Video: Andrei Tarkovsky y la representación del fuego

En un intento de hacer más noble e íntegro al cine, Andrei Tarkovskyrecurrió –en la mayoría de sus películas–  a citas visuales (procedentes del Renacimiento) y sonoras (del Barroco). Las referencias pictóricas son una constante en su obra: “Los cazadores en la nieve” (de Pieter Brueghel) aparece en Solaris (1972) y El espejo (1975), el “Apocalipsis” de Albrecht Dürer en La infancia de Iván (1962), y en Andrei Rublev destacan los iconos del pintor y religioso medieval. Tarkovsky también recurre a la música clásica, principalmente emplea a J. S. Bach: el tema de Solaris es la reinterpretación de un fragmento de “Ich ruf 'zu, Herr Jesu Christ”, realizado por Edward Artemiev, y en su última película, Sacrificio (1986), Tarkovsky utiliza una sección de “Matthäus Passion” (curiosamente, este último puede ser escuchado brevemente cuando es silbado por el personaje de “El escritor” en una escena de Stalker).

En el cine de Tarkovsky, el fuego se mueve, respira, interactúa con los personajes en pantalla como si fuera uno de ellos. Retratado por Tarkovsky, el fuego es un elemento que se convierte en una fuente de cambio y movimiento, no es un símbolo estático. A veces, es un rayo de calor, o un instrumento de oración; en otros momentos, es una fuerza de destrucción y caos. La película que mejor logra capturar la ambivalencia del fuego es Nostalghia (1983), que contiene secuencias de contraste: desde una humilde y melancólica vela hasta el sufrimiento de un manifestante que se ha prendido fuego.

A continuación te presentamos Fire & Bach: A Video Essay On Andrei Tarkovsky, un videoensayo sobre el artista ruso, el uso de la música de Bach y la representación del fuego:

David Lynch habla sobre el proceso creativo en Room to Dream

En Room to Dream: David Lynch and the Independent Filmmaker, el cineasta norteamericano habla sobre cómo traslada sus visiones e ideas a la pantalla grande. El material audiovisual registra el proceso de hacer cine, desde la primera idea hasta la postproducción.

"Para mí, el cine es sonido e imagen en movimiento, juntos, en el tiempo", asegura David Lynch, quien al compartir sus inicios como cineasta que proviene del mundo de la pintura y su comprensión del cine como arte, habla de cada etapa de la producción, su visión de los avances tecnológicos, y cómo éstos abren las puertas a los fabricadores y “contadores” de historias, siempre y cuando se le de un uso adecuado y creativo a la tecnología disponible. El video se reproduce como si se tratara de una clase de cine de 20 minutos impartida por el propio Lynch. Simple, directo al grano, sagaz e inteligente, el director de Blue Velvet (1986) y Mulholland Drive (2001) comparte su experiencia en el ámbito de la creación artística señalando que un filme es una colaboración completa; las ideas –no siempre y no todas– vienen del director, sino de cada uno que forma parte del proyecto. Además, su postura ante el guión cinematográfico como un plano para crear los elementos visuales, pues para él, el cine es como “pintar tranquilamente con un pincel fino.”

Video: La actriz británica, Helen Mirren, habla sobre la obra del pintor ruso, Wassily Kandinsky

Hace 148 años nació el teórico del arte y pintor abstracto ruso, Wassily Kandinsky. Él creció en Odessa, donde comenzó a interesarse desde muy pequeño en la música. Aunque estudió Economía y Derecho, su rumbo cambió cuando, en 1895, asistió a una exposición de pintura en Moscú y quedó entusiasmado al ver la obra de los impresionistas franceses, específicamente con la serie de Claude Monet tituladaAlmiares. Más tarde, el exponente de la pintura abstracta recordó aquella experiencia:

Y de pronto, por primera vez, vi un cuadro. Leí en el catálogo que se trataba de un montón de heno, pero no podía reconocerlo […]. Me di cuenta de que faltaba el objeto del cuadro […]. Lo que tenía perfectamente presente era la insospechada y hasta entonces oculta fuerza de la paleta. […] Esta falta de reconocimiento fue doloroso para mí. He considerado que el pintor no tenía derecho a pintar indistintamente. Sentía sordamente que el objeto de la pintura había desaparecido. Y me di cuenta con sorpresa y confusión que la imagen no sólo se apoderó de mí, pero sí impresionó indeleblemente mi memoria. La pintura adquirió un poder de cuento de hadas y esplendor.

Kandinsky dejó su trabajo como docente de la Facultad de Derecho de la Universidad de Moscú y se dedicó a la pintura. Él emigró, primero a Francia y luego a Alemania, donde decidió alejarse de la pintura figurativa. Fue uno de los primeros en crear obras completamente abstractas. En su tratado De lo espiritual en el arte (publicado en 1912), Kandinsky declara que los elementos dentro de una pintura no deben corresponder a cualquier objeto externo, sino sólo  a la necesidad interior del artista.

En 1926, el cineasta Hans Cürlis registró a Kandinsky mientras éste aplicaba pintura a un lienzo en blanco para la galería Neumann-Nierendorf en Berlín. A continuación puedes ver una muestra de cómo trabajaba el artista ruso: 

Hace tres años, en 2011, para conmemorar el 145 aniversario del artista, el Museo de Arte Moderno de Nueva York (MoMA) realizó una amplia retrospectiva. Una de las invitadas para hablar de la obra del pintor fue la británica, Helen Mirren. Además de ser una talentosa y hermosa actriz, Mirren se muestra inteligente, conocedora y con un discurso elocuente y sin pretensiones, expresando el profundo amor que siente hacia la pintura y la enorme admiración que profesa a Kandinsky.