Masi Oka, un japonés con carrera en Hollywood

Masayori Oka, más conocido como Masi Oka es un artista japonés, así como uno de los hombres del momento en cuanto al cine estadounidense. Él ha sido el maestro de numerosos talentos como la realización de efectos visuales en ILM, en las precuelas de Star Wars, de la comedia en cuanto a improvisación y de producir sus propios proyectos.

Haciendo las veces del japonés de turno en pequeñas participaciones de grandes producciones estadounidenses como Scrubs, Austin Powers, Piratas del Caribe y hasta en la versión cinematográfica hispanoamericana El Superagente 86. También conocido como el niño asiático-americano superdotado por salir alguna vez en la portada del TIME bajo ese nombre, Masi Oka tiene un conocimiento y unas habilidades muy amplias respecto al mercado de entretenimiento. Con una intención clara de establecer un puente entre Japón y Hollywood, refiriéndose a los esfuerzos que deben hacerse en cuanto a los efectos visuales en Hollywood, también ha expresado su deseo de construir una escuela para comediantes. 

En consecuencia a sus trabajos, Masi Oka ha estado nominado a los Globos de Oro como mejor actor secundario en la serie Héroes, conocido en ella como Hiro Nakamura, el maestro del espacio y del tiempo, y a los premios Emmy en la categoría de Mejor actor de reparto.

Tiempos duros para el actor, pero desde luego muy bien remunerados ya que ha sido catalogado como el número uno de los 10 actores mejor pagados en lo que va de año. Cuando en 2012 parecía que iba de capa caída, pronto volvió a retomar la popularidad, sacando hasta su propia marca de vodka y abordando de la misma forma el mercado juvenil de perfume e incluso una línea de moda.

CÓMO SER ACTOR Y NO MORIR EN EL INTENTO

Son las ocho y media de la mañana… Retiro las cortinas, subo la persiana y miro al cielo. Está nublado, como mi ánimo... pero ¡No!... Hay que ser positivo, animarse, hoy comienza un nuevo día y como siempre con la misma esperanza de que llegue hoy ese momento que tanto tiempo llevo esperando….esa llamada telefónica de mi representante en donde me ofrece un casting para una serie de televisión o una película. O mejor y puestos a soñar, ¡qué casting ni qué! ¡La productora ha visto mi material y me ha dado un personaje maravilloso en una serie de televisión! ¡Dios! ¡Qué ilusión me haría! No… no me voy a desanimar porque ese día puede ser hoy. Esperaré, como siempre. Esperar, esperar, esperar…. Y con la “esperanza” siempre a mi derecha… Voy a la cocina y me preparo un café, no sin antes leer el nuevo mensaje que está escrito en mi calendario esotérico: “Qué es el verdadero yo? Es aquello que tú eres, y no lo que hicieron de ti”. Pufffff…. Menudo mensajito me regala hoy el calendario.  Me da la espina de que voy a estar revuelta todo el día….



La vida del actor… siempre errante, de acá para allá, sin rumbo fijo, inestable, sin raíces, sin saber qué va a ser de ti, cómo te ganarás hoy las lentejas… Sin embargo no importa, porque al actor le puede más la vocación que otra cosa. Yo soy actriz y no puedo ser otra cosa. Necesito contar historias, expresarlas y que el resto de los humanos las sientan a través de mi…de lo contrario me marchito, me empieza a doler la garganta…Tengo demasiado desarrollado eso que algunos llaman chakra de la expresión…

Aquella maravillosa experiencia, la de contar historias, no se paga con dinero… pero si encima te lo pagan, entonces toco el cielo. Cuántos trabajos desperdiciados, cuantas excusas para asistir a casting, cuántas decepciones y cuántos somos los que queremos ganarnos la vida con esta difícil profesión.

Recuerdo un día en el que tras estar meses sin hacer una prueba de cámara, me pongo a hablar a las paredes, a los cuadros, al techo y a quienes pudieran oírme, y protestando, como siempre:


“¡Estoy harta!, tiro la toalla, voy a buscar un trabajo fijo, con un horario y un sueldo, aunque sea poco, pero necesito trabajar. ¡Ya está bien de soportar esta inestabilidad!” ¡Siempre igual!  “Ya te llamaremos… ya te llamaremos” “Lo sentimos, el cupo de actrices está cubierto”.¿Ah, si? Pues hala, ¡ahí os quedáis! Voy a ir la empresa esa que me ha elegido para trabajar como  secretaria, ¡firmo el contrato y en paz!.



Cojo el teléfono y los llamo, muy chula, aceptando su oferta. Me arreglo como si fuera a verme el mismísimo Spielberg y me encamino hacia la empresa. Es lujosa y bonita aunque admito que es algo que yo, por algún motivo, no se ver ni valorar…. Toda llena de ordenadores, de teléfonos, de impresoras y faxes,  gente con traje de chaqueta y lo que es peor… ¡corbatas!. Detesto las corbatas, me recuerdan a las sogas de los ahorcados…
Una vez allí, leo el contrato, lo firmo y al ver mi rúbrica en el papel no puedo evitar ver al mismo tiempo y en mis muñecas, unas enormes esposas. Sé que son imaginarias, pero las veo y las siento apretándome muy fuerte. Están ahí para recordarme que ya no podré actuar ni asistir a casting mientras esté aquí trabajando. Imposible. El horario no me lo permite. Permanezco  pensativa…




…. “¿Entonces empieza Usted mañana por la mañana?” - Comenta el Director del Departamento y, a partir de ahora, mi nuevo jefe-… (Qué horror… me ha llamado de Usted…)

“Si, por supuesto”-, contesto con una sonrisa algo forzada, resignada a mi suerte y a la difícil lucha por la supervivencia de la cual sólo se salvan unos pocos privilegiados en este mundo.

Debería dar botes de alegría… ¡Tengo un trabajo!... Pero no. Mi corazón no siente así. Siento una nueva derrota personal. Uno nuevo boicoteo a mí misma, a mi pasión, a mi vocación. Salgo de la que será, a partir de ahora mi nueva empresa…. cabizbaja, meditabunda, con dolor de garganta y con sensación de haber perdido algo por el camino. Justo al lado hay un edificio lleno de espejos, me miro…¡Menuda cara tengo! Parece que se me ha muerto un pariente…Da igual lo guapa y elegante que me he puesto… mis ojos no saben mentir. Soy la tristeza vestida con traje de chaqueta.  Me siento culpable por sentirme como me siento. No es justo. He encontrado trabajo y otros no lo tienen. Ante tal confusión mental, a la que no me habitúo a pesar de los años, cojo el móvil y llamo a una amiga mía, que sé que me quiere mucho y me da ánimos. Se llama Clara, es una mujer muy práctica, realista y me suele bajar de las nubes.



