"El cine se ha convertido en mi vida. No me refiero a un mundo paralelo, sino a mi vida misma. A menudo tengo la impresión de que la vida cotidiana está allí para proporcionarme material para mi próxima película”, escribió alguna vez Pedro Almodóvar en su sitio web en Myspace y como se cita en el libro A Companion to Pedro Almódovar (2013) editado por Marvin D'Lugo y Kathleen M. Vernon. Una frase que resume el significado del cine en la vida del reconocido artista español detrás de películas como Todo sobre mi madre (1999) o Hable con ella (2002) y reciente productor de Relatos salvajes (2014) del realizador argentino Damián Szifron. Mubi se dio a la tarea de compilar las películas favoritas de todos los tiempos de Almodóvar. Para ello hizo una revisión de la guía de cine de Time Out de 1995, del sondeo de Sight & Sound de 1992, de la selección de Nickelodeon en 1994, del País en 2010, y del AFI Fest en 2012. En total son 43 filmes los que conforman la lista de preferidos del director Manchego.
Su selección deja ver una predilección ver su admiración por los thrillers, especialmente del cine negro. Así pasa de The Night of the Hunter (1995) de Terry Sanders, Robert Mitchum, Charles Laughton, a Touch of Evil (1958) de Orson Welles. Además de Fellini, Antonioni, Kurosawa, Visconti, Melville o Buñuel.
Para los que estén interesados en conocer las influencias de Almodóvar, sus intereses, les compartimos cuatro videos que registran distintas presentaciones en variados foros del cineasta en Estados Unidos.
Lista:
1. The Night of the Hunter (1955) Dir. de Terry Sanders, Robert Mitchum, Charles Laughton
2. The Rules of the Game (1939) Dir. Jean Renoir
3. All About Eve (1950) Dir. Joseph L. Mankiewicz
4. Leave Her to Heaven (1945) Dir. John M. Stahl
5. North by Northwest (1959) Dir. Alfred Hitchcock
A más de cien años de su nacimiento, con este texto recordamos al actor, al torero, al empresario y al hombre que, con su cigarrillo, los ralos bigotes y la inconfundible manera de hablar, cinceló en la memoria de millones de personas el nombre de Cantinflas.
El niño Fortino Mario Alfonso, cuarto de ocho hijos de los Moreno Reyes, se despierta, como cada mañana, para ir a la escuela. No se le da mucho el estudio, pero es popular y con frecuencia convence a sus amigos para irse de pinta. Su infancia se desarrolla en la colonia Guerrero; sueña que va a ser rico, que va a viajar, que va a conquistar a las muchachas, pero aún no sabe cómo.
Pasan los años y el adolescente Mario, alias «el Chato» Moreno, tiene sus primeros empleos: ayudante de escribano, recogedor de pelotas de tenis, asistente en la oficina de Correos de México, donde trabaja su padre. Le gusta bailar y boxear. Se empieza a entrenar en este deporte, pero siempre acaba en la lona, así que lo deja. Por las noches asiste a las funciones en las carpas, donde los cómicos y las bailarinas hacen felices a los espectadores. Mario quiere formar parte de este mundo. Ingresa en él como bailarín, asciende a actor sustituto y termina trabajando a diario, a escondidas de sus padres, muy maquillado para que no lo descubran. Inevitablemente se dan cuenta, y a disgusto, aceptan que el muchacho se dedique a este —para ellos— poco honroso empleo.
Él habla para no decir, los demás escuchan para no entender. Carlos Monsiváis
A finales de los años 20 surge «Cantinflitas», un payaso-peladito[1] que resulta muy popular en las carpas citadinas. Es un muchacho flaquillo y desgarbado, de pantalón caído hasta media nalga, un arrugado sombrerito, la cara pintada a la usanza de aquellos foros, y demás andrajos. Se nota que está inspirado en Chupamirto, personaje creado por Jesús Acosta Cabrera para el periódico El Universal. Dicen que Cantinflas nació porque alguien le gritó a su creador: «¡Cuánto inflas!». No es así pues —según ese señor Moreno que encarna al peladito— a él se le ocurrió el nombre y el vestuario de su personaje, tanto que se lo apropió para convertirlo casi en un símbolo nacional. El payaso «Cantinflitas» crece y se convierte en Cantinflas.
