad del cuerpo de su obra, nunca habrá otro para rivalizar con él.
Después de recibir el premio, Miyazaki, con una tímida sonrisa, manifestó:
Mi esposa me ha dicho que yo soy un hombre muy afortunado.
El artista japonés señaló que los años pacíficos de la posguerra en Japón le dieron un ambiente de tranquilidad para crear sus obras maestras de la animación.
Nuestro país no ha peleado en una guerra durante los últimos cincuenta años (mientras yo estaba trabajando). Esto nos permitió trabajar más duro […]. Tuve mucha suerte de ver la última vez en que se hacían filmes de animación con papel, lápiz y rollos de película.
En una entrevista con el diario Los Angeles Times, Miyazaki mencionó que actualmente trabaja en varios proyectos; el diseño de un área lúdica y de juegos para los niños en Fukushima, sitio donde se originó una crisis nuclear en 2011, así como la escritura y realización de un manga sobre un samurai del siglo XVI. Aunque hace algunos meses, Miyazaki anunció su retiro del cine, en otra entrevista, con The Associated Press, Miyazaki declaró su intención de seguir trabajando, no en la dirección de largometrajes, pero sí en cortos animados que puedan ser presentados y exhibidos en el Museo del Estudio Ghibli: “Seguiré trabajando en el área de animación hasta que me muera”, concluyó el director.
En esta gala íntima, celebrada en la sala Ray Dolby del Hollywood & Highland Center, también recibieron el Óscar honorífico el actor y activista HarryBelafonte, el guionista francés Jean-Claude Carrière y la actriz irlandesa Maureen O'Hara. “Estos premios nos permiten reflexionar no sobre las películas de este año, sino sobre los logros de una vida entera”, aseguró Cheryl Boone Isaacs, presidenta de la Academia.
