15.4.15

Diego Luna protagonista del piloto ‘Casanova’, producción de Amazon

La historia se centra no precisamente en Casanova el mujeriego, sino en la figura histórica, en su papel como espía  a favor del gobierno parisino. El piloto comienza después de que Giacomo escapa de la cárcel de Venecia y - ENFILME.COM

Diego Luna será Giacomo Casanova, el playboy del siglo 18, en el piloto de la serie —de titulo tentativo— Casanova, de Amazon Studios. El proyecto está actualmente en fase de producción en Europa, y estará dirigido por el cineasta francés Jean Pierre Jeunet (Amelie, 2001).

La historia se centra no precisamente en Casanova el mujeriego, sino en la figura histórica, en su papel como espía  a favor del gobierno parisino. El piloto comienza después de que Giacomo escapa de la cárcel de Venecia y se traslada a París para iniciar una nueva etapa.
Bojana NovakovicMiranda RichardsonBen Daniels y Amelia Clarkson, completan el reparto.

La producción y el guión correrán a cargo de Stu Zicherman (The Americans, 2014). Amazon aún no ha anunciado la fecha de estreno para el proyecto, pero es probable que se estrene como parte de su siguiente temporada de pilotos.


Bodas famosas entre celebridades

La realidad supera a la ficción - ENFILME.COM

La realidad siempre supera a la ficción y en el mundo del cine sus protagonistas suelen llevar al plano personal los tórridos romances que suelen representar para la pantalla.
A continuación compartimos imágenes de los matrimonios entre celebridades más famosos. Algunos fueron fugaces, otros han sido más duraderos o continúan unidos, y otros han estado envueltos en grandes escándalos. Siempre bajo el ojo de los medios de comunicación y los espectadores:
María Félix y Agustín Lara (1945-1947). La canción María bonita fue escrita como regalo de bodas.

María Félix y Jorge Negrete (1953-1954). Según la actriz, el actor cayó rendido a sus pies.

Grace Kelly y el príncipe Raniero (1956-1982). Una de las actrices favoritas de Hitchcock. Con su boda dio fin a su carrera como actriz. 

Elizabeth Taylor y Richard Burton (1964-1974). Esta bella actriz es adicta a las bodas, contrajo matrimonio 7 veces. Richard Burton fue su cuarto esposo. 

Melanie Griffith y Don Johnson (1976). Ella tenía 14 años cuando inció su noviazgo con el actor y su matrimonio sólo duró 4 meses. Se volvieron a casar en 1988 para divorciarce en 1994. Son padres de la ahora famosa actriz de 50 sombras de Grey Dakota Johnson 

Melanie Griffith y Antonio Banderas (1996-2014). El año pasado a través de un comunicado de prensa anunciaron el fin se su matrimonio de forma cordial y amorosa.

Woody Allen y Mia Farrow (1982-1992). Cómo olvidar el gran escándalo del término de esta relación, si el gran director sostenía relaciones, para después casarse con su hija adptiva Soon Yi.

Demi Moore y Bruce Willis (1987-1998). 

Demi Moore y Ashton Kutcher (2005-2013). Esta guapa actriz puso de moda los términos MILF y Cougar.

Tom Cruise y Nicole Kidman (1990-2001). Este actor no puede estar solo, cuando no está casado tiene una relación fugaz. Previo a este matrimonio estuvo casado con la actriz Mimi Rogers. Los rumores dicen que sus relaciones son una pantalla para encubrir su homosexualidad. O que están arreglados por la iglesia de la cienciología.

Tom Cruise y Katie Holmes (2006-2012). El actor hizo un show en el programa  The Oprah Winfrey Show para proponerle matrimonio a la actriz. En su momento fue un gran oso social.

Richard Gere y Cindy Crawford (1991-1995)

Kim Basinger y Alec Baldwin (1993-2002).

fuente: www.enfilme.com

Villa del Cine inicia dos nuevos talleres en abril

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La Fundación Villa del Cine, adscrita al Ministerio del Poder Popular para la Comunicación y la Información, anunció la realización de dos nuevos talleres para la formación de realizadores, los cuales se llevarán a cabo durante el mes de abril y forman parte de su programación permamente de capacitación de recurso humano para el sector cinematográfico.
El taller Estructura Dramática estará a cargo de César Eduardo Rojas y tendrá lugar los días martes, desde el 7 de abril hasta el 23 de junio, en la sede de la Villa del Cine, en Guarenas.
Asimismo, el taller Fundamentos de la narrativa visual de los storyboards será dictado por Nestor Antonio Zambrano, los días lunes 6 y viernes 10 de abril, también en la sede de la Fundación.
Para mayor información sobre convocatorias, inscripciones y futuros eventos de formación, los interesados pueden escribir a capacitacion.villacine@gmail.com

fuente: www.villadelcine.gob.ve

Video: ¿Cuál fue la primera película que te hizo llorar?