La justicia llega, tarde, pero llega. Lo que pasa es que, como es ciega, no sabe por dónde nada. Cantinflas
Mario es feliz en el ambiente un tanto miserable de la carpa, hace giras y su Cantinflas le gusta al público. Trabaja en la capital y en la provincia: la Pagola, de Xalapa; el Salón Sotelo, de Azcapotzalco; el Salón Mayab y el Teatro-Salón Valentina, donde se enamora de la mujer que se convertirá en su esposa: la inmigrante rusa Valentina Ivanova, su «Valita», cuñada de Estanislao Schilinsky. Ante su éxito en las carpas, la gente de teatro se fija en él. El empresario José Furstemberg lo contrata para inaugurar el Follies Bergere, en Garibaldi. Al igual que la carpa, el recinto se llena para verlo.
Cantinflas ha evolucionado. Ha hecho suyo el estilo de hablar y hablar sin decir nada. El maquillaje sigue siendo excesivo, pero más tendiente a peladito que a payaso. En sussketches utiliza una expresión que se asociará al personaje para la posteridad: «el detalle», que entre los peladitos es la mariguana, pero para Cantinflas puede ser muchas cosas: una situación, una novia, un problema. Los cómicos que lo acompañan en el teatro —Manuel Medel, Schilinsky, entre otros—, aunque son muy buenos, no logran el éxito de Cantinflas, que está a punto de pasar a las ligas mayores de la artisteada: el cine.
¿Qué diferencia hay? Una señora, después de todo, es una señorita… después de todo. Cantinflas
Los años de pobreza —que no de miseria— de la familia Moreno Reyes han quedado atrás. Mario gana un buen sueldo y les regala un carro a sus papás. Él se compra su propio Cadillac y una casa en la colonia Clavería, donde vive con su mujer y sus suegros. A finales de los años 30, se asocia con el libanés Santiago Reachi y el judío Jacques Gelman para producir sus películas. Forma un sólido equipo de trabajo encabezado por su eterno director, Miguel M. Delgado, y se gana un sitio en la llamada Época de Oro del cine nacional.
Lleva usted dos minutos hablando y no ha dicho nada. ¿Qué fue lo que pasó?
Cantinflas y su arte. Su primera película es No te engañes corazón (1936), en la que tiene dos o tres escenas junto a otro cómico famoso de la época: Marcelo Chávez «Don Catarino». El recibimiento de Cantinflas es tibio, quizá porque no aparece con su indumentaria típica, sino con bombín y tremendo corbatón.
Fragmento de la película No te engañes corazón:
Pero llega el año de 1940, y con él, el gran estreno de la película que lo hará famoso:Ahí está el detalle. En esta cinta aparece en su personaje, tal como lo ha hecho en carpas y teatros. Del maquillaje extremo de los primeros tiempos quedan los bigotitos incipientes y la barba de tres días, el sombrero maltrecho, los pantalones rotos y aguados a la cadera, el hilacho al que pomposamente llama «gabardina» y los toscos zapatones. Cantinflas brilla, la crítica lo aclama y los cines se saturan durante meses para ver esta cinta, considerada una de las mejores en la historia de la pantalla grande en México.
Fragmento de la película Ahí está el detalle:
Mario Moreno no es Cantinflas. Es el actor que ha creado «el personaje», el empresario que ha ganado una fortuna, un hombre severo que gusta del lujo, que tiene un inmenso guardarropa de la mejor calidad, casas suntuosas y extensas propiedades, es un hombre influyente que destina grandes cantidades de dinero a obras de caridad. Mario Moreno no sonríe. Los admiradores corren a pedirle autógrafos a su artista favorito, creen que les hablará como Cantinflas y les hará bromas, pero se encuentran con un tipo serio, con los pantalones bien fajados, sin el bigotito de partido de futbol —once de cada lado— y con una gabardina de verdad. Firma sin entrar «en confiancitas».
Usted tiene un punto de vista y yo tengo otro, como quien dice, estamos contrapuntedos. Cantinflas
Bajo el amparo de su propia casa productora —la posa Films, fundada en 1939— Cantinflas trabaja sin descanso, filma y estrena una película por año: Ni sangre ni arena (1941), donde hace ostentación de sus habilidades toreras; El gendarme desconocido (1941), una de las más aclamadas, tanto por el pueblo como por la crítica especializada; El circo (1942), homenaje o imitación del gran Chaplin; dos adaptaciones de clásicos de la literatura universal: Los tres mosqueteros (1942) yRomeo y Julieta (1943), que la gente acude a ver gustosa, aunque a los críticos de cine les parecen francamente malas.