Esta fue mi conversación telefónica. Me voy a recrear haciendo de ella un pequeño cortometraje:

IRENE (con un hilo de voz)
¿Clara?.. Si, soy yo… he firmado el contrato

CLARA
Enhorabuena Irene, has hecho bien… poco a poco te irás acoplando, ya lo verás… olvídate del mundillo ese de la interpretación, te está machacando, es muy difícil, se realista, mujer

IRENE (indignada)
Qué fácil lo ves, Clara, ojalá mi vocación fuera otra. Esto es un castigo

CLARA
Has desaprovechado demasiados trabajos por culpa de las películas y los casting. Necesitas un trabajo con cierta continuidad, ¿no?


IRENE (aún con esperanza)
 Si, pero si me saliera una serie de televisión sí que podría ser continuo. Sólo necesito la oportunidad de que me conozcan más y….


CLARA (interrumpiendo)
Ya estamos como siempre…. ¿Dónde está esa serie?.... Las cosas están mal, Irene, sé realista. No puedes estar toda tu vida así, de casting en casting y esperando. Tienes que pensar en tu futuro. Llegará un momento en que no te querrán en otros trabajos porque hay gente más joven que tú y te costará mucho más trabajar en lo que sea.


IRENE (triste)
Ya… pero…

CLARA
Lo digo por ti, Irene. Este nuevo trabajo te va a proporcionar estabilidad y dinero. Venga, anímate. Nos vemos luego”





Cuelgo el teléfono, siempre resignada, cojo el coche, y me dirijo seria a mi casa. Una voz interna me dice….. “Si…Has hecho bien, como dice Clara. Tranquila, llevas demasiado tiempo intentándolo, haces dos o tres cosillas y después meses de sequía, ya no eres una niña…¿Hasta cuándo crees que podrás aguantar?..., hay poco trabajo como actriz  y lo poco que hay suele ser siempre para los más conocidos, tu no eres conocida… no tienes oportunidad porque tampoco tienes un representante de postín que pueda darte a conocer y venderte… Tampoco tienes contactos importantes, y sin los contactos, ya sabes… Además este trabajo de secretaria está bien pagado y el horario no está tan mal”… y este estúpido consuelo me acompaña hasta el portal de mi casa.

Después de no pegar ojo en toda la noche, me planto a las 9 en punto en la oficina… nada que ver conmigo. Es otro mundo. Sigo con molestias en la garganta,¡qué se le va a hacer! Pero esta vez voy a intentar aguantar, aceptar y conservar este trabajo.

…Y resulta que al cabo de dos semanas, cuando estoy más o menos acoplada, conozco a la gente y empiezo a aceptar mi nueva vida, suena el teléfono…… Es un casting para una prestigiosa serie de televisión…Quieren verme inmediatamente…tengo posibilidades. Recuerdo aquella frase del calendario… Mi dolor de garganta se vuelve agudo.

EL CINE AMATEUR HA MUERTO

Está afirmación puede resultar excesiva para muchos, pero es la conclusión a la que he llegado después de más de siete años siendo un cineasta amateur.

Con la llegada del vídeo doméstico a los hogares de muchos cineastas, aprendices de cineastas o cinéfilos con ínfulas realizatorias, apareció una nueva generación de gente que tenía la posibilidad y la facilidad de rodar (o grabar para los puristas) con esas manejables cámaras, de una forma económica, libre e independiente.

Muchos se pusieron las manos a la cabeza, ya que cualquiera (con conociminentos, ideas, cultura cinematográfica o carente de todo ello) podía realizar su peliculita y pasar por ser un director de cine amateur y encima sin que nadie censurara o controlara esos trabajos al no tener la obligación de realizarlos a través de los embudos de las productoras o con gente pretendidamente profesional.



El único problema era la baja calidad de los aparatos grabadores de aquel momento, pero en poco tiempo se produjo un enorme boom a todos los niveles. La industria del video comenzó a bajar precios y sacar productos semi-profesionales de gran calidad a precios económicos, la tecnología y la informática avanzaban tan rápido que cualquiera podía montarse un pequeño estudio de edición en la habitación de su propia casa. Todo eso provocó que surgiera un generación de videoastas que tenían la oportunidad de realizar cine con presupuestos ridículos.

La ley de la oferta y la demanda hizo que ese crecimiento de cineastas que dejaban de lado los formatos cinematográficos, provocara un crecimiento inusitado de festivales de cine donde se apoyaba los formatos amateurs con premios en metálico, a menudo con subvenciones de ayuntamientos y estamentos públicos que encontraron un manera de publicidad y promoción en esos festivales para atraer turismo, de modo que cualquier pequeño pueblo perdido en la geografía española disponía de su festival de cine, algo que debido a la mala organización de la mayoría de estos eventos resultaba contraproducente ya que ni conseguían atraer público de otras regiones (muchas veces las proyecciones se efectúan con la sala vacía de público) ni te quedaban ganas de volver si habías ido con la ilusión de mostrar tu trabajo a gente de otros lugares cuando descubrías que ni siquiera la gente del lugar conocía la existencia del festival (recuerdo una vez en Vitoria que proyectaron varios cortos y se dejaron la puerta de acceso a la platea cerrada con llave, de modo que la poca gente interesada en entrar a ver los cortos no tenía siquiera acceso a ellos si no tiraba la puerta abajo...).



Pero, todas esas cosas son, al fin y al cabo, normales, puesto que estamos hablando de cine amateur, gente que no sale en los periódicos ni en los programas de televisión. El problema llegó después cuando para atraer más la atención de la gente y los medios, los festivales pretendidamente amateurs se han ido reconvirtiendo en festivales que sólo acogen cortometrajes hechos por profesionales y escuelas de cine, dejando a un lado a los antiguos videoastas amateurs que realizan sus trabajos de forma independiente y sin presupuesto ni ayudas de ningún tipo.

Se ha llegado a un extremo en el que se puede asegurar categóricamente sin miedo a equivocarse que el cine amateur ha muerto, ya no vende lo hecho sin recursos, sino lo grandilocuente, lo técnicamente perfecto, los cortos realizados en 35mm. y pasados a vídeo (subvencionados a poder ser y con presupuestos de 4 o 5 kilos de las antiguas pesetas), los trabajos de escuela hechos con todo tipo de facilidades (material incluido) y si encima alguno de los protagonistas es alguien famoso (sea actor o famosillo haciendo sus pinitos actuando delante de cámara), el corto tiene su puesto asegurado entre los seleccionados ya que eso son cosas que dan prestigio a los festivales pequeños, incluso a costa de incumplir sus propias bases de participación (hace un par de meses un conocido festival de video hizo caso omiso cuando se le demostró que varios de sus cortos seleccionados incumplían las normas puesto que se trataban de cortos profesionales realizados en cine, cosa que estaba terminantemente prohibido).