Cineastas y actores hablaron sobre la primera película que los hizo llorar. - ENFILME.COM

En el más reciente episodio de  Academy Originals, los cineastas y actores de Hollywood hablaron sobre la primera película que los hizo llorar. Evidentemente las respuestas varían. Por ejemplo, el director Brian Percival eligió Casablanca; el veterano compositor, Richard Sherman, respondió que City Lights de Charles Chaplin; el artista británico, Steve McQueen, señaló aNight of the Hunter como la responsable de hacerlo derramar lágrimas; para Daniel Radcliffe fue La vita è bella; tanto Paul Dano y Ralph Fiennes optaron por Bambi. 
A continuación puedes ver todas las respuestas de los actores y directores de Hollywood:



14.4.15

Nuevo trailer de Ant-Man: humor y acción para el verano

El ensfásis en el humor más el diseño de producción, y la premisa se unen para crear algo que promete ser único y entretenido.  - ENFILME.COM

Marvel lanzó el nuevo trailer de Ant-ManPaul Rudd es Scott Lang, un ladrón que trabaja con el brillante inventor Hank Pym (Michael Douglas) para impedir un atraco que salvará al mundo. El trailer nos introduce más en la trama y los poderes del superhéroe. El ensfásis en el humor más el diseño de producción, y la premisa se unen para crear algo que promete ser único y entretenido.
Mira el trailer aquí:


Cómo conseguir trabajo en el área de animación de Walt Disney Studios

14 consejos para involucrarte en el área de animación de Walt Disney Animation Studios y Walt Disney Television Animation. - ENFILME.COM

En el marco de la WonderCon 2015, celebrada del 3 al 5 de abril en Anaheim, California, Sheila Roberts, colaboradora de la publicación estadounidense,Collider, cubrió los paneles donde participaban productores, ejecutivos, artistas, diseñadores y animadores de Walt Disney Animation Studios yWalt Disney Television Animation. Entre ellos se encontraban Camille Eden (Gerente de Reclutamiento), Matt Roberts (Reclutador Artístico) yBrooke Keesling (Directora de Desarrollo de Talentos), quienes compartieron sus experiencias respecto a los diferentes roles creativos que participan en la elaboración de las películas de animación de Disney. Los panelistas hablaron sobre la forma de trabajar en una empresa como Disney, el proceso de desarrollo de los proyectos, el rápido ritmo de trabajo, la importancia de las colaboraciones, el divertido ambiente de trabajo, la combinación del arte y la tecnología, así como el por qué solicitan empleados con un fuerte conocimiento y sentido de la estética y la narración. También abordaron el tema de las oportunidades de los programas de formación para jóvenes egresados y las prácticas profesionales para los estudiantes.
A partir de lo anterior, Sheila Roberts propone una lista con 14 elementos que cualquier aspirante debe tomar en cuenta si desea realizar una carrera en el terreno de la animación en Walt Disney Studios:


1.- Disney Television Animation es un entorno de ritmo rápido y normalmente tiene alrededor de 12 series en diversas etapas de producción. Los aspirantes deben ser creadores intensos, con una amplia cantidad de propuestas, y con buen sentido del humor. Cada vez que un proyecto es aprobado, los jóvenes son los encargados de realizar los pilotos, para que sus superiores deciden cuáles tendrán luz verde
2.- En Disney Television Animation, los creadores de las ideas originales están en el timón para llevar su visión a una posible materialización y supervisar el desarrollo del proyecto, pero no son necesariamente los directores de sus propias series de animaciónn. Debido a que hay muchos programas y series que se desarrollan al mismo tiempo, el creador del programa, supervisa todo eso, pero trabajando con diferentes directores, muchos de ellos con más experiencia.


3.- Walt Disney Animation Studios se concentra por más tiempo en un solo proyecto. Hacen una película al año. Actualmente están trabajando en el filme número 55 del popular estudio de animación. También tienen un programa de cortometrajes y proyectos especiales. Su contenido es de cosecha propia y sus escritores son parte del estudio. Para proponer e impulsar un nuevo proyecto se necesita contar con el status de director o consejero dentro de la empresa.
4.- Walt Disney Animation Studios tiene tres normas importantes: narrar historias convincentes, crear mundos creíbles y elaborar personajes atractivos. Todo comienza y termina con la historia.
5.- El proceso de filmación se divide en 14 departamentos en tres grandes áreas: desarrollo, producción de elementos, y la producción de la filmación. Es una estructura vertical, todo se trabaja y produce al interior de la empresa. Es un ambiente muy colaborativo y sus departamentos trabajan juntos constantemente durante todo el proceso.


6.- En Disney Animation, el arte y la tecnología se combinan y trabajan juntos. El estudio cuenta con especialistas en tecnología que trabajan para todos y cada uno de los departamentos.
7.- Walt Disney Animation Studios cuenta con un equipo de artistas visuales, mientras que Disney Television Animation busca funciones muy específicas, como el director de arte, diseñador de fondo, pintor de fondo y estilista de color.


8.- Los artistas que desarrollan las historias de Walt Disney Animation Studio deben estar acostumbrados a las constantes repeticiones de una gran cantidad de los mismos planos y escenas una y otra vez a medida que avanza la película.
9.- Disney no tiende a contratar muchos escritores para los programas y series de televisión, porque la mayoría de sus espectáculos son conducidos por las propuestas de storyboard de los artistas visuales.
10.- Trabajar en Disney Animation es divertido, de ritmo rápido, y los artistas se llevan muy bien y se alimentan de las interacciones y juegos creativos que propone la empresa. Tienes la oportunidad de trabajar con tus compañeros y aprender de los demás. Todo el mundo está ahí para hacer la mejor película posible.