Pero esto no altera a Cantinflas que, en medio de una terrible crisis que atraviesa el cine mexicano, es de los pocos personajes que llenan las salas cinematográficas durante meses, mientras su creador se embolsa millones de pesos en ganancias.
Escenas de la película Los tres mosqueteros:
En su rol de empresario, Mario viaja a Europa. A su regreso, monta un espectáculo teatral titulado Bonjour Mexique, que incluye —¡oh, escándalo!— un desnudo total femenino. Sin embargo, el caro montaje no reditúa ganancias y Mario Moreno no volvería a subirse a las tablas, a excepción de una corta temporada de la obra Yo Colónen 1953, para estrenar el novedoso Teatro de los Insurgentes.
Cantinflas torea. Es el torero cómico más asediado del ambiente taurino. Su entendimiento con el astado es extraordinario: lo mira, le platica, lo acaricia, le hace algunos pases, lo tumba y se recarga en él para dormir o leer el periódico. Por último, «lo mata» dándole a oler el zapato. La gente aplaude extasiada ante este dominio del peladito sobre la bestia.
Cantinflas toreando:
Mario Moreno es una figura pública, un hombre exitoso que despierta pasiones. Se le achacan muchos romances, siempre con rubias, que son su especialidad. Corre el rumor de que Miroslava Stern se suicidó por él,[2] pero se acalla para no arruinar su reputación de hombre felizmente casado. Tiene amigos poderosos, con los que juega frontenis en su casa; sale en la radio, en la televisión; es líder de la Asociación Nacional de Actores —ANDA— junto con Jorge Negrete y Gabriel Figueroa; es fundador de la Casa del Actor, asilo para artistas jubilados. En 1959 compra un semental y varias vacas para fundar la ganadería Moreno Reyes Hermanos.
Nuevas cintas de Cantinflas llenan los cines: la divertida Gran HOTEL(1944), donde trabaja de botones aunque siempre quejándose de que tiene que trabajar; Un día con el diablo (1945), donde —en tiempos de guerra— visita el Infierno en compañía de un diabólico Andrés Soler; Soy un prófugo (1946), con el comediante Daniel «Chino» Herrera y la rubia Emilia Guiú; otra hermosa rubia —Miroslava— es su pareja en ¡A volar joven! (1947).
—¿Qué no ha pensado en casarse? / —Viera que nunca he tenido malos pensamientos.
Lentamente, Cantinflas evoluciona. Va dejando de ser el peladito para convertirse en un personaje pobre, pero que trabaja, a quien las cosas le salen bien y de vez en cuando se queda con la «changuita». En El supersabio (1948) es asistente de un anciano científico que —no sin cierta cursilería— busca alargar la vida de las rosas; en Puerta, joven (1949) es un portero de vecindad medio desobligado, pero con corazón de oro; en El bombero atómico (1950) adopta y defiende a su pequeña ahijada; en Si yo fuera diputado (1951), de peluquero asciende a un cargo de elección popular. La Columbia Pictures distribuye sus cintas. Muy pronto, Hollywood pondrá los ojos en él.
Discurso de Cantinflas en la película Si yo fuera diputado:
Mario Moreno, como actor, sindicalista, filántropo o simplemente, como hombre distinguido, recibe una montaña de premios y reconocimientos: llaves de varias ciudades, medallas, diplomas, nombramientos. Cantinflas actúa en Hollywood y Mario se hace amigo de estrellas internacionales. Se opera la cara. Posa junto a David Niven, Kim Novak, Liz Taylor y Anthony Quinn. El presidente Lyndon B. Johnson lo invita a hospedarse en la Casa Blanca y le lleva el desayuno a la cama. Le llama cariñosamente «Pepe».
Después de que Marvel Studios dio a conocer los proyectos que formarán parte de laFase 3 de su universo cinematográfico [aquí los detalles], la publicación norteamericana, The Hollywood Reporter, cuestiona el por qué Marvel no aprovechó el día de ayer para continuar con los grandes anuncios de su exitosa franquicia. Más que omitir información, Marvel ha preferido no continuar con algunos proyectos que parecían tener potencial.