Leído esto puede parecer una pataleta de un cineasta mediocre o una rabieta de alguien que no sabe perder. Tal vez sea así. Han sido siete años llevando con orgullo la ingrata etiqueta de cineasta amateur, a partir de ahora seré un cineasta a secas, eso no me lo puede arrebatar nadie puesto que se trata de un sentimiento tatuado en mi corazón.

Tarantino y su filmografía

Quentin Tarantino ganó el Globo de Oro 2013 por el guión de Django desencadenado, su última película (que se estrenó en España el 18 de enero). A lo largo de su carrera sus ingeniosos guiones y el carácter propio de sus cintas le han proporcionado numerosos premios y mucho reconocimiento. Hagamos un repaso a su galardonada filmografía.

Tarantino es un cineasta con un estilo propio muy marcado que ha conseguido una combinación única de diferentes influencias y características, a saber, violencia grotesca pero con una estética impecable, spaghetti western, blaxploitation o estilo cómic.

A pesar de la fama del director, y de llevar 21 años en la industria, no es muy prolífico y solo ha estrenado ocho películas desde 1992, año que debutó con la magistral Reservoir Dogs y sus señores de colores.

Reservoir Dogs - 1992

Con Reservoir Dogs Quentin Tarantino debuta como director (y guionista) por la puerta grande. El presupuesto del filme fue de 1.2 millones de dólares y recaudó en taquilla 14 millones. Las críticas fueron favorables y sentó las bases de un estilo propio que después se vería reflejado a lo largo de su filmografía.

En Reservoir Dogs un grupo de criminales ha sido contratado por Joe Cabot y su hijo para dar un golpe a un banco. Son el señor Naranja, señor Blanco, señor Rosa, señor Rubio, señor Marrón y señor Azul: no se conocen entre ellos y mantienen estos apodos para que su anonimato siga intacto. El golpe se transforma en una masacre cuando la policía aparece. La película comienza con ellos huyendo de la escena del crimen con el señor Naranja herido (y dos bajas) y escondiéndose en un almacén donde intentan descubrir quién les ha traicionado.

Reparto: Harvey Keitel, Tim Roth, Chris Penn, Steve Buscemi, Lawrence Tierney, Michael Madsen, Edward Bunker, Quentin Tarantino.

Pulp Fiction - 1994

Pulp Fiction debutó en el Festival de Cannes de 1994 y se llevó la Palma de Oro. En los Globos de Oro, BAFTA y Premios Oscar de 1995 se llevó los premios a Mejor guión. Además Samuel L. Jackson se hizo con el BAFTA a Mejor actor de reparto. El filme costo 8 millones de dólares y consiguió en taquilla 213 millones.

El thriller de acción está protagonizado por Jules y Vincent, dos asesinos a sueldo que tienen como misión recuperar un misterioso maletín para su jefe, Marsellus Wallace. Además, Wallace le pide a Vincent que cuide de su esposa Mia mientras él está fuera, lo que no será una tarea fácil.

Reparto: John Travolta, Samuel L. Jackson, Uma Thurman, Bruce Willis, Harvey Keitel, Eric Stoltz, Tim Roth.

Four Rooms - 1995

La película Four Rooms es un proyecto conjunto de Quentin Tarantino con Robert Rodríguez, Alexandre Rockwell y Allison Anders. Four Roomsse divide en cuatro partes y cada uno de ellos se encarga de una. Tarantino hace lo propio con la cuarta y última. El filme costó cuatro millones de dólares y por los pelos no consigue recuperar lo invertido. La crítica cargó duramente contra la película, aunque las mejores palabras fueron para las partes de Rodríguez y Tarantino. Se llevó un Razzie a peor actriz secundaria para Madonna.

El protagonista principal de las cuatro historias (y el hilo conductor de las mismas) es un botones de un hotel que en su primer día de trabajo se verá envuelto en cuatro situaciones muy dispares: unas brujas practicando magia, tener que hacer de niñera, lidiar con un marido celoso y armado y la fiesta de un cómico y sus amigos que termina con una macabra apuesta.

Reparto: Tim Roth, Madonna, Valeria Golino, Jennifer Beals, Antonio Banderas, Tamlyn Tomita, Bruce Willis, Quentin Tarantino, Marisa Tomei.

Jackie Brown - 1997

A Jackie Brown se la conoce como la película de Blaxploitation de Tarantino, y es diferente a todo lo anterior al prescindir de tanta violencia como la vista en Pulp Fiction o Reservoir Dogs y unos diálogos de estructuras diferentes al estar extraídos tal cuales del libro en el que se basaba. A pesar de ello, y los palos de la crítica, el filme costó 12 millones de dólares y sacó en taquilla 72 millones.

Jackie Brown está basada en la novela Rum Punch, de Elmore Leonard. La protagonista de la historia es una azafata de vuelo que para conseguir un dinero extra muy necesario, hace de correo para el traficante de armas Ordell. Cuando la pillan en la aduana, la única manera de librarse será ayudar a la policía a atrapar a Ordell.

Reparto: Pam Grier, Samuel L. Jackson, Robert Forster, Robert De Niro, Michael Keaton, Bridget Fonda.

Kill Bill vol. 1 y 2 - 2003/2004

Kill Bill es una película de acción y artes marciales que se lanzó en dos partes. La primera llegó a finales de 2003 y la segunda a principios de 2004. Ambas tuvieron un presupuesto conjunto de 55 millones y recaudaron 332 millones de dólares en taquilla. En los premios Saturn Awards (ciencia-ficción) se llevó el galardón a la mejor película y el de mejor actriz para Uma Thurman.

La protagonista de Kill Bill es una mujer con ansias de venganza. El día de su boda, una asesina profesional embarazada sufre el ataque de algunos miembros de su banda. Milagrosamente se recupera de un tiro en la cabeza que la deja cuatro años en coma, tras los cuales llega el momento de cobrarse venganza uno a uno hasta llegar a Bill, el líder y quien le metió la bala en la cabeza.

Reparto: Uma Thurman, Lucy Liu, Vivica A. Fox, Daryl Hannah, David Carradine, Michael Madsen Julie Dreyfus, Gordon Liu.

Malditos bastardos - 2009

La Segunda Guerra Mundial es el escenario deMalditos bastardos (Inglourious Basterds), en la que Tarantino se toma la licencia de contarnos un relato de ficción ambientado en esos días. La película contó con un presupuesto de 70 millones y recaudó 320 millones. Fue reconocida por los Premios Óscar con ocho candidaturas, aunque solo ganó el premio a Mejor actor de reparto para Christoph Waltz, que repitió en los Globos de Oro, en los SAG y en los BAFTA.