11.- Para todo aquel que aspira a entrar a Disney Animation, su carta de presentación debe revelar su capacidad para contar una historia (ya sea en cine, novela gráfica, cómic, o algún otro soporte visual en el que hayas trabajado). El estudio busca perfiles que tengan una amplia variedad de estilos, jóvenes creativos y no sólo aquellos que retoman estilos ajenos para copiarlos.
12.- Una de las áreas con más solicitudes en Disney Television Animation es la de artista gráfico, ya que gran parte de los proyectos se basan en los storyboards de los proyectos.
13.- Walt Disney Animation Studios tiene un programa de capacitación para jóvenes egresados y estudiantes. Estas prácticas ocurren dos veces al año. Las disciplinas varían en función de las necesidades de los estudios. Es una tutoría de 3 a 12 meses de duración uno de los artistas que trabaja en Disney.
14.- En un gran estudio como Disney, los interesados tienden a ser contratados por una razón específica. Es ampliamente recomendable tener una especialidad; por ejemplo, además de que evalúan las capacidades para elaborar una historia, también les interesa la capacidad que tiene el aspirante en el diseño de los personajes. Disney busca versatilidad.


El cine infantil venezolano recorre diversos festivales y muestras internacionales

Cine infantil venezolano

Los cortometrajes venezolanos “Jorge y el haitón” y “El león y la zorra”, realizados por niñas y niños, participarán en la tercera edición de la Mostra Internacional de Cinema Educatiu (MICE), que se celebrará en Valencia, España, del 27 al 29 de marzo.
En este evento también se exhibirá la obra “Chirino, en décimas animadas”, de Jean Charles L’ami y se dedicará un espacio para la Muestra Audiovisual Latinoamericana y del Caribe para Niñas y Niños “Luces del Alba””, que se realiza anualmente en el estado Falcón.
La Mostra Internacional de Cinema Educatiu (MICE), organizada por la asociación cultural Jordi el Mussol, contará con la asistencia de profesionales en el área audiovisual de todos los rincones del mundo y realizará mesas redondas y ponencias donde creadores y directores de festivales infantiles, especialistas del mundo universitario y representantes de ministerios y embajadas discutirán sobre la relación entre la educación y los audiovisuales.
De igual forma, los cortometrajes “Jorge y el haitón” y “El león y la zorra” también están participando en el II International Youth Film Festival – Plasencia Encorto, que se celebra del 19 al 22 de marzo en la ciudad de Plasencia, España.
Asimismo, el III Festival de Cine para Niños La Espiral, celebrado en La Habana, Cuba, del 14 al 21 de marzo cuenta con una nutrida participación del cine infantil nacional. Venezuela participa con los filmes de animación: “María, mi abuela”, “Gracias mamá”, “El lobito perdido”, “La familia unida”, “Cuidar es querer”, “El dragón de agua”, “Un verdadero héroe”, “El cazador de pájaros”, “La amistad y el perdón” y “La batalla de los magos”. El cortometraje “La gran atrapada” participa en el renglón de ficción.
Cabe destacar que las obras arriba mencionadas fueron realizadas por niñas y niños falconianos, durante la celebración de la 3ª Muestra “Luces del Alba”, realizada en Coro, estado Falcón, en octubre de 2014.
“Luces del Alba”, nace en el año 2011 como una iniciativa regional a favor de promover la calidad de los contenidos audiovisuales para la niñez y adolescencia en Latinoamérica y el Caribe, desarrollándose anualmente en el estado Falcón, bajo la dirección de Norma Courlaender.
Construyendo el imaginario
El Sistema Nacional de Festivales y Muestras de Cine en Venezuela (SNFMCV), creado por el Centro Nacional Autónomo de Cinematografía (CNAC), agrupa 53 eventos, en los que se destaca, valora y forma el cine venezolano, logrando espacios para el disfrute y construcción del imaginario nacional.
En este Sistema se encuentran 9 festivales y muestras que se dedican, total o parcialmente, a la exhibición, formación y disfrute del cine infantil hecho por niños y para niños, motivando la creatividad y el uso del audiovisual para los procesos de aprendizaje, logrando impulsar, fomentar y promover la cultura cinematográfica de manera planificada y continua

fuente: www.cnac.gob.ve

Video: Bailes reciclados en los filmes de Disney

Escenas de baile y movimientos que se reciclan en los filmes animados de Disney. - ENFILME.COM

El siguiente video –realizado por Tommynka, un usuario de YouTube– es una recopilación de varias escenas de baile pertenecientes a los filmes animados deDisney. La peculiaridad radica en evidenciar la manera en que se reciclan varios de los bailes que ejecutan los personajes.