1. Benedict Cumberbatch
Se confirmó que Doctor Strange será estrenada el 4 de noviembre de 2016, pero Marvel omitió cualquier mención referente al actor que protagonizará el filme. Incluso, este hecho hace que surjan las dudas respecto a la información que dio a conocer Deadline, donde se aseguraba que Benedict Cumberbatch era el elegido para el personaje principal. Cuando le preguntaron a Kevin Feige, presidente de Marvel, sobre el tema, señaló: “Si [Cumberbatch] estuviera confirmado, lo habríamos presentado el día de hoy”.
2. Scarlett Johansson
La Viuda Negra (Black Widow) fue el primer personaje femenino introducido en el Universo Cinematográfico de Marvel; apareció en Iron Man, Captain America y The Avengers. Ella es un personaje muy querido en los cómics, cuya historia se remonta a la década de 1960. Sería fácil imaginar una película spin-off con ella y Hawkeye (Jeremy Renner) o un thriller ambientado en la Guerra Fría con ella y Winter Soldier (Sebastian Stan). Pero no hubo ninguna mención respecto a algún proyecto específico sobre el personaje de Johansson. En su lugar, Marvel ha decidido hacer Captain Marvel, un filme sobre Carol Danvers –personaje poco conocido para la mayoría de los seguidores del universo cinematográfico– por lo que la exitosa franquicia estrenará el 6 de julio de 2018 el primer filme sobre un héroe femenino.
3. Anthony Mackie
Una de las grandes sorpresas de Captain America: The Winter Soldier (2014) fue la participación de Anthony Mackie como Sam Wilson / Falcon. Éste tiene una larga historia en los cómics, no sólo al lado del Capitán América o colaborando con Los Vengadores, sino también su propia serie independiente. Es un personaje bien perfilado para tener un filme en solitario. Sin embargo no se hizo ninguna mención sobre el actor ni sobre el personaje; Falcon era la opción natural para hacer la primera película de Marvel con un héroe de raza negra. En lugar de ello, optaron por Black Panther, un príncipe africano que se vuelve combatiente del crimen por honor.
4. Hulk
Después de dos arranques fallidos (uno con Eric Bana; otro con Edward Norton), Hulk / Bruce Banner volvió en The Avengers con Mark Ruffalo. Los seguidores piden a gritos un filme en solitario de Hulk; Kevin Feige señaló que el hombre verde continuará apareciendo en varios de los filmes de Marvel, pero reconoció que no tienen la intención de realizar un proyecto de Hulk en solitario.
5. Spider-Man
En las semanas anteriores han crecido los rumores sobre Sony y la posibilidad de vender los derechos de Spider-Man, debido a que no obtuvieron el éxito esperado conThe Amazing Spider-Man 2 (2014) y tienen muchas dudas respecto a los filmes paralelos que han anunciado. Marvel es el primer interesado en adquirir los derechos; según Feige, el objetivo a largo plazo es contar con el héroe arácnido, The X-Men yThe Fantastic Four (estos dos últimos le pertenecen a Fox) para seguir expandiendo el universo Marvel.
Por más de cuatro décadas gente de Hollywood, ejecutivos, financieros, seguidores deOrson Welles (1915-1985), se obsesionaron con la idea de recuperar The Other Side of the Wind (1972) la última película inacabada del mítico realizador estadounidense detrás de Ciudadano Kane (1941) o Touch of Evil (1958). Pero las interminables batallas legales entre los titulares de los derechos de la obra, incluida la hija de Welles,Beatrice Welles, frustraron los intentos. La buena nueva es que The Other… verá la luz, gracias a que la productora Royal Road Entertainment ha adquirido los derechos. La compañía con sede en Los Ángeles planea finalizarla y llevarla el próximo mes a American Film Market para promover la distribución de la misma.
Los 1.083 carretes de negativos de la cinta, se mantuvieron por años dentro de un almacén en un barrio arenoso de París, a pesar de los numerosos esfuerzos para completar la historia —una película dentro de una película sobre un director, interpretado por John Huston, que busca regresar al estrellato con un último filme,The Other Side of the Wind—.
Técnicamente, la cinta está rodada, pero sin montar.