Un grupo de violentos judíos que acaba con nazis, una espía que se hace pasar por actriz y una mujer a la que los nazis le arrebataron a su familia, confluyen en un mismo escenario y los planes de venganza de unos y otros podrían estorbarse y dar al traste con todos los planes.

Reparto: Brad Pitt, Mélanie Laurent, Christoph Waltz, Eli Roth, Diane Kruger, Michael Fassbender, Daniel Brühl, Til Schweiger, B.J. Novak.

Django desencadenado - 2012

Django desencadenado es hasta el momento la película de mayor presupuesto de Quentin Tarantino, y la más larga con dos horas y 50 minutos. Está ambientada antes de la Guerra Civil americana, por lo que la esclavitud aún no se había abolido. Por el momento, al filme no le han faltado candidaturas ni en los Globos de Oro ni en los Oscar.

Tras quedar libre, el protagonista de la película intentará hacer lo propio con su esposa, esclavizada en una de las grandes plantaciones del sur. No estará solo, cuenta con la ayuda y el entrenamiento del hombre que le liberó y el objetivo de no dejar blanco que se interponga con cabeza.

Reparto: Christoph Waltz, Jamie Foxx, Carrie Washington, Leonardo DiCaprio.

Se busca Indiana Jones

 Disney no solo apuesta por la saga de Star Wars para volver a hacer historia. Se han levantado los rumores que pueden estar interesados en hacer una nueva entrega de Indiana Jones. Toda una sorpresa para los fans, que viendo el estado físico de Harrison Ford no se espera otra película.

indianajonesParece ser, que la nueva propietaria de los derechos del aventurero más famoso de todos los tiempos, quiere seguir el éxito de James Bond. Unas películas, que encarnadas por Daniel Craig han triunfado como la espuma en cualquier fiesta veraniega. Pues como hicieron con Pierce Brosnan, piensan hacer con Harrison Ford, van a buscarle sustituto a Indiana. Y sí, suena con fuerza un nombre. Nada más ni nada menos que el atractivo Bradle Cooper podría recibir en breves la propuesta de enfundarse con ese famoso sombrero y látigo del Profesor Jones.

Según los rumores, el film podría materializarse dentro de dos o tres años. Será dentro de mucho tiempo, pero es que aún no tienen ni guión. Pero ya están sonando nombres de los que podrían escribir la nueva historia de Indiana. Suena con fuerza Frank Darabont, un hombre que ya realizo un guión para la quinta entrega, que fue ‘Indiana Jones y el reino de la calavera de cristal’. Pero desgraciadamente, George Lucas, decidió echar su trabaja a la basura.

Esperemos que todas estas suposiciones que están el aire se hagan realidad por todos esos fans que desean ver la renovación de este clásico del cine. Indiana Jones, vuelve a sorprendernos, tu público lo necesita.

EL NAZISMO EN TRES PARTES

El pasado es un reflejo de quien fuimos y de a donde nos dirijimos. La época nazi es uno de los tiempos más desagradables de nuestra historia reciente, una demostración palpable de la crueldad humana y del odio que es capaz de engendrar nuestra alma (si es que en realidad existe).

El nazismo o el movimiento del nacionalsocialismo, surgió como una doctrina política germana que veía en el comunismo un peligro contra Alemania y la Europa entera. Hitler y sus partidarios se declaraban categóricamente enemigos del movimiento político judío representado en el Oriente por el marxismo, y a la vez se declaraban enemigos de las masas soviéticas, a las que consideraban como un instrumento de aquel movimiento, carentes de voluntad y destino propio. El resto es historia conocida por todos y pese a la gran cantidad de material gráfico existente de las atrocidades cometidas en los campos de concentración, aún existe gente afin a las ideas hitlerianas que considera que el holocausto nazi es un invento judío.

"Ilusiones de un mentiroso (Jakob the liar)" no es una gran película, pero tiene la virtud de hablarnos de esa época desde un prisma no demasiado doloroso. El film está ambientado en Polonia durante la II Guerra Mundial, la historia trata de Jakob, un judío que accidentalmente capta una emisora de radio prohibida que revela que los rusos acaban de abatir puestos alemanes. Para combatir el ambiente tan pesimista que se respira en el ghetto, Jakob les hace creer que las fuerzas aliadas avanzan a pasos agigantados contra los nazis. Estas mentiras hacen que vuelva a nacer la esperanza y las ganas de vivir entre los habitantes del ghetto. Llegan entonces a oídos de los alemanes las noticias sobre la existencia de esa radio, y empezará la busqueda de aquel que se cree el héroe de la resistencia.



Una historia sobre héroes de carne y hueso, de personas normales envueltas en situaciones límite y que son capaces de resistir el dolor con la esperanza. El film da la impresión de nacer como contrapartida a "La vida es bella" de Roberto Benigni y utiliza un estilo similar para relatar su historia, donde el humor es un recurso para liberar la pesada carga de la muerte y el dolor. Una radio inexistente que es capaz de combatir las bombas, historias de ficción inventadas por un hombre desarmado que pueden vencer a la realidad cotidiana creada por miles de soldados armados.

La fuerza del corazón contra la fuerza de la violencia. De eso trata la película. No pasará a la historia del cine, sin duda, pero es un ejemplo de la vida en los ghettos judíos, un tema no tratado en exceso en el cine que se suele decantar por ofrecer la parte más horrible de la historia en los campos de concentración o en el campo de batalla. El protagonista, Robin Williams, realiza una interpretación convincente y creíble, y otorga ese grado de humanidad al personaje que requiere cualquier película para que se produzca la empatía necesaria con el espectador, aún sabiendo que cualquier héroe humano debe tener un trágico final para conseguir serlo.


SEGUNDA PARTE: EL PRESENTE.
-Análisis de "American History X (1998)"-

Si echar la vista atrás y mirar el pasado puede llegar a dar miedo, peor es cuando fijamos nuestra mirada en lo que sucede en nuestros días, en el presente del nazismo. Sí, porque aunque cuando se habla del tema se tiende a hablar en pasado, no es cierto que todo terminara con la muerte de Hitler, el conflicto racista existió antes de su figura y existirá después, con la muerte de Hitler sólo se creó un referente más, un icono surrealista para justificar una falsa ideología arrancada de las entrañas de la imperfección de los seres humanos, de su infelicidad y de su debilidad.

"AMERICAN HISTORY X" es una estupenda película que intenta de manera benevolente y a veces ingenua tratar el tema del nazismo en el presente. La película cuenta la historia de Derek Vinyard, un joven convicto que acaba de cumplir una condena de tres años por el asesinato de dos jóvenes de raza negra. A partir de ahí, se podría decir que existen tres historias paralelas: el intento de Derek de resinsertarse como un ciudadano normal en la sociedad, dejando atrás todo su pasado; los tres años que Derek pasó en la prisión y que cambiaron su forma de pensar, relatados a través de un extenso "flash-back" que es como una película dentro de otra película; y finalmente, la historia de Danny, el hermano pequeño de Derek que lo idolatra e intenta seguir sus pasos introduciéndose en el mundo de la violencia racista.