Por citar algunos ejemplos, Blanca Nieves (protagonista de Snow White and the Seven Dwarfs, 1937) y Marian (la enamorada de Robin Hood, 1973) realizan desplazamientos similares y la postura de las manos es idéntica. Baloo, el simpático y juguetón oso de El libro de la selva (1967), baila con la misma energía que Little John, el fiel compañero de aventuras de Robin Hood





fuente; www.enfilme.com

7.4.15

11 grandes películas contemporáneas en formato 4:3

11 filmes contemporáneos que exploran el formato 4:3. - ENFILME.COM

Con Jauja (Argentina-Dinamarca-Francia-México, 2014), el argentinoLisandro Alonso es de los más recientes directores en utilizar la relación de aspecto 4:3 con la intención de resucitar su uso. El 133 de ancho por 100 de alto es el formato más antiguo, y muy utilizado durante los comienzos del cine. Es conocido como el formato académico, debido a que está inspirado en criterios estéticos clásicos (el Partenón, por ejemplo, utiliza la misma composición) y en la visión natural del ojo humano (cuyos ángulos de visión son de 40º en horizontal y 30º en vertical, es decir, una relación de aspecto de 4 a 3 (igual a 1,33:1).


En sus inicios, el marco del celuloide de 35 mm era de cuatro perforaciones alta, creando una relación estándar de la industria de 4:3, o 1,33:1, a menudo abreviado a 1:33. Cuando el sonido sincronizado llegó en 1929, las dimensiones se expandieron ligeramente para permitir que se integrara la tira de la banda sonora, creando así una nueva relación de aspecto (1:37). El surgimiento de la televisión obligó a que las películas fueran realizadas para ser proyectadas en formatos más grandes; hacia la década de 1950 surgieron los formatos conocidos como Cinerama (2.59), Cinemascope (2.35) y VistaVision (1.85), y también experimentos en formatos de enormes dimensiones y sumamente caros como el de 65mm y 70mm. Hoy en día, la convención favorece una relación de aspecto de cine anamórfico 1.85 (el proceso de compresión de imagen de pantalla ancha en un formato de relación de aspecto más estrecho, como de 35mm). La televisión todavía se aferra a sus orígenes (4:3), con una tendencia creciente hacia el 16:9 (1.77). La historia completa es mucho más compleja que las generalidades mencionadas anteriormente, pero ello nos sirve para hacer una revisión rápida de los formatos
En los últimos años varios cineastas alrededor del mundo han mostrado su interés en explorar la relación de aspecto 4:3 en el cine contemporáneo. A continuación te presentamos un listado realizado por Leigh Singer –crítico, investigador y periodista, colaborador del British Film Institute– con las 10 grandes películas contemporáneas, además de Jauja, que han utilizado el formato académico –con observaciones incluidas por parte del autor–.

Elephant
Dir. Gus Van Sant (Estados Unidos, 2003)
Hay una razón práctica para el uso del 4:3; originalmente la películas fue comisionada por la cadena televisiva HBO. Van Sant y el director de fotografía, Harris Savides, quedaron estimulados visualmente por la apariencia visual del formato. La crónica de la masacre de Columbine le da seguimiento a diversos protagonistas recorriendo los pasillos de la escuela y los suburbios, el encuadre comprimido da una fuerte sensación de aislamiento y descontento a los adolescente.


Les amours d'Astrée et de Céladon
Dir. Eric Rohmer ( Francia, 2007)
El francés, Eric Rohmer, fue de los pocos cineastas que han mostrado una devoción constante al formato 4:3, desde sus inicios a principios de los sesenta hasta su última película realizada en 2007, El romance de Astrea y Celadón. El filme es una intrigante, incluso radical, manera de representar una fantasía que gira alrededor de dos jóvenes amantes ensimismados y confundidos, faltos de identidad. Conocido también por su habitual uso de la lente de 50mm –la lente más próxima al ojo humano–, Rohmer destacó por el uso de discretos planos medios, así como la iluminación natural; el uso del formato académico permite que el espectador permanezca como un observador cercana a las debilidades de los personajes.


Fish Tank
Dir. Andrea Arnold (Reino Unido, 2009)
Andrea Arnold relata las tensiones familiares de Mia, una adolescente frustrada y solitaria enfadada con su madre cuando se entera del nuevo noviazgo de esta última. La directora aprovecha el formato 4:3 como el marco perfecto para encapsular a una persona; Arnold nunca abandona a Mia, la acompaña en todo momento creando una intimidad seductora con la protagonista. Arnold y el director de fotografía, Robbie Ryan, eligieron el mismo encuadre visual para su siguiente colaboración, Cumbres borrascosas (2011).




Meek’s Cutoff
Dir. Kelly Reichardt (Estados Unidos, 2010)
Es tentador imaginar todos los westerns como epopeyas panorámicas de hombres enfrentados a la naturaleza desértica. En una estrategia inteligente, Kelly Reichardt opta por el formato académico para narrar la historia de una pequeña caravana de colonos de Oregon, dirigidos por un guía fanfarrón que podría llevarlos hacia el peligro. El formato 4: 3 pone al espectador en una posición similar a los viajeros cada vez más cautelosos: No se puede ver demasiado lejos en el paisaje restringido, resulta difícil ver más allá en un entorno árido invadido por el polvo y la tierra. Desde una perspectiva estética también hay un hermoso contraste entre el marco cuadrado y las líneas curvas de los vagones o de las figuras humanas, por lo que a menudo se utiliza para enmarcar los rostros de las actrices, aunque ocultando hábilmente las intenciones y emociones de los personajes