El historiador cinematográfico Joseph McBride, autor de What Ever Happened to Orson Welles?, señala en un fragmento de su libro:
Rodado en color, blanco y negro, fotografía estática, 8, 16 y 35mm, The Other Side of the Wind ridiculiza a coetáneos de Welles, como Antonioni, a quien MGM concedió en 1969 una gran cantidad de dinero para rodar Zabriskie Point, un sonado fracaso que Welles parodió en The Other Side of the Wind.
Welles pasó 15 años de su vida trabajando en el proyecto hasta su muerte en 1985. Dejó 45 minutos de la película editada. Royal Road espera estrenar la película el 6 de mayo de 2015, fecha en que se celebrarán los 100 años del nacimiento del cineasta.
Orson Welles, en el rodaje de The Other Side of the Wind con Oja Kodar, Frank Marshall y Gary Graver
Aprovechando le época de Halloween y que actualmente continúa en las salas cinematográficas de México, El libro de la vida (2014), hemos retomado esta publicación de Variety donde el director y productor mexicano, Guillermo del Toro, habla sobre los habitantes del mundo del terror –monstruos, fantasmas y vampiros– que lo han cautivado. Conociendo su filmografía, uno puede darse cuenta que la atracción que estos seres ejercen sobre él ha estado presente a lo largo de su vida, y no sólo en estas fechas.
Monstruos
El monstruo de Frankenstein es una de sus criaturas preferidas; y la novela de Mary Shelley, una de sus favoritas. Pero dejemos que el propio Del Toro hable al respecto:
Una película como Frankenstein de Universal me mostró que una criatura, como la que Boris Karloff interpreta, era capaz de tener una rica vida emocional. Era al mismo tiempo aterrador, frágil y vulnerable. Siento que lo entiendo muy bien y él es alguien con quien realmente me identifico. Esa historia –así como la serie Night Gallery de Rod Serling– me hablaba a mí, a mi núcleo, a través de esa historia entendí la capacidad de comunicación que se genera entre el arte y el ser humano. Me di cuenta de que amaba la humanidad y el lado poético del terror como género. Si pudiera tener un encuentro en la vida real con el monstruo de Frankenstein, más que tener una conversación con él, me gustaría ofrecerle comodidad; le ofrecería un refugio. Es un personaje que yo realmente, realmente quiero. Me encantaría hacer una película de Frankenstein. Sería un honor, pero también es algo que quiero hacer cuando tenga el tiempo para dedicarme sólo a eso, y ahora mismo estoy hasta las orejas de proyectos. Pero espero hacerlo algún día.
Fantasmas
Actualmente en cartelera se encuentra El libro de la vida. Producida por Del Toro y dirigida por Jorge Gutiérrez, la película se inspira en la tradición mexicana del Día de los Muertos. Al respecto, Del Toro apunta:
Es una película que celebra nuestros lazos de una manera muy especial. Se celebra la familia, la amistad y el amor, y nos hace sentir como si fuéramos parte de una historia más grande en este viaje llamado vida. También se mantiene muy fiel a esa estética mexicana. Es una hermosa experiencia para toda la familia, desde los niños hasta los abuelos.
Pero la propia experiencia del cineasta con el fantasma de un familiar fue todo lo contrario a la alegría y regocijo que se muestra en el filme.
Dos veces en mi vida, he tenido encuentros personales con fantasmas. El primero de ellos; yo era un niño y vi el aliento de mi tío que había fallecido. Tenía entre 10 y 11 años de edad; tenía miedo, miedo de mi mente. La segunda vez; ya era adulto. Fue en un Hotel en Nueva Zelanda, que tenía fama de ‘alojar’ fantasmas. El hotel estaba casi completamente vacío y oí gritos aterradores a media noche. Permítanme decir que sí me aterrorizan los fantasmas. Los vampiros, por ejemplo, sabemos que no son reales, así como tampoco existen los hombres lobo. Sé que no hay monstruos gigantes, pero ¿los fantasmas? Yo sé que son reales. Tal vez en un par de décadas vamos a encontrar una manera de explicar los fantasmas con un rigor científico. No tiene por qué ser sólo una experiencia religiosa o espiritual; podría ser una composición química, o algo vinculado con la física del sonido y las imágenes, quién sabe. Probablemente hay una explicación para ello más allá de la religión, pero sé con certeza que he experimentado con fantasmas dos veces en mi vida.