La película es irregular porque el guión tiene una estructura un tanto extraña, pero el interés de su trama y de lo que explica la convierte en uno de los testimonios más interesantes que se han realizado hasta la fecha sobre ese fenómeno social denominado neonazismo. El neonazismo es un resurgimiento urbano y contemporáneo del nazismo (neo, significa nuevo), que es la doctrina ideológica (o carente de ella) que surgió en Alemania a mediados de los años 20. Si analizamos la existencia de esos grupos de neonazis veremos que se trata de jóvenes anti-sociales o marginados que no tienen objetivos en la vida y a menudo recursos para conseguirlos y que se refugian en la violencia cobarde (la violencia que ejerce un grupo mayoritario sobre uno minoritario) y la xenofobia (en definitiva lo mismo), para justificar su infelicidad y su falta de ambición. Para conseguir sentirse "algo" recurren a crearse su propia ideología basada en inexactitudes y falsedades y a crearse ídolos y símbolos (como en una religión) para sentirse parte de ese "algo" que para ellos les ha sido robado.

Regresando a la película, el personaje de Derek es sumamente interesante porque es a la vez el protagonista y el antagonista principal de la historia. Vemos su evolución, desde ser uno de los líderes locales del movimiento neonazi (matando fríamente sin remordimiento y convirtiéndose así en un héroe de la "causa") a enfrentarse a ellos (rechazando todo su ideario, intentado alejar a su hermano de ellos y despreciándose a si mismo).



Al inicio del film, la brutal escena del asesinato demuestra la capacidad del hombre para aprender a odiar. Derek, está interpretado magistralmente por Edward Norton, uno de los mejores actores de su generación, en esa escena que abre la película consigue transmitir con una sóla mirada (ralentizada a cámara lenta) una infinidad de sensaciones sólo al alcance de los más grandes y que una vez vistas quedan grabadas en la retina para la eternidad. Otro momento a tener en cuenta es aquel donde Norton desnudo se refleja en un espejo e intenta ocultar la svastica que lleva tatuada en su pecho y que siempre estará allí para recordarle todo lo que ha hecho y que ya no tiene remedio, pese a su arrepentimiento.

Su cambio de ideología le viene en su estancia en la cárcel, donde para sobrevivir existe una micro-sociedad donde cada grupo está perfectamente definido. Allí descubrirá que el grupo al que pertenece carece de una verdadera ideología y que sólo la utiliza para su beneficio, descubriendo que su único amigo allí dentro es un joven de raza negra, gracias al cual permanece vivo. Aunque este flash-back está mal situado en la narración del film y resulta algo simplón en su planteamiento, resulta efectivo y convincente en lo que quiere transmitir. Los personajes secundarios del film son también muy importantes, porque cada uno representa perfectamente una manera de pensar, como la hermana defensora de los derechos pro-civiles, la sufrida y enferma madre, el insoportable y obeso amigo nazi, y todos ellos están muy bien definidos e interpretados con eficacia por todo el plantel de actores. Destacan, Edward Furlong que encarna al hermano pequeño y realiza aquí una de las mejores interpretaciones de su carrera; Elliot Gould que es un profesor judío que tiene un breve noviazgo con la madre del protagonista; Stacey Keach, irreconocible en su papel de líder del grupo neo-nazi; y la presencia siempre inquietante de Fairuza Balk, la novia de Derek, que no alcanza a comprender su cambio.

El film es de visión casi obligada entre la juventud por su tratamiento del tema, y tiene un discurso coherente y pesimista, ya que pese al cambio de actitud del protagonista, pese a reconciliarse con su familia, pese a salir ileso de su enfrentamiento con sus viejos compañeros de ideario y pese a mostrar a su hermano pequeño que lleva un camino incorrecto, no consigue salvarlo de un final trágico motivado por la semilla del odio que él mismo se encargó de plantar en el pasado.




TERCERA PARTE: EL FUTURO.
-Análisis de "Los niños del Brasil / The boys from Brazil (1977)"-

El futuro es nuestro destino y resulta terrible comprobar que no hemos aprendido nada de nuestros errores del pasado y que no hemos sabido arreglar los que estamos cometiendo en el presente. Irremediablemente en el futuro volverán a producirse los episodios del pasado que tanto nos ha costado intentar olvidar. Y es que no se pueden olvidar ciertas cosas si no se desea que se repitan.

"Los niños del Brasil" es una película fascinante, con un planteamiento malévolo e inteligente y que nos presentaba en 1977 un futuro casi de ciencia ficción y que vista ahora no se aleja en exceso al debate existente hoy en día sobre la clonación humana. El argumento del film gira en torno a el doctor Josef Mengele que reúne en Sudamérica a un grupo de jóvenes, militantes del Tercer Reich, para trabajar en un misterioso proyecto. Un joven americano, Barry kohler, contacta con el cazador de nazis Ezra Liebermann, quien empezará a investigar y descubrirá el terrible plan de Mengele. Y ese terrible plan no es otro que clonar a Hitler y repartir esos niños con sus genes por todo el mundo, la manera de gobernarlo definitivamente e implantar su doctrina nazi por cada rincón del planeta. La soberanía de la raza aria llevada hasta sus últimas consecuencias.

La película guarda sin embargo, un halo de esperanza, ya que esos niños pese a llevar el código genético del dictador, tal vez viviendo en otras circunstancias, otro ambiente y en otra sociedad, pueden tomar decisiones distintas sobre su futuro, es la eterna cuestión de la identidad personal y la colectiva. Una película que habla sobre el futuro, pero que no desvela todos sus secretos, simplemente plantea enigmas y deja algunas respuestas en el aire, ya que el rumbo de nuestro mundo sigue estando en nuestras manos y nuestras decisiones.



El film tiene un cartel de lujo y está interpretado de manera soberbia por Gregory Peck, Laurence Olivier y James Mason, entre otros, y está dirigida por Franklin J. Schaffner, un director irregular, con propuestas interesantes como "Papillon" y "Patton" y otra obra maestra en su haber "El planeta de los simios", que como "Los niños del Brasil", describe un futuro pesimista donde la humanidad se demuestra como su propio enemigo. Otro aspecto importante a destacar de este film es la banda sonora compuesta por el gran Jerry Goldsmith, en especial ese inolvidable "leit-motiv" a ritmo de vals, ese ritmo repetitivo, clonado, en círculo, auténticamente sobrecogedor.