Tabu
Dir. Miguel Gomes (Portugal-Alemania-Francia, 2012)
Miguel Gomes recupera un tema similar tratado por F.W. Murnau en Tabu (1931): un triángulo amoroso en una región “exótica”. El realizador portugués también recurre a la misma estética que empleó el director alemán: la monocromía (blanco y negro) y el formato 4:3. Gomes, más allá de las referencias a Murnau, tiene sus propias ambiciones: la exploración de la memoria y la identidad de los seres humanos y del cine


Laurence Anyways
Dir. Xavier Dolan (Canadá-Francia, 2012)
El joven realizador canadiense, Xavier Dolan, opta por el formato académico para relatar las preocupaciones de un hombre decidido a cambiarse de sexo. Exuberante en sus colores y un tanto exhibicionista en el registro emocional de sus personajes, el formato apenas es suficiente para contener la extravagancia de Dolan. Laurence Anyways es el preludio del diseño visual radical que Dolan emplea en su más reciente filme, Mommy (2014): una relación de aspecto de 1:1.


No
Dir. Pablo Larraín (Chile-Francia, 2012)
El filme es sobre el referéndum de 1988, en Chile, que terminó con la dictadura del general Augusto Pinochet, y que se caracterizó por una revolucionaria campaña de publicidad en televisión. Pablo Larraín recurre inteligentemente al 4:3 para recrear una estética televisiva de las imágenes que le interesa mostrar. Su efecto cinematográfico consiste en una integración casi perfecta de documental de archivo (que comprende alrededor del 30% de la película terminada) y el drama de ficción, una consistencia que, de alguna manera, hace que los dos conjuntos de imágenes se funden en un atractivo híbrido docudrama


Post Tenebras Lux
Dir. Carlos Reygadas (México-Holanda-Francia, 2012)
El realizador mexicano, Carlos Reygadas, filtra sus visiones alusivas a través de una lente biselada hecha a la medida: claro y fuerte en el centro del marco; borrosa y fracturada hacia los bordes. Esta distorsión hace eco de la disonancia que sienten sus protagonistas adultos y, a pesar de su sorprendente punto de vista deformado, la elección del 4:3, irónicamente, ayuda a orientar al público –para el ojo humano es mucho más sencillo navegar en un ambiente deformado mientras éste es más cuadrado en lugar de ser un rectángulo alargado– permitiendo ver la extrañeza de la imaginería del director.



Ida
Dir. Pawel Pawlikowski (Polonia-Dinamarca, 2013)
“Realmente estoy aburrido con el cine y sus trucos –primeros planos, cámara en mano, la música que subraya todas las cosas–. Todo eso no funciona en mí nunca más. Así que pensé, de acuerdo, hagamos una película que sea más cercana a la fotografía”, le confesó el director, Pawel Pawlikowski, a Leigh Singer. Para conseguirlo, el cineasta polaco empleó el blanco y negro, y el formato 4:3. Los encuadres son ideales para observar a las dos mujeres protagonistas de la historia; Pawlikowski adoptó instintivamente un encuadre inclinado en marcha, a menudo dejando a sus personajes “amarrados” o incluso “abandonándolos” en el primer tercio inferior, otorgándole una sensación de misterio, vacío y búsqueda espiritual a los dos tercios restantes.


The Grand Budapest Hotel
Dir. Wes Anderson (Estados Unidos, 2014)
Si bien muchas de las películas de Wes Anderson tienen un ambiente atemporal, su estancia en el Hotel Budapest marca su primera pieza de época. Como formalista consumado, es de esperarse que Anderson señale las tres épocas distintas empleando los formatos de pantalla característicos de cada uno de los periodos: 1.85:1 para el escenario moderno, 2.35:1 (el formato que más veces ha empleado Anderson en sus películas) para los sucesos que ocurren alrededor de 1960, y el 1.37:1 (o 4:3) para enmarcar la mayor parte de la historia ambientada en 1932.



fuente: www.enfilme.com



Ben Stiller y Capital Punishment, su banda punk de los 80, reeditarán disco

Antes de dedicarse a la actuación, el sueño de Ben Stiller era ser una estrella de punk. En la década de los 80 tocaba la batería en una banda llamada Capital Punishment, grabaron un único álbum titulado Roadkill, - ENFILME.COM

Antes de dedicarse a la actuación, el sueño de Ben Stiller era ser una estrella de punk. En la década de los 80 tocaba la batería en una banda llamada Capital Punishment, grabaron un único álbum titulado Roadkill, bajo el sello de Captured Tracks. 30 años después, aquel disco, redescubierto recientemente por la compañía discográfica, tendrá un relanzamiento oficial.
El grupo conformado por Peter Swann (ahora juez de la Corte Suprema de Arizona), Peter Zusi (actualmente profesor de Lenguas Eslavos), y Kriss Roebling, además de Stiller, espera reunirse de nuevo. De acuerdo al protagonista de La vida secreta de Walter Mitty (2013), la banda se vio influenciado por la música de Cabaret Voltaire, Throbbing Gristle, y  David Bowie, en particular el disco Scary Monsters (and Super Creeps).
No se sabe aún la fecha de lanzamiento de Roadkill. Por lo pronto les compartimos un audio de 1982, del tema ‘Confusion’ de Capital Punishment, seguido de una entrevista a Stiller en el que habla de manera extensa sobre la banda y su próxima confluencia.