Vampiros
Respecto a estas populares criaturas, Del Toro aprovecha para hablar sobre su serie,The Strain:
Realmente el único vampiro que hemos tenido en los últimos 10 años es el vampiro sexy, el romántico, y no estoy interesado en eso. En CronosyBlade 2 exploré el vampiro como una figura monstruosa y no romántica. En Cronos era un ser triste, patético. En Blade 2, como en The Strain, es una figura monstruosa, parasitaria. Debes sentir repulsión, pero al mismo tiempo una cierta atracción debido al lado misterioso de estas criaturas. Y a medida que la serie avanza, esa fascinación crece en el sentido biológico, histórico y ecológico. La serie tiene mucho que ofrecer en términos de la creación de un nuevo tipo de la figura del vampiro. Hace unos años se estrenó una hermosa película sueca llamada Let The Right One In. Me pareció una historia muy interesante sobre vampiros. Y eso es lo que me encanta de este género; constantemente hay sorpresas.
Hace unos días, Trent Reznor puso en twitter una foto en la que aparece junto al cineasta David Lynch y, poco después, se anunció que ambos se están reuniendo para que el director se haga cargo del nuevo video de Nine Inch Nails: "Came Back Haunted". Reznor y Lynch ya habían trabajado juntos cuando el músico colaboró en el soundtrack de Por el lado oscuro del camino (Lost Highway, 1997).
Aquí les dejamos la mencionada canción que forma parte del nuevo álbum de la banda, titulado Hesitation Marks, el cual verá la luz el 3 de septiembre de este año. David Lynch, por su parte, sigue trabajando su faceta musical y su nuevo disco, The Big Dream, saldrá a la venta el 15 de julio.
Por segundo año consecutivo, Cinema Eye Honors —los premios estadounidenses creados en 2007 para difundir la obra de no ficción en el cine— dio a conocer su lista de los personajes más notables y significativos de los mejores documentales del 2014. Acuñados bajo el título de The Unforgettables,en la lista sobresalen Nick Cave en20,000 Days on Earth, Roger Ebert en Life Itself, y Edward Snowden enCitizenfour.
AJ Schnack, director fundador del Cinema Eye Honor señaló respecto a los galardones:
Los cineastas saben que la relación con los sujetos objeto de los temas de sus documentales es el elemento más importante en el éxito de sus películas. Muchos de los grandes documentales como Grey Gardens aCrumb, pasando por American Movie, fueron construidos en personajes cautivadores que permitieron que un director de cine capturará y observará su vida. Con The Unforgettables, celebramos esa relación.
Lista completa de The Unfogettables 2014:
1.-Bob y Marcel por Ne Me Quitte Pas (2013) Dir. Sabine Lubbe Bakker, Niels van Koevorden
2.-Pam Brooks por Tales of the Grim Sleeper (2014) Dir. Nick Broomfield
3.-Brandy Burre por Actress (2014) Dir. Robert Greene
4.-Nick Cave por 20,000 Days on Earth (2014) Dir. Iain Forsyth, Jane Pollard
5.-Chaz y Roger Ebert por Life Itself (2014) Dir. Steve James
6.-Shep Gordon por Supermensch: The Legend of Shep Gordon (2013) Dir. Beth Aala, Mike Myers
7.-Alejandro Jodorowsky por Jodorowsky’s Dune (2013) Dir. Frank Pavich
8.-Mark Landis por Art and Craft (2014) Dir. Sam Cullman, Jennifer Grausman,Mark Becker
9.-Anna Neistat por The E-Team (2014) Dir. Katy Chevigny, Ross Kauffman
10.-Pastor Jay Reinke por The Overnighters (2014) Dir. Jesse Moss
11.-Abdul Basset Saroot por The Return to Homs (2013) Dir. Talal Derki
12.-Edward Snowden por Citizenfour (2014) Dir. Laura Poitras
13.-Clark Terry por Keep On Keepin’ On (2014) Dir. Alan Hicks
14.-Matthew Van Dyke por Point and Shoot (2014) Dir. Marshall Curry
15.-John Wojtowicz por The Dog (2013) Dir. Allison Berg, Frank Keraudren
De origen celta, Halloween o la “Noche de brujas”, es una tradición de los países anglosajones (Estados Unidos, Canadá, Irlanda, principalmente), pero los filmes de terror son un fenómeno global. A continuación te presentamos una recopilación realizada por The Hollywood Reporter que muestra siete diversos estilos y maneras de representar el terror, dependiendo de la región geográfica.