No se puede decir nada más sobre el nazismo en el futuro, ya que todavía no existe esa máquina inventada por Orwell en su novela que nos permita vislumbrarlo con la claridad que sólo puede otorgar una vivencia, pero una película como "Los niños del Brasil" debería alertarnos de los caminos equivocados que la ciencia podría tomar y podría hacer renacer el pasado que nunca debería repetirse. La clonación es un descubrimiento extraordinario y con posibilidades gigantescas en la mejoría de nuestra sociedad, en la investigación de enfermedades, etc, pero contiene ciertamente unos peligros difíciles de mesurar y que en las manos equivocadas podría convertir el mundo en un lugar lleno de "ghettos".

WILL SMITH, EL NUEVO REY MIDAS

¿Quién no conoce a este polifacético actor afroamericano? Porque Will Smith no sólo es actor; recordemos también su faceta como cantante rapero de éxito. Su indudable carisma, simpatía y talento le han convertido en uno de los actores más cotizados de Hollywood, equiparando su éxito incluso al de actores como Denzel Washington o Morgan Freeman.
Su nombre completo es Willard Christopher Smith Jr., nació el 25 de septiembre de 1968 en Philadelphia (Pennsylvania). Este gran actor destacó desde muy pequeño en el colegio tanto por su carácter alegre y bromista como por sus buenas notas. De hecho, el Instituto de Tecnología de Massachussets le ofreció una beca escolar para estudiar ingeniería pero él la rechazó para dedicarse a lo que realmente quería: ser artista.
 Desde pequeño fue un niño despierto y con especial habilidad para cantar, actuar y salir airoso de todos los líos propios de un adolescente. Precisamente sus profesores recuerdan que esta gracia le valió el apodo de “Fresh Prince” en sus tiempos de instituto.



La faceta de Will Smith como cantante es indudablemente importante pero aún lo es más su carrera profesional como actor. En el año 1990, cuando ya era un joven rapero de cierto éxito, la cadena de televisión norteamericana NBC le contrató para protagonizar la serie” El príncipe de Bel Air”, cuyo argumento se inspiraba, en buena parte, en la vida del propio Will y reflejaba su carácter y las aventuras que vivió al trasladarse a Los Ángeles.
Quién le iba a decir a este nuevo “Rey Midas” que con el tiempo sus millones de seguidores de todo el mundo le conocerían con el sobrenombre de “Prince”, su apodo de instituto, gracias a la fama obtenida en dicha serie.

Su éxito en la pequeña pantalla fue abrumador, convirtiéndolo en actor reclamado para importantes proyectos cinematográficos de enorme éxito y  que ya son parte de su filmografía como “Dos policías rebeledes”(1995), “Independence Day”(1996), “Men in Black I”(1997) “Wild Wild West”(1998) “Enemigo público” (1998) “Men in Black II” (2002), “Yo Robot”(2004) y las recientes  “Soy Leyenda”(2007) y “Hancock”(2008).




Es importante recordar que Will Smith tiene dos nominaciones a los Oscar como mejor actor protagonista. La primera nominación le vino en el año 2002 y de la mano del famoso boxeador Muhammad Alí, protagonizando al mismo en el largometraje “Alí”, y la segunda nominación fue en el año 2007 como actor protagonista por su papel en el drama “En busca de la felicidad”,  un filme que supuso un nuevo cambio de registro y en el que Smith aguanta sobre sus hombros todo el peso de la película. Este nuevo cambio de registro parece que ha cautivado la atención del actor, ya que ha repetido experiencia, como ha demostrado en su último largometraje recientemente estrenado “Siete Almas”, en donde encarna a un funcionario de hacienda que intenta redimir su culpa ayudando a siete personas desconocidas.





Considerado como uno de los artistas más taquilleros del mundo, Will ha demostrado que guión que toca, guión que, como el famoso Rey Midas del cuento, transforma en oro o en este caso, en recaudación millonaria, y es que este chico tiene gancho. En su primer fin de semana en los cines españoles, la recaudación de su último estreno “Siete Almas” ha sido de 3 millones de euros, lo que equivale a un exitazo del que tiene mucha culpa el carisma, el buen rollo, el encanto y las toneladas de simpatía que “El Príncipe de Bel-Air” derrochó en su visita a España la semana pasada. No me extrañaría nada verle en un futuro no muy lejano protagonizando el personaje del recién estrenado presidente de Estados Unidos, Barack Obama. Y si no, al tiempo.




FILMOGRAFÍA DE WILL SMITH

1990- Saturday Morning Videos (TV)
1990- In Living Color (TV)
1990- The Perfect Date (TV)
1990-1996- El Príncipe de Bel-Air (TV)
1992- Where the Day Takes You
1993- Made in America
1993- Seis grados de separación
1995- Dos policías rebeldes
1996- Independence Day
1997- Hombres de Negro
1998- Enemigo público
1999- Wild Wild West
2000- La leyenda de Bagger Vance
2001- Ali
2002- Hombres de negro II
2003- Dos Policías Rebeldes II
2004- A Closer Walk (Documental, sólo voz)
2004- Yo, Robot
2004- El Espantatiburones (sólo voz)
2005- Hitch: Especialista en ligues
2006- En busca de la felicidad
2007- Soy Leyenda
2008- Hancock
2008- Siete almas

Las mejores películas de culto

Cuando hablamos de películas de culto nos referimos a películas que han alcanzado cierta relevancia y reconocimiento por su trama, su formato, su producción. etc., y cuya importancia perdura en el tiempo. ¿Cuáles son las mejores películas de culto? Dentro de esta categoría de películas de culto, polémicas, diferentes y que en muchos casos se han convertido en éxitos populares, vamos a destacar una selecta lista.

Algunas películas de culto tienden a contar con la admiración de un reducido público, aunque lo suficientemente amplio como para que su notoriedad perdure. Hay películas de culto que son oro en paño para la crítica pero han pasado desapercibidas para el gran público y las hay que siendo un bombazo en su estreno, la relevancia va pasando de generación en generación (sobre todo blockbuster de acción o dramones de antaño), independientemente de tener a la crítica de su parte, y así con el tiempo, se convierten en cintas de culto. A veces, ambas variables confluyen y público y crítica terminan por rendirse a las mismas joyas cinematográficas.

En cada época surgen diferentes títulos de culto y por diferentes razones. Así, si nos vamos a los pioneros del cine, se han convertido en películas de culto un puñado de películas de las que llamaríamos imprescindibles y a las que poca gente habrá dado una oportunidad como las expresionistas y surrealistas de El gabinete del Dr. Caligari, Nosferatu o Un perro andaluz.