fuente: www.enfilme.com

Video: Heath Ledger, sobre el papel de un actor, en una entrevista inédita y animad


En 2005, el actor le concedió una entrevista a la periodista Christine Spines, justo después del rodaje de Brokeback Mountain de Ang Lee. Una plática que nunca se publicó, pero que fue recuperada en una entrevista animada por l - ENFILME.COM


Fue hace siete años que Heat Ledger (1979-2008) murió de manera trágica. Tres años atrás, en 2005, el actor le concedió una entrevista a la periodistaChristine Spines, justo después del rodaje de Brokeback Mountain de Ang Lee. Una plática que nunca se publicó, pero que fue recuperada en una entrevista animada por la cadena de televisión pública de Estados Unidos (PBS), para su serie Blank on Blank.
En la entrevista Ledger habla sobre el papel de un actor, de su amor porMichelle Williams:
Mi carácter nervioso suele ser la forma más fácil de obtener energía para entrar en personaje. Es un patrón para mí, tomar cualquier tipo de trabajo que conlleve cierto nivel de ansiedad y duda, dudas de ti mismo, miedos hacia mis incapacidades y no poder. Tienes que estar dispuesto a ser manipulado en primer lugar, porque usted puede reconocer que en su director y luego luchar contra ella porque no confías en ellos, pero yo no voy a dejar que me manipulen. O bien, crees que están en lo cierto y que están manipulando algo de ti que es interesante y nuevo.
De su relación con Williams, madre de su hija Matilda Ledger, aseguró que fue la época más dulce:
Fue realmente hermoso. Sí, fue muy romántico. De repente nos vimos en una situación muy cercana de esposo-esposa. Nuestra cama, honestamente, no era más grande que una pequeña mesa redonda. Mis piernas colgaban de la cama, pero al final valió la pena. Y era cómoda, de alguna manera. Era dulce. Fue muy, muy dulce. Me podría haber quedado así durante años. Fue muy, muy, muy dulce.
Aquí pueden ver el video:


Fuente: www.enfilme.com

6.4.15

Cannes 2015: 30 películas que podrían estar en el festival, según The Guardian

¿Qué títulos podrían exhibirse en Cannes 2015? - ENFILME.COM

La semana pasada, se anunció que Mad Max: Fury Road tendrá su estreno en la 68ª edición del Festival Internacional de Cine de Cannes; el filme dirigido por George Miller y protagonizado por Tom Hardy y Charlize Theron se presentará en el certamen francés fuera de competencia y un día antes de su lanzamiento mundial.
¿Qué otros títulos podrían esperarse en Cannes 2015? Después de revisar aquellos proyectos que han sido filmados en su totalidad y que se encuentran en la última fase de postproducción, el diario británico, The Guardian, presenta una lista con 30 filmes que podrían exhibirse del 13 al 24 de mayo en el festival de mayor prestigio. 
[Nota: la siguiente lista incluye 29 títulos; el otro filme es el mencionado al principio del texto, Mad Max: Fury Road]. 
 
Carol, Dir. Todd Haynes
Con Cate Blanchett y Rooney Mara.
La relación de dos mujeres muy diferentes en la década de 1950 en Nueva York. Una joven de 20 años, Teresa (Mara), trabaja en una tienda y sueña con una vida más plena cuando conoce a Carol (Blanchett), una seductora mujer atrapada en un matrimonio adinerado, pero sin amor.

The Childhood of a Leader, Dir. Brady Corbet
Con Robert Pattinson, Stacy Martin y Bérénice Bejo.
Es el debut como director del actor estadounidense Brady Corbet. El filme se basa en un cuento de Jean-Paul Sartre; ambientado en París, es una mirada a la vida de la infancia de un líder de la Primera Guerra Mundial.

Dheepan, Dir. Jacques Audiard
Con Vincent Rottiers y Marc Zinga.
También titulado Erran, es la historia de un guerrero Tamil de Sri Lanka que huye a Francia y termina trabajando como vigilante a las afueras de París.

The Early Years / La giovinezza, Dir. Paolo Sorrentino
Con Michael Caine, Harvey Keitel, Paul Dano y Rachel Weisz.
El filme se centra en Fred y Mick, ambos cerca a los 80 años –uno de ellos es un compositor retirado; el otro, director de cine,– que están vacacionando juntos en un elegante hotel en cerca de los Alpes. Sintiendo que el tiempo que les queda de vida puede avanzar muy rápido, deciden enfrentar juntos el futuro apoyando las confusas situaciones de sus respectivos hijos e interesándose en las vidas de los otros huéspedes del hotel. Mick está luchando para terminar lo que él se imagina será su última película importante, aunque Fred ha renunciado a su carrera musical desde hace tiempo. Pero hay alguien que quiere, a toda costa, escuchar de nuevo sus composiciones.