El giallo italiano
Subgénero cinematográfico desarrollado en los sesenta y setenta en Italia, se caracterizaba por sus colores estridentes, artificiosas salpicaduras de sangre, lugares pintorescos, conspiraciones políticas, héroes decididos y hermosas mujeres acosadas por asesinos encapuchados. Sus máximos exponentes, Mario Bava, Dario Argento y Lucio Fulcio, recurrieron a argumentos basados en novelas policiacas (provenientes de autores ingleses y estadounidenses), pero centraron su atención –más que en el suspenso que genera la investigación detectivesca– en la descripción gráfica (audiovisual) de los asesinatos.
Lisa e il diavolo, Dir. Mario Bava, 1973.
El Jiang Shi chino
Este popular subgénero de terror asiático consiste en retratar figuras asociadas a vampiros, zombies y cadáveres que regresan del más allá para vengarse. A diferencia del cine de fantasmas, el Jiang Shi concentra sus esfuerzos en muertes violentas y cuerpos descompuestos que parecen seguir vivos (prueba de ello es cuando se muestra que el cabello y las uñas de los cadáveres siguen creciendo). De acuerdo a las antiguas creencias chinas, sólo los monjes taoístas pueden derrotarlos. En ocasiones, el horror de la historia está combinado con toques de comedia y humor negro. Un filme representativo del género es The Era of Vampires (2003) de Tsui Hark.
The Era of Vampires, Dir. Tsui Hark, 2003.
J-Horor, el terror japonés
El J-Horror pretende, más allá de la violencia explícita innecesaria, abordar los límites y consecuencias del terror psicológico basándose en historias donde los fantasmas habitan el mundo de los vivos. Éstos últimos son los que sufren el tormento, a veces sólo son alucinaciones o invenciones, para aprender lecciones de vida. Este estilo recurre, visualmente, a mujeres vestidas de blanco con el rostro cubierto por su largo cabello negro. Otro elemento recurrente es la presencia del agua, principalmente cuando se encuentra sucia o estancada. El J-Horror alcanzó su punto máximo en la década de 1990 con filmes como Ringu (El aro, 1998) y Ju-on (La maldición, 2000).
Ringu, Dir. Hideo Nakata, 1998.
El nuevo extremismo francés
Un cruce de cine de arte, ensayo y tortura explícita configura el recientemente denominado ‘Nuevo extremismo francés’. Es un estilo que surge en el siglo XXI y que aborda la decadencia sexual, la violencia brutal y la psicosis de sus personajes. Aunque sus influencias se remontan al Marqués de Sade y George Bataille, sus referencias cinematográficas inmediatas son Leos Carax, Catherine Breillat y Gaspar Noé, principalmente. Las obras más representativas son Haute tension (Alexandre Aja, 2005), Frontière(s) (Xavier Gens, 2007), Mártires (Pascal Laugier, 2008) y À l'intérieur (Julien Maury y Alexandre Bustillo, 2011).
Haute tension, Dir. Alexandre Aja, 2003.
El crepúsculo nórdico
Las interminables noches de Escandinavia, los bosques vacíos y oscuros, los paisajes melancólicos y fríos han demostrado ser telones de fondo ideales para una ola de películas de terror provenientes del norte de Europa. Desde las persecuciones violentas de la noruega Cold Prey (2006) hasta la comedia gore zombie Dead Snow (2009), pasando por el sutil drama de vampiros Let The Right One In (2008) o la reciente historia de una mujer lobo en la danesa When Animals Dream (2014).
Let The Right One In, Dir. Tomas Alfredson, 2008.
El terror español
En los últimos años, e lugar de conformarse con un estilo específico, el cine español ha explorado el género del terror desde distintas ópticas y con diversos medios: el terror found footage de [REC] (2007), los trastornos psicológicos y el suspenso en Los ojos de Julia (2010), y las siempre populares “scary kids” como El orfanato (2007).
El orfanato, Dir. J.A. Bayona, 2007.
Los monstruos coreanos
Criaturas espeluznantes son el foco de atención de gran parte del horror de Corea del Sur que, por lo general, recurre a estas criaturas para elaborar metáforas y mensajes mucho más profundos acerca de la vida política, económica y social de la época contemporánea. El filme más destacado es The Host (2006) de Bong Joon-ho.
(1959) Dir. Billy Wilder