Presentamos una lista de películas que bordean el cine comercial (o que se meten de lleno y la fama es precisamente su adoración en el tiempo) y que hacen paradas en los géneros principales que fueron dando forma a la historia del cine durante el siglo pasado. Representan géneros, son la muestra más característica de grandes cineastas, relatan historias sobrecogedoras, emocionantes fantásticas e incluso terroríficas. Eso sí, son todas imprescindibles:

El nacimiento de una nación, 1919
El gabinete del Dr. Caligari, 1920
La quimera del oro, 1925
El acorazado Potemkin, 1925
Metropolis, 1927
Scarface, 1932
King Kong, 1933
El mago de Oz, 1939
Lo que el viento se llevó, 1939
Ciudadano Kane, 1941
Casablanca, 1942
Sabrina, 1954
Los 7 samuráis, 1954
Cuentos de Tokio, 1953
Rebelde sin causa, 1955
Planeta prohibido, 1956
Vértigo, 1958
Psicosis, 1960
La pequeña tienda de los horrores, 1960
Desayuno con diamantes, 1961
Lolita, 1962
2001: Odisea en el espacio, 1968
La noche de los muertos vivientes, 1968
La naranja mecánica, 1971
El exorcista, 1973
Star Wars: Una nueva esperanza, 1977
Encuentros en la tercera fase, 1977
Halloween, 1978
Grease, 1978
Apocalypsis Now, 1979
El hombre elefante, 1980
Blade Runner, 1982
E.T., 1982
Rambo: First Blood, 1982
Los cazafantasmas, 1984
Regreso al futuro, 1985
Terciopelo azul, 1986
Pulp Fiction, 1988
Cuando Harry encontró a Sally, 1989
In the mood for Love, 2000

Descubre ¿Cuál es el Mejor Estado Civil?

Fundación COFAV (colectivo de formación en artes visuales) se complace en presentar la obra de teatro “Record En Taquillas” a nivel nacional “Soltero, Casado, Viudo y Divorciado”  

De la mano de Román Sarmentero, actor, director y dramaturgo Argentino nos llegan cuatro hombres, que desde su estado civil  nos presentan sus puntos de vista sobre cómo son las mujeres, considerando su belleza, su encanto y hasta lo peligrosa que pueden ser cuando se relacionan con ellos.

Es una comedia trepidante donde el soltero, el casado, el viudo y el divorciado, van cambiando su forma de ser, asumiendo diferentes posturas como la inocencia, la indecisión, la apatía o la picardía, muestran a través de las conversaciones más típicas de los hombres, que piensan y como hablan de ellas y su manera de actuar.

Habrá una única función en el Salón Cayaurima del Gran Hotel Venetur Puerto la Cruz el jueves 30 de octubre de 2014 a partir de las 08:00p.m. 

La Obra será presentada a Beneficio del Proyecto Cinematográfico “Sonata del Pajarillo”  película producida 100% en el Estado Anzoátegui en coproducción con la Fundación Villa del Cine y que ya se encuentra en etapa de postproducción.

Las entradas pueden ser adquiridas en la Tienda Gas Cool Man del Centro Comercial Plaza Mayor en Lechería,  para reservaciones comunicarse al 0281 5146203 o al 0416 6848876

Previo a la presentación, el Actor, Animador y Modelo Hector Peña, nos visitara en una gira de Medios para promover la obra, y hacer una firma de autógrafos en la Tienda Gas Cool Man  en el CC Plaza Mayor 

Las películas de videojuegos que nunca llegan

Cada poco se anuncia que aparecerá una película nueva basada en un videojuego de moda o en alguna leyenda de este medio, sin embargo, pasan los meses y las noticias sobre estos anuncios se desdibujan hasta perderse, ¿es quizá así mejor?

En los últimos dos años con la proliferación de videojuegos casi cinematográficos con historias tan sólidas que parecen directamente extraídas de Hollywood, se ha puesto de moda anunciar que estas franquicias darán el salto a la gran pantalla. Muchas veces se dice el nombre del productor y todo (que en muchas ocasiones es el omnipresente Avi Arad, por eso quizá no se materializan), del director, de quién está escribiendo el guión y raras veces, algún actor que participará en lo que tiene muchas papeletas para convertirse en la peor película del año. No nos engañemos, películas buenas sobre videojuegos hay muy pocas.

Estos últimos años hemos seguido la no-evolución y medio-culebrón de la versión de Uncharted (con protagonista anunciado y rechazado e historia que rallaba la estupidez); también hemos estado atentos a los derechos de Assassin"s Creed comprados por Sony que al parecer finalmente producirá y protagonizará Michael Fassbender -por ahora-, a los pasos de Dead Space que sigue adelante con D.J. Caruso como director, y de otros juegos como Heavy Rain, Deus Ex, Need for Speed -que tiene fecha para 2014-... ¿Se convertirán realmente en películas o estas intenciones se las irá llevando el viento como suele suceder?

Una de las últimas que prometió su salto al cine y lo consiguió fue Prince of Persia: las arenas del tiempo, aunque lo hiciera con más pena que gloria. Debutó en 2010 con Jake Gyllenhaal, Gemma Arterton y Ben Kingsley como protagonistas de una versión tediosa aunque respetuosa con el imaginario del juego, que sin embargo, no creó expectación para segundas partes.

Los últimos: Solid Snake y Sam Fisher

Las últimas noticias acerca de franquicias de videojuegos que visitarán las grandes pantallas son las historias de Solid Snake y Sam Fisher, de los videojuegos Metal Gear Solid y Splinter Cell. Ambos proyectos parecen tener buena dirección, con Hideo Kojima involucrado en la aventura hollywoodiense y buscando una cara desconocida para su héroe (si Kurt Russell estuviera en sus años mozos podríamos tener de vuelta a Snake Plissken). En cuanto al filme basado en el agente Sam Fisher, al parecer Tom Hardy (Bane en El Caballero oscuro: la leyenda renace) será el encargado de ponerse en su piel.

Resident Evil, máximo exponente

Si hay una franquicia de videojuegos que ha sabido adaptarse y triunfar en el cine, esa ha sido Resident Evil, que va ya por su quinta entrega (Resident Evil: Venganza). Su éxito, mezcla de acción desmedida y asegurarse a Mila Jovovich, le ha permitido llevar diez años ofreciendo secuelas.

Selección de películas de miedo para pasar la noche en vela

¿Preparando una velada terrorífica a base de grandes películas de miedo? Aquí te presentamos una selección de películas de miedo para pasar la noche en vela.

Desde que se ha publicado que ver películas de miedo adelgaza, seguro que es el género que más de uno y de una eligen para sus sesiones cinéfilas del fin de semana. Si estáis empezando en esto del cine de terror o queréis introducir a alguien, seguid nuestra guía de películas básicas.

Saga Scream
A mediados de los 90 daba comienzo una saga que marcó a toda una generación y que llenó las salas de los cines de adolescentes durante sus tres primeras partes (además de dar coba a toda una avalancha de clones basadas en el susto fácil). Una cuarta entrega se lanzó en 2011, solo apta para nostálgicos. En Scream, Neve Campbell sufrirá el acoso de un asesino que se esconde tras una máscara blanca y una túnica negra.