Elle, Dir. Paul Verhoeven
Con Isabelle Huppert y Anne Consigny.
Escrito por David Birke, el guión es una adaptación de la novela Oh... de Philippe Djian. La sinopsis del libro habla de “un mes en el que los hombres se hartan, se matan, se violan, se emparejan, reconocen a hijos que no son los suyos, se escapan, gimen, mueren... Treinta días de una vida sin descanso, en donde los recuerdos, el sexo y la muerte se cortocircuitan en todo momento".

Flashmob, Dir. Michael Haneke
Haneke busca explorar la frágil, ilusoria y caótica relación entre los medios y la realidad. El filme se centra en un grupo de personas que se conectan entre sí a través de Internet, las cuales deciden reunirse para organizar un evento muy especial con fatídicas consecuencias.

High Rise, Dir. Ben Wheatley
Con Tom Hiddleston, Sienna Miller, Jeremy Irons y Luke Evans.
Versión cinematográfica de High Rise, una novela que J.G. Ballard publicó a mediados de los setenta. La historia narra la llegada del doctor Robert Laing a la Torre Elysium, un enorme rascacielos dentro del cual se desarrolla todo un mundo aparte, en el cual parece existir la sociedad ideal. Pero secretamente, el recién llegado se sentirá perturbado ante la posibilidad de que este orden utópico no sea tal. Sospechas que rápidamente serán corroboradas de la forma más siniestra.

Inside Out, Dir. Pete Docter
Pixar debería estar haciendo un regreso triunfal con esta fascinante y extraña animación sobre las emociones en la cabeza de una chica que interactúan entre sí.

Irrational Man, Dir. Woody Allen
Con Joaquin Phoenix y Emma Stone.
En un campus universitario, un profesor de filosofía en plena crisis existencial, le da un nuevo propósito a su vida cuando se relaciona sentimentalmente con una de sus alumnas.

Jane Got A Gun, Dir. Gavin O’Connor
Con Natalie Portman, Ewan McGregor y Joel Edgerton
Una mujer le pide ayuda a su examante con la intención de salvar a su esposo de una banda que pretende matarlo.

The Last Face, Dir. Sean Penn
Con Charlize Theron, Javier Bardem y Adèle Exarchopoulos
Narra la historia de una doctora que lleva a cabo labores humanitarias en un país africano dominado por la violencia. Allí conoce a otro médico que está en la misma situación que ella.

The Little Prince, Dir. Mark Osborne
Adaptación de la novela homónima de Antoine de Saint-Exupery. Cuenta con las voces (en versión original) de Marion Cotillard, James Franco, Rachel McAdams, Jeff Bridges, Benicio Del Toro, Mackenzie Foy y Paul Giamatti.

The Lobster, Dir. Yorgos Lanthimos
Con Colin Farrell, Rachel Weisz, Léa Seydoux y Ben Whishaw.
En un distópico futuro cercano, las personas solteras están obligados a encontrar a su compañero de juego en 45 días o se transforman en animales y serán liberados en el bosque.

Louder than Bombs, Dir. Joachim Trier
Con Isabelle Huppert y Jesse Eisenberg.
Es el debut en lengua inglesa del realizador noruego, Joachim Trier. El filme narra la historia de una famosa fotógrafa de guerra.

Love, Dir. Gaspar Noé.
El director franco-argentino ha sido dos veces nominado para la Palma de Oro (por Irreversible y Enter the Void). Su nueva película, Amor, ha sido descrita como un melodrama sexual sobre un niño y una niña y otra chica.

Love in Khon Kaen, Dir. Apichatpong Weerasethakul
El director tailandéss ganó la Palma de Oro en 2010 por su historia de fantasmasUncle Boonmee recuerda sus vidas pasadas. Su nuevo filme cuenta la historia de un ama de casa sola cuidando a un soldado que sufre de la enfermedad del sueño.

Macbeth, Dir. Justin Kurzel
Con Michael Fassbender y Marion Cotillard.
Adecuada para la pantalla grande por Todd Louiso (Jerry Maguire, 1996) y Jacob Koskoff (Directo a la fama, 2009), el libreto de Macbeth presentará una versión moderna del clásico de Shakespeare, un relato de venganza y ambición donde, como en la tragedia original, se derramará sangre.

Midnight Special, Dir. Jeff Nichols
Con Michael Shannon, Joel Edgerton y Kirsten Dunst.
Un padre y su hijo de 8 años son perseguidos cuando el niño desarrolla poderes especiales.

Mia madre, Dir. Nanni Moretti
Con John Turturro y Margherita Buy.
El punto de vista es el de una mujer de unos cuarenta años, una directora de cine políticamente comprometido, que se está separando de Vittorio, actor, con el que tiene una hija adolescente, Livia. Su hermano, decide dejar el trabajo para dedicarse completamente a su madre, gravemente enferma en el hospital

Ricki and the Flash, Dir. Jonathan Demme
Con Meryl Streep.
Para alcanzar su sueño de convertirse en una estrella de rock, Ricki abandonó a su familia. Su exmarido Pete le pide que viaje hasta Chicago para visitar a Julie, la hija de ambos, pues se está divorciando y necesita a alguien que la anime.

The Sea of Trees, Dir. Gus Van Sant
Con Matthew McConaughey, Ken Watanabe y Naomi Watts.
Un americano y un japonés se conocen en el tristemente famoso "bosque del suicidio", un lugar al que la gente acude para quitarse la vida. Tras entablar conversación, abandonan sus proyectos de suicidio y juntos emprenden un viaje a través del bosque.