The Ring
The Ring es la historia de una cinta de vídeo maldita que mata a todo aquel que la ve, a los siete días. Para detener la maldición, los protagonistas tendrán que investigar un pasado lleno secretos. Puedes elegir el remake americano o directamente la cinta japonesa en la que se basa.

Destino final
Seguimos con los preliminares, y qué mejor que otra saga adolescente de sustos como Destino final, de la que ya se han lanzado cinco partes. En la primera, de 2000, Devon Sawa tiene una premonición antes de que despegue el avión en el que viaja con sus amigos y se bajan: poco después el avión tiene un accidente. Ellos se salvan, pero su destino era la muerte, así que esta encontrará nuevas formas de darles alcance.

REC
Terminamos el recorrido de lo contemporáneo con la saga española REC, en la que una infección extraña ha dejado aislado un edificio. Un equipo de periodistas entra en el lugar para descubrir qué sucede, pero salir con vida para contarlo, será otra historia.

Cuando ya hemos preparado nuestro paladar con estas ficciones de terror para aficionados, podemos pasar a los clásicos como la saga Halloween, saga Pesadilla en Elm Street, El resplandor o El exorcista, y de ahí saltar a grandes cintas de zombis, vampiros, hombres lobo, criaturas nocturnas salvajes... Pero eso, es una lista para otro día.

El sonido, el color, el 3D… ¿cuál es el próximo salto?

A lo largo de la historia del cine podríamos decir que hay dos grandes saltos técnicos que han dado lugar al cine tal y como hoy en día lo conocemos: el sonido y el color. Sin embargo, no podemos obviar que la técnica estereoscópica o 3D también se ha abierto hueco en las salas, aunque con menor impacto (por el momento es un añadido, un complemento, una opción más cuya ausencia no resta).

El sonido permitió elaborar guiones mucho más complejos, el color dio otra dimensión a la fotografía de las cintas y el 3D ha servido para aproximar al espectador a los hechos que ocurren en la pantalla… Pero, ¿cuál puede ser el próximo salto técnico en el cine?

Un mejor 3D.
Hemos dicho que el 3D es uno de esos saltos técnicos que marcan la historia del cine, sin embargo, no ha impactado realmente: se espera aún un 3D más potente, más lleno de vida, que no sea el típico elemento que creemos que nos va a golpear sino un entorno en el que nos introducimos, una evolución de Avatar, que rescató el 3D y lo puso en boga. Y sin gafas. Las molestas gafas para disfrutar de esta técnica echan a más de uno para atrás. Y es que aunque no haya tenido éxito, el camino lo ha marcado Nintendo con su 3DS, 3D sí, pero sin mediadores (en el caso de Nintendo, 3D no, ahí está su nueva 2DS).

La cuarta pared.
Para ser exactos, más bien una segunda pared. Imagina que el protagonista escucha un ruido y mira hacia la izquierda, pero en lugar de cambiar de plano, si el espectador mira a la izquierda allí puede ver el origen del sobresalto del protagonista. Las paredes y el techo de los cines están desaprovechados. Es cierto que la mayoría nos perderíamos la mitad de la película (o al menos todo ese apartado alternativo que se muestra alrededor de la pantalla), pues la costumbre nos haría esperar un plano contrapuesto y no al asesino escondido a nuestra derecha… Vamos, que no giraríamos la cabeza, o nos costaría, pero a todo se acostumbra uno, que les pregunten a los afortunados que asistieron al estreno de La llegada del tren a la estación de la Ciotat en el parisino Boulevard de los Capuchinos.

Efectos especiales en directo.
Involucrar varios sentidos. Esto que actualmente solo es una atracción más en los parques de atracciones, podría ser algún día parte de la oferta de las grandes salas comerciales de cine. Viento, agua, temblores, olores, pasar frío o calor… son múltiples las situaciones que podría reproducir una sala de cine para adecuarse a lo que se ve en pantalla: el espectador lo ve y lo siente.

Películas interactivas.
Se ha rumoreado varias veces con la posibilidad de que una película cuente con varios finales y que el público de la sala vote para decidir qué sucederá. Pues bien, los finales alternativos están bien como extra de ediciones en Blu-ray, pero decidir la conclusión nos destripa el final antes de que suceda… salta a la vista por qué la cosa no ha prosperado. Sin embargo, ¿imaginamos una película-experiencia en la que se decidan en tiempo real varios giros durante la trama de la misma?  Creaciones interactivas nacidas para tal propósito, nada de 3D de postproducción, colorear una película o grabar un final alternativo, sino proyectos de los que nazca un nuevo arte creativo y de entretenimiento.

Abonos.
Algunos cines ya han comenzado con esta iniciativa para evitar echar el cierre. Un sistema de abonos mensual/trimestral/anual o por 5, 10 o 20 películas, podría atraer a un mayor público y las salas ganar una mayor rentabilidad. Sí, esta no es una medida que afecte al cine en sí mismo, pero su distribución en las salas es parte esencial de la industria, y su delicada salud requiere de medidas una vez que las palomitas se han quedado cortas.

4 libros que terminaron siendo buenas películas

Quienes gustan de la lectura suelen decir que es mejor evitar ver una película si ya has leído el libro ya que, en la mayoría de los casos, las adaptaciones no suelen ser buenas y es poco probable que se consolide toda la trama en una hora y media o dos horas de metraje audiovisual. Sin embargo existen excepciones...

El exorcista

Debo confesar que cuando tenía once años y estaba leyendo esta novela de William Peter Blatty tuve la mala suerte, o buena (aún no lo sé), de sufrir un corte de luz en casa, justo cuando estaba en la mejor parte, lo que me asustó al tiempo que me hizo vivir intensamente el final de la novela. El exorcista de William Friedkin tiene todas las cualidades para hacerte sentir lo mismo que al leer el libro.

Lo que el viento se llevó

Lo que el viento se llevó es un libro extenso de cientos de hojas donde Margaret Mitchel nos hizo sentir parte de Tara y de la historia que envuelve a esta plantación junto a Scarlett O'Hara y Rhett Butler. La película de 1939 nos presenta una argumentación que respeta cada detalle de la historia de amor-odio que hizo popular a la novela.

La milla verde

Esta película de 1999 nos sumerge en cada uno de los detalles que nos entregó el icónico Stephen King en la novela del mismo nombre, La milla verde. Siempre se ha debatido si la película, protagonizada por Tom Hanks y Michael Clarke Duncan, llegó a ser más popular que la novela.

El Padrino

Cuyo título original es The Godfather, nos cuenta la historia de la familia Corleone basada en el libro homónimo de Mario Puzo. Si hay que elegir una mejor adaptación, posiblemente ésta se llevase al gato al agua.