Sunset Song, Dir. Terrence Davies
Con Peter Mullan, Agyness Deyn y Kevin Guthrie
Parece que la adaptación de Terence Davies de la novela clásica de Lewis Grassic Gibbons ha estado en la lista de espera durante al menos una década, pero ahora todo indica que se estrenará en un futuro no muy lejano. Agyness Deyn interpreta a la hija de un granjero maltratado por la vida mísera en el noreste de Escocia a principios del siglo XX.

A Tale of Love and Darkness, Dir. Natalie Portman
El debut como directora de Natalie Portman. El filme se basa en el libro del autor israelí, Amos Oz; un relato autobiográfico sobre la vida en Jerusalén. Portman, quien nació en la ciudad antes de trasladarse a la edad de tres años a Estados Unidos, también actúa interpretando a la madre de Oz.

The Tale of Tales, Dir. Matteo Garrone
Con Salma Hayek, Vincent Cassel y Alba Rohrwacher
Libre adaptación de “El cuento de los cuentos” del napolitano Giambattista Basile, célebre autor de relatos cortos del siglo XVII. Ambientada en el Barroco, narra, con tintes fantásticos, la historia de tres reinos y sus respectivos monarcas

Sicario, Dir. Denis Villeneuve
Con Emily Blunt, Benicio Del Toro y Josh Brolin.
Una joven agente de policía de Tucson, Arizona, viaja al otro lado de la frontera acompañada de dos mercenarios, con la intención de capturar al líder de un cártel de la droga.

Southpaw, Dir. Antoine Fuqua
Con Jake Gyllenhaal, Rachel McAdams y Forest Whitaker.
Un boxeador zurdo motivado por el amor, el dinero y la fama, cuya ortodoxa postura de combate, conocida como “southpaw” lo ha colocado como el reinante campeón de peso medio. Billy está en la cima, tanto a nivel profesional como personal, pero un trágico accidente lo conduce a una espiral descendente donde sus días nublados se llenan de alcohol y drogas, descuidando sus finanzas, y sobre todo, a su pequeña hija.


Tomorrowland, Dir. Brad Bird
Con George Clooney y Hugh Laurie.
Unidos por el mismo destino, un adolescente inteligente y optimista lleno de curiosidad científica y un antiguo niño prodigio inventor hastiado por las desilusiones se embarcan en una peligrosa misión para desenterrar los secretos de un enigmático lugar localizado en algún lugar del tiempo y el espacio conocido en la memoria colectiva como “Tomorrowland”.

Trespass Against Us, Dir. Adam Smith
Con Michael Fassbender y Brendan Gleeson.
Fassbender interpreta a un hombre que está buscando una manera de escapar del pasado criminal de su familia. Adam Smith, que se curtió haciendo videos musicales para los Chemical Brothers, ha conseguido que ellos hagan la música del filme.

Triple Nine, Dir. John Hillcoat
Con Chiwetel Ejiofor, Aaron Paul, Casey Affleck, Kate Winslet y Woody Harrelson.
"Triple Nine" es un código de la policía que significa ayuda inmediata. Un grupo de ladrones planean activar esta alerta para así desviar toda la atención de la policía hacia la otra punta de la ciudad del lugar en el que están perpetrando un gran robo

Video: Alfred Hitchcock, una entrevista de 1969 en el National Film Theatre de Londres


Hitchcock: ?Para mí, todo comienza con el material básico. Ahora, a la pregunta de cuándo se tiene el material básico... bueno, si tienes una novela, una obra de teatro, una idea original, un par de frases, desde ah&i - ENFILME.COM

Una tarde de 1969, Alfred Hitchcock fue invitado por el actor, director y guionista inglés, Bryan Forbes (Long Ago, Tomorrow, 1971) a una plática en el National Film Theatre de Londres. La idea era que el cineasta hablará de sus películas, de su proceso de creación y que al final el público le hiciese algunas preguntas. En la charla de 18 minutos, Hitchcock nos revela sus pensamientos, experiencias y consejos sobre el quehacer cinematográfico.
Hitchcock:
Para mí, todo comienza con el material básico. Ahora, a la pregunta de cuándo se tiene el material básico... bueno, si tienes una novela, una obra de teatro, una idea original, un par de frases, desde ahí empieza la película. Yo trabajo muy de cerca con el escritor para comenzar a construir la película en el papel, desde el principio. Esbozamos toda la posible forma de la historia y luego empezamos desde el principio. Terminas con 100 páginas más o menos, o quizá más, de la narrativa, que en verdad es muy mala lectura para un literato. No hay ninguna clase de descripción. Es como si mirases la película en la pantalla y el sonido se hubiese apagado. Esta es la primera etapa.
Una de las respuestas más interesantes de Hitchcock emerge a raíz de una pregunta de uno de los asistentes cuando le pregunta si tiene algún plan o si desea salir del género thriller y hacer otro tipo de película. Él responde:
No es por mí; es el público. Si hago, por ejemplo, un musical, la audiencia se preguntara en qué momento una de las chicas del coro caerá muerta.
Aquí puedes ver el vídeo